DESPERTAR

Gary Moore fallece en Estepona

2011-02-09T00:29:00.001-08:00

Estepona (Málaga), 6 feb (EFE).- El guitarrista de rock británico Gary Moore, de 58 años, ha muerto hoy en el Kempinski Hotel Bahía de Estepona, y su cuerpo no presenta signos de violencia en una primera inspección, según han informado a EFE fuentes de la Subdelegación del Gobierno en Málaga.

Las mismas fuentes han añadido que no se va a abrir ningún tipo de investigación por la muerte del músico, salvo que de la autopsia se desprendan motivos para hacerlo, aunque han insistido en que en una primera inspección del cadáver no se aprecian signos de violencia.

El músico llegó al citado hotel ayer al mediodía y ha fallecido la pasada madrugada, han añadido las fuentes, que no han precisado si viajó acompañado.

Moore, nacido en Belfast (Irlanda del Norte) el 4 de abril de 1952, comenzó su carrera musical en la década de los 60. En 1970 firmó con su banda, "Skid Row", un contrato con el sello discográfico CBS.

Pocos años más tarde fue reclutado para la legendaria banda norirlandesa "Thin Lizzy" por su cantante, Phil Lynott, que antes había formado parte de "Skid Row".

Su carrera en solitario alcanzo relevancia en 1979 con su disco "Parisienne Walkways".

Siguieron después títulos de gran éxito como "Wild Frontier" (1987) y "Still Got The Blues" (1987).

En 1994, trabajó junto a Ginger Baker en la banda "BBM" y reanudó posteriormente su carrera en solitario.

En esta etapa, grabó discos tan emblemáticos como "Dark Days In Paradise" (1997), "Back To The Blues" (2001), "Power of the Blues" (2004) y "Live at the Monsters of Rock" (2003).

En agosto de 2005 se reunió de nuevo con algunos de los miembros de "Thin Lizzy" para un concierto en Dublín.

Los últimos discos grabados por Moore en estudio son "Old New Ballads Blues" (2006) y "Close as you get" (2006).

El guitarrista realizó una gira por Rusia y Extremo Oriente en 2010 y preparaba varias actuaciones para este verano junto a una nueva banda.

Uno de los miembros de "Thin Lizzy", Brian Downey, se confesó "conmocionado por su muerte" y rindió tributo a su colega.

"Siempre estará en mis pensamientos y plegarias, no puedo creer que haya muerto", declaró. EFE 1010143 mac/jlp/dt/mlr

Jethro Tull y la genialidad de Ian Anderson!!!

2009-12-13T00:35:00.000-08:00

Ian Anderson, líder del grupo, genial compositor, cantante y flautista escocés!!
Gran mérito tiene Ian Anderson ya que como flautista, es autodidacta!!

La lista de instrumentos que ha tocado con su grupo es muy amplia, desde la flauta, guitarras acústicas y eléctricas, bajo, saxofón, órgano Hammond, batería, teclados, trombón, gaita escocesa, hasta gran variedad de silbatos (flautines) y violín.

Ian Anderson 's Flute Solo...genial!!!espectacular!!!

La música Jethro Tull tiene varios estilos, desde el rock progresivo, pasando por el blues, el folkrock y la música medieval.
El grupo además utiliza instrumentos no comunes en el rock como mandolinas, balalaikas y laúd, de ahí su toque medieval. En varios de sus temas hay más de un teclista y por supuesto casi todo tipo de flautas que es lo que da el toque mágico, típico y característico de Jethro Tull. Todos estos elementos hacen de su música algo irrepetible e imposible de copiar.

Thick as a Brick....indudablemente mi álbum preferido del grupo!!! Espectacular!! Genial!!! Soberbio!!!

A lo largo de los años, los he ido siguiendo en sus actuaciones en directo, acudiendo a varios de sus conciertos en Barcelona etc...y realmente para mí ha sido un placer verlos. A Ian Anderson siempre lo he visto dando todo de si, un gran virtuoso, comunicándose siempre con el publico, y no parando de dar vueltas en el escenario, entregándose del todo, lo que es de admirar y apreciar. No hace mucho que los volví a ver y a pesar de su avanzada edad, seguía muy activo en el escenario y como siempre entregado al público....en cuanto a su voz, esa voz tan característica que a lo largo de su larga carrera ha sido impecable, en este último concierto había perdido potencia, algo totalmente lógico.
Tengo un buen recuerdo de todos sus conciertos!!!

Respecto a su discográfica recomiendo ampliamente todos sus álbumes progresivos de los años setenta, para mi los mejores de toda su carrera, los que marcaron una época!!!

De los ochenta solo destacaría el álbum The Broadsword And The Beast y de los noventa Crest Of A Knave. A partir de 1989, de sus álbumes solo me gustan algunos temas sueltos, que ya no comentare porque como he dicho antes lo mejor de Jethro Tull es su fabulosa música de los setenta!!!!

El nombre del grupo, Jethro Tull...fué elegido por Anderson. Jethro Tull fue un agricultor, granjero y escritor inglés del siglo XIII, que inventó la sembradora mecánica.

La historia empieza en 1967, cuando Ian Anderson abandona su afición de ser pintor, acepta un viejo abrigo como regalo de despedida de su padre, y sentado en la parte trasera de un camión se va a Londres para ser músico, y junto a sus compañeros forma un grupo que se llamó John Evan Band.

Jethro Tull se forma un año después, en 1968, con los siguientes miembros: Ian Anderson (voz, flauta, guitarra acústica etc..), Mick Abrahams (guitarra eléctrica), Glenn Cornick (bajo) y Clive Bunker (batería y percusiones).

En ese mismo año editan su primer álbum “This Was". El disco posee varios estilos musicales, principalmente blues, jazz y algo de rock. Es un buen álbum pero con poco de progresivo. A destacar: Song for Jeffrey tema más rockero y contundente con flautas y armónicas marcando el ritmo y la genial voz de Anderson, Beggar’s Farm uno de los mejores temas del disco, escuchad el sonido de la flauta!!! Someday The Sun Won’t Shine On You...un típico tema de blues, de guitarra, bajo y armónica, My Sunday Feeling buen tema rockero con flautas y guitarras y la voz de Anderson típicamente de blues.

My Sunday Feeling

Abrahams deja el grupo y se incorpora (tras algunos reemplazos temporales) Martin Barre como guitarrista quien aún hoy permanece en el grupo.

En 1969 sale el buen álbum Stand Up, aquí su estilo musical cambia ya que prescinde de la influencia del jazz, pero sigue con el blues, que por cierto a mi me encanta!!!
Anderson es líder del grupo y compone nueve de los diez temas. En este disco participa por primera vez David Palmer a cargo de los arreglos orquestales que con el tiempo irán cobrando mayor importancia en el sonido de Jethro Tull.

A destacar, Bouree magistralmente interpretado por Anderson en la flauta, A New Day Yesterday, We Used To Know, tema con un ritmo de blues con un inicio acústico que va ganando fuerza, Reasons For Waiting balada acústica con los arreglos de cuerdas a cargo de David Palmer.

Bouree...buenísimo tema!!!

En 1970 sale su tercer álbum: Benefit y además, hay varios cambios ya que dejan el grupo Clive y Glenn, siendo reemplazados por Barriemore Barlow y Jeffrey Hammond respectivamente y se incorpora John Evan como teclista.
En este disco hay algunos cambios en su música, los sonidos propios del blues han desaparecido casi por completo. Empieza a advertirse un notorio progreso en la composición.

A destacar: With You There To Help Me, To Cry You A Song, tema rockero con extensos pasajes instrumentals, A Time For Everything, tema rockero con algo de flautas, pianos y guitarras acústicas. Teacher uno de los clásicos del grupo, Play In Time, otro tema en el que guitarras y flautas se complementan.

En 1971 el grupo crea uno de sus mejores trabajos: Aqualung. Un álbum clásico y excelente!!!! Con un marcado acento de rock, algo de folk y como no la flauta mágica y tremenda de Anderson. Con este trabajo el grupo se consagra como uno de los mejores de la época. Aquí para mi empieza lo mejor de J. Tull, la época de los setenta, con sus mejores discos!!!

Aqualung...considerado el himno del grupo, pero curiosamente no suena la flauta!!

A destacar todos los temas del disco!!! Aqualung...Cross-Eyed Mary, tiene un inicio con teclados y flautas de fondo, tema rockero....muy destacable el solo de flauta a mitad de la canción. Otro tema excelente es Cheap Day Return...corto y acústico, Mother Goose, Wondering Aloud...otro tema corto y acústico con algo de piano y violines de fondo, Up To Me...muy buen tema con especial protagonismo de la flauta y el piano, My God, Hymn 43...muy buen tema, Slipstream...otro tema corto y acústico con violines de fondo, Locomotive Breath, Wind-Up tema que alterna pasajes a piano más melancólico con otros mas rockeros. Todo el álbum es genial!!!

Mother Goose un tema genial, prácticamente acústico con varias flautas de fondo, como siempre acompañado de la soberbia voz de Anderson.

Como cosa totalmente indignante comentar que en Spain, algunos fragmentos del álbum fueron censurados por la dictadura, por su contenido en temas religiosos y sociales que por lo visto no rezaban con el régimen.

Locomotive Breath otro clásico del grupo, muy buen tema!!!

My God magnifico tema!!!

En 1972 se edita el que es para mi su gran obra maestra, mi preferido del grupo, el espectacular álbum Thick as a Brick, una obra monumental del rock progresivo, un trabajo conceptual impresionante, de un solo tema de 44 minutos de duración, que se divide en dos partes en cada cara del disco, (además la portada del vinilo es preciosa), un magnifico tema de ritmos tanto desenfrenados como tranquilos, múltiples instrumentos, baterías que suenan perfectamente, guitarras con preciosos solos, los teclados perfectos, realmente bellísimo!!! Anderson es la estrella del disco con sus excelentes trabajos acústicos, con su genial flauta y sus memorables solos, su gran estilo y como no, su inconfundible y magnifica voz. La cantidad de melodías que Anderson incluye en este trabajo son excelentes!!! Realmente es un gran virtuoso, todos los integrantes del grupo están geniales!!!

Los ritmos y melodías del álbum, describen el escenario ideal de la historia de como llegamos a ser quienes somos y de donde venimos.

Thick as a Brick (part one)

Tema que nunca me canso de escuchar!! Lo recomiendo muchísimo!!!!

Thick as a Brick (part two)

Este mismo año sale el buenísimo álbum Living In The Past, un recopilatorio con temas como Teacher, o Witches Promise...tema que tendría una relevancia trascendental puesto que se convirtió en la primera canción de la historia de la música en ser grabada en sistema estéreo.

Witches Promise...buen tema!!

Este LP doble incluye sus mejores éxitos de estudio, pero también canciones grabadas en vivo.

Living In The Past...magnífico tema!!!

En 1973 sale otro disco magnífico, buenísimo, conceptual, A Passion Play, catalogado de complejo, de una gran calidad. El álbum es un solo tema de más de cuarenta minutos que ocupa las dos caras del disco. Las críticas a este álbum al principio fueron tan devastadoras que Anderson por poco disuelve el grupo. Lo recomiendo ampliamente!!

A Passion Play...Genial!!

En 1974 sale el buenísimo álbum War Child con aire folk y ciertos toques medievales, con temas no muy largos, con los buenos arreglos orquestales de Palmer.
A destacar: Back Door Angels, Ladies tema muy hermoso con muchas guitarras acústicas y violines que conforman un conjunto muy agradable y medieval. Skating Away (On The Thin Ice Of A New Day), Bungle In The Jungle, The Third Hoorah.

Skating away on the thin ice of the new day...uno de los temas más conocidos del disco!!!

Back Door Angels

En 1975 sale Minstrel in the Gallery, un álbum excelente, genial...con un sonido marcadamente más acústico.

A destacar: Minstrel In The Gallery, Cold Wind To Valhalla, Black Satin Dancer y la bella suite Baker Street Muse.

Minstrel in the Gallery...buenísimo tema con gran trabajo de Barre y Barlow!!!

Baker Street Muse...una hermosa suite de cuatro partes de corte netamente medieval, alterna algunos pasajes acústicos con algunos un poco más rockeros pero el tono es mayoritariamente acústico.

Al término de la grabación de Minstrel in the Gallery, se va del grupo Jeffrey Hammond y es reemplazado por John Glascock.

En 1976 sale el buenísimo álbum Too Old to Rock'n'Roll, Too Young to Die, un clásico!!! A destacar: Crazed Institution tema country, Salamander...tema acústico mayoritariamente instrumental. Taxi Grab...un buen tema, From A Dead Beat To An Old Greaser...tema acústico muy hermoso, Too Old To Rock'N'Roll, Too Young To Die el mejor tema del disco y un clásico por excelencia, Pied Piper y The Chequered Flag (Dead Or Alive) muy buen tema!!! Hermoso!!!

Too Old to Rock´n´Roll, Too Young to Die...excelente tema!!

En 1977 entra en el grupo David Palmer y sale el álbum Songs From The Wood, un buenísimo disco!!!

Muy influenciado por el hecho de haberse mudado a una residencia rural, Anderson compone este disco donde logra un genial sonido progresivo de algunos discos anteriores, también de folk, música celta y medieval, aunque el disco en general es folk, con un gran trabajo de Anderson, y los teclados de David Palmer como segundo teclista son también parte importante del sonido del álbum.

A destacar: Songs From The Wood...un excelente tema, Jack In The Green...tema mayoritariamente acústico en el que Anderson toca todos los instrumentos, Cup Of Wonder...buen tema, con mucha guitarra acústica y flautas, Hunting Girl, Velvet Green otro gran tema, The Whistler otro tema genial, Pibroch (Cap In Hand) bellísimos sonidos de guitarra acústica y flauta con aplausos de fondo, Fires At Midnight un hermoso tema!!!

The Whistler...excelente tema!! Con mucha guitarra acústica y unos geniales solos de un instrumento llamado Whistler.

Songs From the Wood...buenísimo tema!! Un clásico del grupo y una de las más geniales creaciones de Anderson.

En 1978 sale Heavy Horses, un buenísimo álbum con un sonido folk aunque más rockero que el anterior. En este disco Palmer vuelve con los arreglos orquestales.
A destacar: Acres Wild...tema folk con violín que acompaña de forma magistral a la flauta, No Lullaby, Moths..tema acústico genial con un muy buen trabajo (como siempre) de Anderson en flauta. Journeyman, Rover...tema acústico, Heavy Horses, Weathercock...tema acústico genial!!

Heavy Horses, un clásico del grupo, buenísimo tema!!!

En 1979 sale el buenísimo álbum Stormwatch que cierra la llamada trilogía folk y la etapa clásica del grupo. Mantiene el sonido folk de los discos anteriores aunque incorpora algunos elementos más rockeros. Durante las grabaciones, el bajista Glascock empezó a tener problemas cardiacos y un mes más tarde debe ser operado de corazón, lamentablemente fallece después de la intervención. Fue un durísimo golpe para todo el grupo.

Home...entrañable tema acústico y melancólico con un excelente trabajo de Barre en la guitarra eléctrica.

En la mayoría de los temas el bajo es tocado por Anderson. Dave Pegg ocupa el lugar de Glascock.

North Sea Oil...muy buen tema!!!

A destacar: North Sea Oil, Home, Dark Ages, Something’s On The Move muy buen tema, Old Ghosts, Dun Ringill tema acústico e intimista muy agradable, Flying Dutchman, Elegy tema instrumental muy bello!!!

Elegy...hermoso tema!!! Compuesto solitariamente por Palmer en el que la flauta y la guitarra eléctrica llevan adelante la melodía.

En la década de los ochenta Jethro Tull a causa de una serie de problemas internos se separan, quedando solamente Anderson y Barre como parte del grupo. Fue una lastima que por desavenencias dejaran escapar grandes músicos como John Evan, David Palmer y Barriemore Barlow. De hecho se notó porque J. Tull ya no fue lo mismo de antes.
El grupo queda formado por, Anderson, Barre, Dave Pegg( bajista) y Mark Craney (batería).

En 1980 sale el álbum A, para mi es un disco mediocre. Crossfire es un tema marchoso con pianos y percusiones en el que se nota el cambio en el sonido del grupo, Flyindale Flyer buen tema, en Black Sunday..Jobson teclista y violinista invitado, aporta elementos marcadamente electrónicos, y se luce en los teclados, The Pine Marten’s Jig...tema instrumental con la flauta en primer plano, And Further On..tema más sinfónico.

Fylingdale Flyer

Al finalizar la gira de este disco, Jobson y Craney abandonan Jethro Tull. Jobson es reemplazado por Peter-John Vettese y Craney por Gerry Conway. Posteriormente este último es reemplazado por Doane Perry.

En 1982 sale un buen álbum The Broadsword And The Beast, para mi el único bueno de esta década. Participan Peter-John Vetesse en los teclados y Gerry Conway en la batería, junto con Barre y Pegg.

Slow Marching Band, tema lento muy hermoso con arreglos de flauta excelentes!!!

A destacar: Beastie, Clasp, Fallen On Hard Times, Flying Colours, Slow Marching Band, Pussy Willow...buen tema, Seal Driver y Cheerio...tema corto que es ya un clásico a la hora de cerrar los conciertos.

Pussy Willow buen tema!!

Fallen On Hard Times buen tema!!

En 1984 sale el álbum Under Wraps, un disco flojo!!!
El batería Doane Perry sustituye a Gerry Conway.

Poco tiempo después Anderson tiene una serie de problemas vocales por lo que el grupo se ausenta de la escena musical durante 3 años.

En 1987 sale el álbum Crest Of A Knave, se suele mencionar a este disco como el de “la vuelta” de Jethro Tull, ya que vuelve con el sonido rockero abandonado en mucho tiempo. Es un buen disco con un trabajo de Barre en la guitarra eléctrica realmente espectacular. El disco fue grabado por Anderson, Barre, Pegg y la batería estuvo repartida entre Gerry Conway y Doane Perry (quien había acompañado al grupo en las giras anteriores y que en la actualidad permanece en el grupo.

Farm On The Freeway...buenísimo tema!!!

A destacar: Steel Monkey con gran trabajo de Barre. Farm On The Freeway buen tema, Jump Start, Said She Was A Dancer, Budapest tema largo con algunos buenos solos de guitarra y Raising Steam.

Steel Monkey...buen tema!!!

En 1989 sale Rock Island, en general es un disco flojo!!

No puedo opinar mucho de los últimos discos de Jethro Tull, algunos no los he escuchado y de los que conozco solo me gustan algunos temas sueltos.

Es muy difícil que un grupo con una carrera tan larga como Jethro Tull, pueda mantener el mismo nivel musical.

Para mi Jethro Tull seguirá siendo un gran grupo consolidado en la mejor época del rock progresivo, en los años setenta, y Ian Anderson para mi seguirá siendo un gran virtuoso y una bella persona por su entrega al publico en el escenario aún a pesar de su avanzada edad, me quito el sombreo ante el!!!

MARILLION CON FISH: EL PROGRESIVO DE LOS OCHENTA

2009-08-22T12:35:00.000-07:00

Sugar Mice...uno de mis temas preferidos de Marillion!!! Realmente bello!!! Conmovedor!!!

La historia de Marillion se divide en dos etapas, la primera (1981 - 1988) con Fish y la segunda con la marcha de Fish y la entrada en 1988 de Steve Hogarth. Hablaré de su primera etapa, es decir de Marillion con Fish, que es mi preferida y es la que conozco mas.
En 1978 nace en Inglaterra el grupo instrumental Silmarillion, usando el título de la obra literaria de J.R.R. Tolkien, formado Mick Pointer, batería, junto con Brian Jelliman (teclista), Doug Irvine (bajista) y Steve Rothery (guitarrista).
En 1980 cambiaron el nombre del grupo por Marillion, y decidieron integrar un vocalista, Derek William Dick....conocido como Fish, vocalista y compositor escocés de Edimburgo que fue el líder de Marillion.

Marillion, empezó tocando en 1981 en bares y club’s londinenses, y Fish ya por entonces aparecía en los escenarios como lo haría mas adelante, con sus típicas máscaras y con su espectacular maquillaje.
El grupo con solo cuatro magníficos álbumes de estudio, ocupa un lugar muy importante dentro del rock progresivo, siendo para mi uno de los grandes grupos dentro del panorama musical de los ochenta.
Integrantes de Marillion: han permanecido en él grupo desde 1984: el guitarrista Steve Rothery (el único miembro original actualmente), el teclista Mark Kelly, el bajista Pete Trewavas y el percusionista Ian Mosley.
Fish...vocalista y compositor (se fue del grupo en 1988)
Steve Rothery...guitarra eléctrica
Pete Trewavas....bajo
Mark Kelly....teclados
Mick Pointer..percusiones (se fue del grupo en 1983)
Ian Mosley....percusiones (a partir de 1984)
Aparte, hubo otros tres percusionistas Jonathan Mover, Andy Ward y John Mártir, que entraron y salieron del grupo entre la marcha de Pointer y la llegada de Mosley.
El primer sencillo de Marillion fue Market Square Heroes, en 1982, con el genial tema Grendel...

Grendel...espectacular tema!!!

En 1983 salio su primer y extraordinario álbum Script for a Jester's Tear... Fish en la voz , Mark Kelly en los teclados, Mik Pointer en la batería y percusiones, Steve Rothery en guitarras eléctrica y acústica y Pete Trewavas en distintos bajos crearon este espectacular álbum poético.
Se dice que este álbum sentó las bases sobre cómo se fabricaría el rock neo progresivo en adelante.
A destacar, desde canciones tristes y llenas de sentimiento como la genial Script for a Jester's Tear, el tema The Web, Garden Party buenísimo y divertido tema, Chelsea Monday precioso y romántico, Forgotten Sons y He Knows, You Know dos temas magníficos...en fin destacaría todos los temas...un álbum imprescindible!!!
Script For A Jester's Tear...excepcional tema!!!

La portada de este disco es realmente bella, es una ilustración de Mark Wilkinson, según una idea de Fish. Dice mucho más de lo que parece a simple vista. La habitación de un bufón (Jester) donde esta Fish intentando componer alguna canción. Su cara triste y angustiosa refleja también el estado general de la habitación...sucia y desordenada. Sobre la mesa, restos de cigarrillos y bebidas vertidas encima de la mesa. El bufón descalzo, camina sobre letras tiradas al suelo, junto con desperdicios, como latas de refrescos y botellas de plástico. El camaleón que está subido sobre el respaldo de la silla, observa los vanos intentos del pobre diablo. La cama, sucia y desordenada, presenta prensa amarilla sobre ella, y la almohada nos muestra un rostro cadavérico.
En el otro extremo de la habitación, un antiguo tocadiscos está parado, junto a varios discos en el suelo, entre los que vemos junto a otros, el single de debut del grupo Market Square Heroes y He Knows You Know. También vemos, en la pared, posters de estos dos singles.
Chelsea Monday...conmovedora...sin palabras!!!

En este álbum progresivo, cada instrumento desempeña su papel: la guitarra eléctrica de gran presencia y solos explosivos, los teclados envolventes cuyo timbre peculiar es muy presente y que se alterna en solos con la guitarra, el bajo de gran profundidad, la batería realmente fabulosa, y las voces perfectas.
En 1984 sale el fenomenal álbum Fugazi, el segundo de Marillion, coincidiendo con la entrada del batería Ian Mosley en lugar de Mick Pointer.
El trabajo de todos los músicos es excelente. Steve Rothwry con unos solos preciosos....muy emotivos, Mark Kelly con sus solos bellísimos en su arsenal de teclados....Fish con su voz...a veces casi ronca...sus murmullos y susurros intimistas y sus letras poéticas.
A destacar ....el tema Assassing, que habla de la corrupción y las intrigas laborales en las empresas de alto nivel. La temática social sigue con otro tema... Punch & Judy, que habla del divorcio con una intención satírica. La bellísima balada Jigsaw...en la que Fish nos relata un conmovedor e ingenioso retrato de la desazón de la ruptura.
Jigsaw...bellísimo tema!!!

El buen tema Emerald Lies, con un aire más rockero....es un relato de celos desmedidos que llevan a la paranoia, el insulto, y la humillación....She Chameleon otro buen tema, que retrata un caso puramente sexual y que es especial, ya que Fish hubiera querido que no se hubiese tratado solamente de un romance de una sola noche. El amor como instrumento de venganza es el núcleo temático de Incubus, espectacular tema de 8 minutos de duración, en el que hay uno de los solos más hermosos de Rothery...Fugazi...espectacular tema que habla del desempleo, las tensiones interraciales, las manifestaciones obreras, y los abusos policiales que son retratados de forma casi dantesca por Fish....para dar cuenta del mundo tan demente en que vive la sociedad urbana occidental. La urbe se va hundiendo en sus propias "guerras internas", al compás de la marcha militar con que concluye la canción.

En 1985 sale el excelente álbum Misplaced Childhood, mi preferido...con sus dos preciosos sencillos, "Kayleigh" y "Lavender".
Es un disco conceptual en el que Fish narra sus pesadillas más privadas y sus reconciliaciones con el amor tras la extenuante ausencia. Fish lo relaciona con la exhaustiva gira que el grupo había hecho un año atrás.
El disco Misplaced Childhood es un clásico, una obra conceptual, es uno de los mejores discos de la historia del progresivo, por su poder interpretativo, su armonía exacta en todos los elementos que intervienen en él…los líricos son poéticos y utilizan un lenguaje culto (de hecho fue por las letras de este álbum que Fish se ganó la fama de gran poeta en todo el mundo) que se vierte desde cuerdas vocales que caracterizan adecuadamente cada palabra, los teclados y guitarras establecen diálogos armónicos y expresivos, el bajo excelente....la batería emocionante..es un disco que me conmueve....realmente bello...imprescindible.
A destacar todos los temas del álbum...desde Pseudo Silk Kimono...Kayleigh....Lavender....Bitter suite uno de mis preferidos..de los mas bellos!!!....Heart of Lothian....Waterhole.... Lords of the backstage....Blind curve, de 9 minutos otro de los temas mas hermosos de Marillion!!!... Childhoods end?....White feather...realmente todos excelentes.
Kayleigh...bellísisisisimo tema!!!

Lavender...extraordinario tema!!!

Blind curve...sin palabras!!! conmovedor!!! genial!!!

En 1987 salio su cuarto y excelente álbum Clutching at Straws...con Steve Rothery (guitarras), Mark Kelly (teclados), Pete Trewavas (bajo) y Ian Mosley (percusiones). Después de este Fish dejaria el grupo.
En este álbum hay voces invitadas para cantar los bellos versos de Fish...como: Tessa Niles en el magnifico tema Warm Wet Circles y en The Last Straw....Robbin Kimsey en Incomunicado y John Cavanagh en Torch Song.
Warm Wet Circles...hermosísimo tema!!!

El espectacular tema White Russian critica el crecimiento de neo nazis en Europa y el bellísimo tema y uno de mis preferidos Sugar mice, que delata los líos amorosos de Fish.
White Russian...espectacular!!!

Tras una gira del grupo en 1988, Fish decide emprender carrera como solista y deja a sus compañeros sin cantante, quienes recurren a anuncios en la prensa para buscar a su sustituto. Un año mas tarde, Marillion presenta oficialmente a Steve Hogarth, como nueva voz, este demostraría en poco tiempo que el grupo estaba decidido a mantener su integridad artística, pues en lugar de buscar un clon de Fish, entra en el grupo un cantante con matices y colores en la voz totalmente distintos a los del primero.

En 1989, con el buenísimo disco Seasons end, empieza una nueva etapa, Marillion con Hogarth....del cual no puedo opinar demasiado ya que solo conozco los cuatro primeros discos del grupo con Hogart, me gustan bastante, pero no me apasionan como los álbumes de Marillion con Fish.

FOCUS: La magia de Jan Akkerman y Thijs van Leer

2009-06-28T09:39:00.000-07:00

Buenísimo grupo holandés de rock sinfónico- progresivo más conocido a nivel internacional, que revolucionó el mundo de la música en la década de los 70.

Focus, supo combinar perfectamente elementos del rock y de la música clásica. Su inventivo estilo musical, está caracterizado por las flautas, guitarra y teclados.

En 1969 en Ámsterdam, Thijs van Leer, teclista y un virtuoso de la flauta, formó un trío con el batería Hans Cleuver y el bajista Martin Dresden. Más tarde entró el guitarrista Jan Akkerman.
Van Leer y Akkerman fueron el alma del grupo y los máximos compositores, con sus temas generalmente instrumentales.

Van Leer decía : "el nombre Focus da una visión de las intenciones musicales del grupo, en la idea de enfocar y concentrarse en la música"

El primer álbum salió en 1970 "In And Out of Focus", combina canciones con la voz de Van Leer y temas instrumentales, un muy buen álbum!!!

House of the King (Akkerman) hermosísimo tema, realmente bello!!!

Akkerman no quiso seguir con Dresden y Cleuver y llamó a un compañero suyo, Pierre Van Der Linden muy buen batería que se unió al grupo junto con Cyril Havermans en bajo y voces. Thijs Van Leer se quedó en el grupo.
Con esa nueva formación editaron en 1971 su segundo álbum, el genial y precioso "Moving Waves", un clásico del rock holandés, con diversos estilos musicales, es una combinación de clásico, rock y jazz. No se pierdan los excelentes solos de Akkerman, las adaptaciones clásicas y la inclusión del que sería el futuro himno del grupo, el legendario y precioso tema "Hocus Pocus", donde Van Leer aplicó por primera vez el canto al estilo tirolés.

Hocus Pocus (Akkerman / VanLeer)

En el álbum también destacan temas como...Le Clochard...Janis un melódico tema con un gran trabajo de Van Leer en la flauta...Moving Waves otro hermoso tema y Focus II otro bello tema instrumental.

Focus II (Van Leer)

En la cara 2 del vinilo está Eruption una espectacular y tremenda suite de 23 minutos, uno de los temas "largos" más hermosos y mejor logrados de la historia del progresivo. El grupo realiza un soberbio trabajo demostrando de lo que eran capaces de hacer cada uno de ellos como instrumentistas, todos ellos grandes virtuosos. Resumiendo, un tema genial, conceptual, que se debe escuchar y que está compuesto principalmente por Van Leer, con arreglos de Akkerman.

Eruption..Sin palabras!!! para mi es uno de los temas "largos" mas hermosos de Focus y lo considero uno de los temas mejor logrados de la historia del rock sinfónico-progresivo. Realmente precioso!!!!

Después de este disco en 1972, hicieron una extensa gira por Inglaterra, donde tocaron junto a Genesis, EL&P, entre otros!!!
En este mismo año, Cyril Havermans dejó el grupo para seguir su carrera como solista, y fue reemplazado por Bert Ruiter bajista, compositor y cantante.
El grupo quedo formado con los siguientes miembros:
Thijs van Leer (teclados, flauta, voz), Jan Akkerman (guitarras, laud), Pierre van der Linden (batería) y Bert Ruiter (bajo y coro).

Grabaron en directo y en solo cuatro días el magnífico y buenísimo "Focus III", a destacar el hermoso tema Love Remembered, Sylvia (Van Leer) famoso tema, con un gran trabajo de Akkerman. En principio, Van Leer lo compuso con letra pensando que lo iba a cantar una actriz de cabaret, pero esta no estaba interesada...

Elspeth of Nottingham tema de corte renacentista y Anonymus II magnífico tema de más de 26 minutos de duración, incluyendo los buenísimos solos por parte de cada componente del grupo.

En 1972 salieron de gira por clubes y colegios de Holanda, y en 1973 por el Reino Unido y fueron por primera vez a Estados Unidos.
En aquella época Focus era considerado uno de los mejores grupos y Jan Akkerman el "mejor guitarrista del mundo".
En 1973 grabaron dos noches de los conciertos que hicieron en el Rainbow Theatre de Londres, y se editó el buenísimo álbum en directo "Focus Live At The Rainbow", fiel reflejo de esa gira.

Decía Van Leer: "la cantidad de shows hicieron peligrar la calidad de nuestra composición y perder el contacto con nuestras raíces europeas".

En 1974, Van der Linden decidió dejar Focus porque el estilo del grupo ya no era de su agrado ya que Ruiter quería hacer de Focus un grupo más comercial, y fué sustituido por el percusionista escocés Colin Allen.

En este mismo año se editó la que se considera su última gran obra, "Hamburger Concerto", un disco excelente!!! Con la apertura de Delitiae Musicae, tema cortito con aires folk, la hermosa La Cathedrale De Strasbourg de estilo clásico, el sonido del piano es maravilloso!!

La pasión que se escucha en la guitarra de Akkerman en Birth, tema más rockero.
Genial!!!

Hamburger Concerto magnífico tema de música clásica en perfecta asociación con el rock y algún toque de blues en algunos de los solos de guitarra, 20 minutos de constantes cambios unidos a una melodía que va repitiéndose, es casi en su totalidad instrumental, con algún que otro coro y esta dominado por los teclados de Thijs Van Leer, la guitarra de Jan Akkerman con sus solos tan memorables y un bello solo de flauta de Van Leer...hay un solo de guitarra electrica hacia la mitad del tema con mucha sensibilidad, precioso!!!

Realmente todos los músicos nos demuestran que son auténticos virtuosos en sus respectivos instrumentos.

Por este año, empezaron los problemas y tensiones entre Van Leer y Akkerman.
En 1975 salió el álbum Mother Focus, (realmente no muy bueno) en el cual Allen tocó solo un tema, ya que dejo el grupo después de estar un año en el. La grabación de este álbum se realizó con el nuevo percusionista americano, David Kemper.
En este disco ya no se escucha el típico sonido Focus, el estilo del grupo era distinto. Debido a estos cambios se agravaron aún más los problemas entre Akkerman y Van Leer. Desde el principio ambos tuvieron puntos de vista opuestos, pero el respeto mutuo y su coincidencia en lo musical los había mantenido juntos. Mas tarde las diferencias musicales fueron la causa del alejamiento entre ambos.
Mother Focus!!

En 1976, en su gira por Inglaterra, las entradas se agotaron por anticipado. El grupo tenia un gran reconocimiento, pero las permanentes peleas entre Van Leer y Akkerman hicieron que Jan Akkerman cansado, dejara el grupo por no estar de acuerdo con la nueva línea musical más orientada al jazz.

Decía Van Leer: "antes de ir a Inglaterra vino Jan y me dijo que estaba en desacuerdo con la música, yo le dije entonces que si era así por favor se fuera del grupo, porque deseábamos continuar, además no proponía composiciones alternativas".

Por su parte comentaba Akkerman: "luego del sexto año seguido tocando lo mismo, me sentía como en una fábrica, el grupo se había vuelto en el hobby de Van Leer".
En su lugar entró el guitarrista de jazz-rock belga Phillipe Catherine.

En 1977 se edito una retrospectiva con trabajos inéditos titulada "Ship of Memories" que además incluía versiones alternativas de temas viejos de 1973, incluyendo un corto tema inédito que titula el disco, compuesto por el batería Piere Van Der Linden. Se incluye una versión única del conocido tema Hocus Pocus, pero con una velocidad mucho más rápida que la versión del disco Moving Waves.

A finales de 1977, Van Leer y Ruiter se unieron con P.J. Proby vocalista y editaron un nuevo álbum llamado "Focus con Proby" que sigue un estilo orientado al jazz y al pop, junto a los guitarristas Phillip Catherine y Eef Albers, y el batería Steve Smith completando el grupo.
El último concierto de Focus fue en 1978 en Holanda, con el batería Richard James en lugar de Smith.

Tanto Akkerman como Van Leer, siguieron sus carreras como solistas, y en 1985 se reunieron para editar el disco titulado "Focus", con músicos como Tato Gómez, Ruud Jacobs, Ustad Zamir Ahmad Khan, Sergio Castillo y Ed Starink, incorporando moderna tecnología y también incluyendo batería electrónica.

En 1990, el Focus original se reunió para un especial de la televisión en Holanda, haciendo un set de 40 minutos incluyendo nuevo material.

En 2002 Focus tocó en Brasil en el Río Art Rock Festival, como máxima atracción y realizó una extensa gira mundial presentando su nuevo y estupendo trabajo titulado Focus 8.
Después de este álbum Thijs van Leer y Jan Akkerman volvieron a separarse.

Los discos que más me gustan de Focus y que les recomiendo por considerarlos imprescindibles son estos tres:
Moving Waves, Focus 3 y Hamburger Concerto...
Después su primer álbum In And Out of Focus y como no el directo Focus Live At The Rainbow..

Les dejo con este bello tema!!! Harem Scarem (Van Leer)

Mario Benedetti: Poeta de Amor y Denuncia‏

2009-05-19T03:06:00.000-07:00

Uruguay y el mundo llora a Mario Benedetti!!!
Se nos fue uno de los grandes poetas de la literatura contemporánea!!! Se marcho a los 88 años, dejándonos un gran legado!!!
Montevideo fue su última parada y casi la primera. El gran escritor uruguayano vivió muchos años en el exilio a causa de la dictadura Uruguaya, estuvo en varios países: Argentina, Perú, Cuba, y en España. Madrid fue como su segundo hogar.
Hace tres años, la partida de este mundo de su esposa después de sesenta años de matrimonio, le rompió el alma. Su última obra, en el 2008 fué "Testigo de uno mismo", aquí Benedetti ya presentía su partida y nos habla de su soledad y del amor que sentía por su mujer,Luz:
"Acontece la noche y estoy solo/ cargo conmigo mismo a duras penas/ al buen amor se lo llevó la muerte/ y no sé para quién seguir viviendo".

Joan Manuel Serrat en la voz de Benedetti: "El sur también existe"

"Rostro de vos" precioso poema de Mario Benedetti, en la buenísima película "El lado oscuro del corazón".

La gente que me gusta "Mario Benedetti", otro de sus lindos poemas!!!

Tu memoria y tus obras quedaran para siempre en el alma de nuestros pueblos!!

VOTIVKIRCHE: UNO DE LOS EDIFICIOS NEOGÓTICOS MÁS IMPORTANTES DEL MUNDO

2009-04-02T06:33:00.000-07:00

NADA MEJOR QUE ESTE TEMA PARA DAR UNA VUELTA POR ESTE POST!!!!

La Iglesia Votiva (Votivkirche), se encuentra en la preciosa ciudad de Viena (Austria).

Es una impresionante iglesia de estilo neogótico, de una extraordinaria belleza!!!!
La mandó construir Francisco José como voto, a los 18 años, después de haber sobrevivido a un atentado.
Esta iglesia está situada en Rooseveltplatz, lugar donde un sastre intentó asesinar al emperador Francisco José, en febrero de 1853. Fue levantada gracias a una colecta y el arquitecto encargado fue Heinrich von Ferstel, quien comenzó las obras en 1856, siendo finalizadas en 1879.
La idea principal de la construcción de esta iglesia, era hacerla mausoleo de los austriacos famosos, pero no llegaría nunca a materializarse.
Lo que más destaca en la iglesia es el altar de Amberes, tallado en un estilo gótico tardío.

Destacar también que la iglesia Votiva acoge en su magnifico interior el altar de la Virgen de Guadalupe (patrona de México) más grande de todos los que están construidos fuera de México. Este altar fue construido, en conmemoración del que era entonces emperador de México, Maximiliano, hermano de Francisco José.

Desde el punto de vista decorativo llaman la atención los hermosos chapiteles de filigrana y la aguja. Muchas de las capillas de la iglesia están consagradas a regimientos y héroes militares austriacos.
El monumento más importante es el sarcófago renacentista de Nikla Salm, situado en la capilla oeste de la nave norte. Salm mandó las tropas austriacas durante el asedio turco de 1529.

Como muchos edificios de Viena, la Iglesia Votiva o Votivkirche tiene una historia detrás. Cuentan que en 1853 el recién casado Francisco José, emperador y marido de Sissí, sufrió el ataque de un hombre que le provocó un fuerte corte en la nuca con un estilete ( hay varias versiones contradictorias sobre el incidente ). El emperador se salvó porque en el último momento un carnicero que pasaba por allí avisó a gritos, y por ello la herida no fue mortal. En recompensa por haberle salvado la vida Francisco José nombró Conde al carnicero, cuyo condado Ettenrich aún existe. A este Conde se le ha llamado el Conde Carnicero.

Francisco José construyó esta iglesia porque había hecho un voto a Dios si sobrevivía al atentado. Al poco tiempo mandó levantar este templo neogótico cuyo diseño encomendó a Heinrich Ferstel con dos torres de un centenar de metros.

Realmente es hermosísima!!!!!

Albert Schweitzer: Uno de los más grandes de la ética médica , y de la ética humana en general

2009-03-25T06:53:00.000-07:00

Un buen tema de un mítico grupo de rock de los años sesenta: THE BAND!!!

La esencia del testamento ético del Dr. Albert Schweitzer, expresa el valor de respetar la vida de todos los seres, desde los más pequeños e insignificantes hasta la de los seres humanos.

Albert Schweitzer alimentó la esperanza en una humanidad más profundamente consciente de su posición en el universo. Su optimismo se basaba en la "creencia en la verdad". "El espíritu generado por la concepción de la verdad es mayor que la fuerza de las circunstancias." Acentuó persistentemente la necesidad de pensar, más que en la simple actuación de seguir los propios impulsos o las opiniones más extendidas.

Teólogo, filósofo, médico, escritor, músico y misionero alemán. Premio Nobel de la Paz en 1952.

Albert Schweitzer , nació en Alsacia en 1985, estudió medicina, teología, filosofía y música durante su juventud. Fue pacifista durante toda su vida.
Estudió filosofía y teología en la Universidad de Estrasburgo. En 1913 finalizó sus estudios de medicina en la misma Universidad.
Como Doctor en Filosofía, se destacó por su filosofía humanista que propaga el amor por todos los seres vivos por igual.

Como Doctor en Teología, se destacó por sus ideas acerca del cristianismo, el cual intentó llevar a la práctica en detrimento de la teoría religiosa.

Como músico fue un pianista reconocido que interpretó, entre otros compositores, a Wagner.
Al igual que su íntimo amigo Albert Einstein, Schweitzer pensaba que:
"Enseñar con el ejemplo no es la mejor manera de enseñar, es la única manera de hacerlo".

Dejo su vida cómoda en Alemania , para vivir como médico misionero en Lambarené, un pequeño pueblo africano en plena jungla. Fundó su hospital, y dedico gran parte de su vida, a cuidar de los más desprotegidos, a quiénes el mundo había dado la espalda. Schweiter trabajó incasablemente, en condiciones infrahumanas. Atendió y trató miles de pacientes, victimas de la malaria, enfermos con lepra, etc. Los gastos del hospital los subvencionaría gracias a las conferencias y a los conciertos de piano, algunos de ellos con Pau Casals, en Europa.
Su hospital seria reconocido a nivel mundial, de hecho, fue el único sitio alemán respetado por las tropas aliadas durante la segunda guerra mundial.
En 1952 recibió el Premio Nóbel de la Paz, inmortalizando así su grandioso ejemplo para con toda la humanidad.
Fue nombrado miembro de la Academia de las Ciencias Morales y Politicas de París. A partir de entonces, no dejo de luchar junto con Albert Einstein y Bertrand Russell, contra las bombas y las pruebas nucleares, realizando conferencias.
Albert Schweitzer fue en su día un organista famoso, muy interesado en la música de Bach. Publicó un estudio en dos volúmenes de la vida de Johann Sebastian Bach.

La visión del mundo de Schweitzer estaba basada en su idea de la Reverencia por la vida, que él creyó que fue su mayor y más simple contribución a la humanidad.
La filosofía verdadera debe empezar con el hecho más inmediato y más comprensivo del sentido: 'soy ser vivo y deseo vivir, en medio de seres vivos que desean vivir'. La vida y el amor en su opinión están basados y siguen el mismo principio: respeto por cada manifestación de la vida y una relación personal y espiritual hacia el universo.

"El hombre no puede vivir su vida sólo y para sí mismo. Para el hombre realmente ético, toda forma de vida es sagrada, incluyendo aquellas que desde el punto de vista humano, tienen menos valor. Y debemos darnos cuenta de que nuestra vida está unida a todas esas vidas."

"Debemos luchar contra el espíritu inconsciente de crueldad con que tratamos a los animales. Los animales sufren tanto como nosotros. La verdadera humanidad no nos permite imponer tal sufrimiento en ellos. Es nuestro deber hacer que el mundo entero lo reconozca. Hasta que extendamos nuestro círculo de compasión a todos los seres vivos, la humanidad no hallará la paz".
Albert Schweitzer

Schweitzer fue muy respetado por poner en práctica estas teorías en su propia vida.

CAT STEVENS: El buen recuerdo de aquellos tiempos!!!La nostalgia de aquella época!!!

2009-02-25T10:03:00.000-08:00

Magnífico músico de extraordinaria sensibilidad que aportó un estilo personal, imaginativo y distinto a la música. Cat Stevens poeta, escritor, compositor y diseñador de las portadas de sus discos.
Con una larga carrera como músico que supo interpretar el lado melancólico, romántico y pacifista del movimiento hippie.

Sus canciones las tarareaban masivamente los jóvenes haciendo suyas las ideas de amor y paz que transmitía el cantante que, poco a poco, se deslizaba hacia las religiones orientales, fundamentalmente de corte budista. Incluso consiguió que los jóvenes cantaran en latín con el, consiguiendo que esta lengua muerta sonara a las mil maravillas.
Para quienes no lo conozcan empiezen escuchando este maravilloso tema, que personalmente me trae muy buenos recuerdos!!!

Wild World...Cat Stevens me cautivo, con su bella voz, sus hermosas canciones, como esta, acompañada por su guitarra!!!
Cat Stevens fue reconocido como uno de los cantautores más importantes de la época , junto con James Taylor, Carole King, y otros.
I love My Dog, precioso tema y uno de sus primeros singles...

Stephen Demetri Georgious, así se llamaba, nació un día de julio de 1948 en Londres.
Su padre, inmigrante Griego Chipriota , tenia un restaurante en la capital británica y su madre era de nacionalidad sueca.
Cat Stevens desde pequeño ya le encantaba la música, al principio la clásica, por eso no es de estrañar que con 12 años, ya tocara el piano, la guitarra y aún más, escribía canciones. Con 16 empezó e estudiar arte y paralelamente, inició su carrera musical como solista tocando la guitarra, en cafés y pubs londinenses.
El nombre de "Cat Stevens" muy adecuado por cierto, se lo puso su chica, por sus preciosos ojos que decían eran de gato.

Escuchad este extraordinario tema!!! Sin palabras!!!

Father & Son, del buenísimo álbum Tea for The Tillerman.

Cat Stevens afirmó "jamás quise ser una estrella".
Personalmente en aquellos tiempos me parecia guapísimo, muy atractivo!!!!
En 1966, a los 18 años, empezó a grabar sus primeros singles, "I Love My Dog" y el buenísimo "Matthew and Son". Ambos temas forman parte de su álbum debut, “Matthew and Son”.
En 1967 se editó el álbum “New Masters”, (del que salió el single “The First Cut Is The Deepest”).
Aquí podemos verle cantando este buen tema, y varias fotografias de jovencito. Cat Stevens amaba y ama a los animales, a los seres indefensos, a los niños!!!

En 1968, Cat Stevens enfermó de tuberculosis,por lo que tuvo que estar ingresado durante varios meses. En este tiempo, se dedicó a repasar aspectos personales de su vida y tomó la meditación como una forma de vida. Leia muchos libros de religión y se volvió vegetariano, lo que me pareció fenomenal.
En poco tiempo había escrito cerca de 40 canciones, mucho más introspectivas que sus trabajos anteriores. Se podría decir que esta enfermedad le marcó su sentido existencial.
Ya curado y con una nueva perspectiva del mundo y de la música, grabo el extraordinario álbum “Mona Bone Jakon” (1969), que contiene muy buenos temas como "Lady D'Arbanville", "Pop Star", y el maravilloso tema "Katmandu" con el que contó con la colaboración de Peter Gabriel en la flauta.
En 1970 salio el maravilloso álbum “Tea for the Tillerman”, con temas excelentes como "Hard-Headed Woman", "Father and Son" y “Sad Lisa” tema extraordinario.
Sad Lisa....SIN PALABRAS!!!!

Escuchen uno de mis temas preferidos de Cat Stevens!!!Moonshadow, del extraordinario álbum Teaser and the Firecat.

Como me gusta tanto este tema, quiero tenerlo en mi blog en directo y grabado en estudio.

SIN PALABRAS TAMBIEN!!!!
En 1971 salió el espectacular álbum, “Teaser and the Firecat” con otra hermosa portada dibujada por Cat Stevens, de este álbum salieron los extraordinarios singles "Peace Train"(Tren de la paz), "Morning Has Broken" (un hermosísimo tema, para el recuerdo de aquella época en que la que yo empezaba a ser adolescente) y también el extraordinario tema que siempre me ha encantado "Moonshadow". A destacar tambien temas como "How can I tell you" o "If I Laugh"...
Peace Train, otro de mis temas preferidos!!!

Excelente video!!!!

Otro de mis temas preferidos, nostalgíco!!!Morning Has Broken.

Como dato curioso, Cat Stevens contribuyó con temas nuevos y viejos en la banda sonora de la película “Harold and Maude”, una comedia negra que llegó a ser un éxito del cine de culto en 1972, aunque no se editó ningún álbum con la BSO (Los temas de esta banda sonora se publicarron en el “Footsteps in the Dark - Greatest Hits, Vol. 2” en 1984).
En 1972 salió el bellísimo álbum "Catch bull at four", que trasluce de manera clara la evolución orientalista de Cat Stevens. El álbum tiene preciosos temas como "Sitting", "The boy with a moon and star in his head" o "Can't keep it in".
Otro de mis temas preferidos!!!

En 1973 salió "Foreigner" con una impecable suite en donde el cantante se recrea en excelentes solos de piano. “Foreigner suite”.
Bellísimo tema!!!!

En 1974 se edito el precioso álbum “Buddha and the Chocolate Box”, decorado con dibujos infantiles , y que ahora reflejan sin ninguna duda un momento religioso de clara inspiración budista. Este álbum incluye el bellísimo single "Oh very young" tema también para el recuerdo!!!otro de mis preferidos!!

En el tema “Music”, del mismo álbum Stevens escribe:
«Échale un vistazo al mundo / Piensa en cómo se acabará / No habría guerras en el mundo / Si todos se unieran al grupo / Piensa en la luz de tus ojos / Piensa en lo que debes saber / No habría guerras en el mundo / Si todos se unieran a esta canción».
En 1974, se edita “Number” disco de espectacular diseño que marca el comienzo de la despedida del cantante con su público.
Las preocupaciones existenciales de Cat Stevens se acentuaron en esta época, , al igual que sus planteamientos religiosos y espirituales. Cat Stevens repartió parte de las ganancias de sus discos a organizaciones sociales, en especial la parte de impuestos que dejó de pagar al fisco británico tras cambiar de residencia.
Durante ese mismo año su hermano David, después de un viaje, quedo fascinado con la religión Islámica, llevando consigo una copia del Corán. Esta fascinación la transmitió a Cat Stevens, el cual empezó a estudiar la religión Islámica, que le marco en su vida espiritual.
En 1977 Cat Stevens hizo una peregrinación a Jerusalén y edito un nuevo álbum “Izitso”. En Diciembre de este mismo año, se convirtió formalmente al Islamismo, en una ceremonia efectuada en una Mezquita de Londres, y cambio su nombre por el de Yusuf Islam.
Cuentan que Cat Stevens, mientras se estaba bañando en la playa de Malibú (California), la marea le arrastró mar adentro, y estando a punto de morir ahogado ofreció su carrera a Dios, si éste le salvaba, pocos minutos después estaba a salvo en la orilla. Sea cierta o no la anécdota, no lo se!!!....el caso es que Cat Stevens se convirtió al Islam, a la religión musulmana, renegando de la industria musical como negocio, abandonando su carrera como autor discográfico y dedicando su vida al estudio espiritual y a la gente más necesitada, subastando gran parte de sus bienes (entre ellos todos sus instrumentos musicales) y creando centros de caridad y educativos islámicos.
El uso de instrumentos musicales así como el hecho de cantar canciones es un tema de debate en el mundo musulmán. Fue tanto su compromiso, que llegó al punto de pedir a las compañías discográficas que dejaran de distribuir sus discos anteriores, hecho que, obviamente, nunca se produjo.

Durante el año de 1980 se fue a Londres con su esposa y sus cinco hijos, y empezó a formar parte, de manera comprometida, en la comunidad musulmana británica, fundando una escuela islámica de alto contenido religioso.
En 1989 después de un largo tiempo en silencio, Yusuf Islam apareció en publico en una universidad británica y delante de estudiantes, hizo un discurso poco afortunado, que causo un fuerte impacto en los medios de comunicación, y al mundo en general, al apoyar la sentencia de pena de muerte del Ayatolá Jomeini contra Salman Rushdie, por la publicación de "Los Versos Satánicos", que establecían una revisión crítica al Corán.
Cat Stevens dijo que se le había mal interpretado y culpó a la prensa de manipular sus declaraciones.
A raíz de esto, las emisoras de radio de U.S.A retiraron toda la música de Cat Stevens en protesta por esta decisión del cantante, dándose el caso que la radiodifusora WNEW, de New York, regalaba copias del libro “Versos Satánicos” a cambio de los viejos discos de Cat Stevens, este intercambio fue muy aplaudido por los americanos, y se llego al extremo de quemar en plazas publicas, por todos los fans indignados, miles de copias de sus álbumes.

Al margen de esta polémica y en un plano estrictamente autoral, Cat Stevens permanecerá y permanece, como una de las personalidades musicales más importantes y significativas surgidas en el Reino Unido a finales de la década de los años 60.
En la década de los noventa Yusuf Islam volvió a la música, salieron más álbumes como Back to Earth, y Footsteps in The Dark.
En 1994 , las compañías discográficas editaron un disco recopilatorio “Footsteps in the Dark: Greatest Hits, Vol. 2”.
En 1999 edito “Prayers of the Last Prophet” de temática religiosa y a partir del año 2000 salieron más discos bajo la misma temática, como “A is for Allah” “I Look I See” , “Indian Ocean” , “Footsteps In The Light” (2005) , grabando siempre como Yusuf Islam.
En 2006 grabó "Un other cup", con canciones en las que se puede encontrar una visión mística de la vida, siempre en "El camino de la Paz", pues Yusuf es un hombre de paz.
Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al Islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales.
Una frase dicha por el dice:
"soy un espejo donde los musulmanes se miran para ver el mundo occidental y donde mis compatriotas se miran para ver el Islam".

ESPECTACULAR TEMA, OTRO DE MIS PREFERIDOS!!! Miles From Nowhere. En este video también toca Father and Son...

Su amor por los niños le llevó a fundar dos escuelas y una universidad.
Gran parte de su fortuna la ha dedicado a ayudar a las víctimas de las guerras y desastres naturales (Bosnia, Iraq, Darfur, Tsunami, Gaza).
Le fue otorgado el premio "Hombre por la Paz" a sugerencia de Mijail Gorbachov.
Yusuf no ha dejado de cantar y grabar canciones de gran belleza desde que dejó el mundo de la música. Se trata de canciones religiosas llamadas "anachid" cuya belleza sorprenderá a más de uno.
Participó en el concierto dado en conmemoración de la liberación de Nelson Mandela junto con otros artistas en Sudáfrica.
Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria.

Bien aqui les dejo con este pequeñisimo resumen de la música de Cat Stevens!!!
Espero les haya gustado!!!!

Dedicat a l'Indy el meu gosset! Dedicado a Indy!

2009-01-25T13:36:00.000-08:00

En el cielo hay otra estrellita que brilla con luz propia!!!!!

Este precioso tema esta dedicado a Indy!!!

En el cel hi ha un altre estrelleta que brilla amb llum propia, és l’Indy!
Adeu Indy...sempre et recordare!!!!

El miercoles 14 de Enero se fue Indy, le quedaban tres dias para cumplir los 13 años, lo tuve que dormir, no sufrio, no le deje sufrir ni un momento, me duelen los ojos de tanto llorarle, pero me reconforta el saber que fue muy feliz, ha sido un perrito muy querido ( como los demas que he tenido), y hasta el ultimo momento ha estado acompañado y recibiendo todo mi cariño....eso es lo que quisiera para todos los humanos, y para todos los seres que no tienen voz para defenderse, para todo el mundo!!!
Fueron muchos años juntos, compartimos muchas cosas, los paseos por el mar, por la montaña....la alegria con la que te recibia al llegar a casa, siempre contento, jugueton...y muchisimas cosas mas!

NUNCA SE ME HAN DADO BIEN LAS DESPEDIDAS....NUNCA!!!! PERO LO INTENTARE!!!
JAMAS TE OLVIDARE!!!

Hauràs de veure'm plorar....mai se m'ha donat bé dir adéu...però ho intentaré!

Mai t’oblidaré...Et recordaré sempre...

Este hermoso tema de James Taylor lo dedico a mi perrito Indy!!!

En el cielo hay otra estrellita que brilla con luz propia!!!!!

DEDICADO A TODOS MIS AMIGOS DEL BLOG!!!

2008-12-24T15:50:00.000-08:00

QUE TENGAN UNAS FELICES FIESTAS DE NAVIDAD Y MIS MEJORES DESEOS PARA EL PROXIMO AÑO!

Mi regalo son estos temas, espero que os gusten!!!

Para mis amigos más rockeros, os dedico un tema de sus satánicas majestades The Rolling Stones!

Para los más nostálgicos, la música, la magia y la maravillosa voz de Loreena Mckennitt!

Para los amantes del rock sinfónico-progresivo, no puede faltar Yes, con este extraordinario tema!

y este otro espectacular tema, de Genesis con Peter Gabriel!!!!

A los apasionados del jazz fusión les invito a escuchar, un tema de Pat Metheny y otro de Billy Cobham.

Pat Metheny, el encanto del mejor guitarrista de jazz fusión!

Billy Cobham, el ingenio de un buen batería!

Para los más bluseros, espero disfruten con dos de los grandes: John Mayall y John Lee Hooker.

John Mayall, el padre del blues blanco!

John Lee Hooker, una leyenda del blues!

Y como broche final con todo mi cariño, un tema más navideño!!!

Un abrazo a todos!!!!

QUE SIEMPRE OS ACOMPAÑE LA BUENA MUSICA!

JANIS JOPLIN: La voz blanca del blues y soul, con un estilo absolutamente inimitable….

2008-12-08T10:28:00.000-08:00

1969

A Woman Left Lonely...uno de mis temas preferidos!!!! Genial!!!

Cantante excepcional, con un estilo propio, un tono de voz espectacular para el blues y el soul, y que dejó un legado impresionante para las cantantes que vinieron después.
Su energía y entrega en el escenario, eran fruto de la dura experiencia de tocar en todo tipo de locales.

Espectacular tema!!!!

Admiradora de Woody Guthrie (músico de folk estadounidense), y Bessi Smith, (gran voz femenina de blues y primera cantante de color que grabo un disco de soul).
Tres grandes festivales marcaron la trayectoria de Janis Joplin, el primero en el parque Golden Gate de San Francisco, el segundo el 16 de Junio de 1.967, que fue el de su consagración, en Monterrey (México), y en 1969 una gran Janis Joplin, triunfó en el festival de Woodstock.

Janis Joplin nació en 1943, el mismo año que : Lou Reed, George Benson, Mick Jagger, Keith Richards , Jim Morrison.... y murió a los 27 años, edad en la que también fallecieron, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Robert Johnson, Brian Jones....

Su pueblo, Port Arthur, un pequeño pueblo industrial cerca de la frontera con Lousiana ( al sur del estado de Texas). Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto. Los padres de Janis hubieran querido que fuera maestra.

De niña ya mostraba instintos artísticos y cierta rebeldía, se dice que era tímida e introvertida. Su amor por la música empezó a los 16 años, al oír música negra.

Janis Jolpin nunca fue muy popular entre sus compañeros del colegio, y además se ganó una reputación de marimacho.
En el instituto, se unió a un grupo de jóvenes que iban en contra del racismo, y sus compañeros de clase, la acusaban de ser "amiga de los negros". En aquella época y más en los estados sureños, estaba muy mal visto... ( bueno hoy en día sigue el racismo en el mundo, y en especial en U.S.A).

Después del instituto, ingresó en un colegio estatal en Texas, donde pasó un año, para luego matricularse en la Universidad de Texas, en Austin, donde conoció al grupo llamado "Waller Creek Boys", que tocaban una mezcla de Blues y Rock.

Empezó a cantar a los 17 años y grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes. En la universidad, decían de ella, que era "el hombre más feo del campus", quizas en aquella época si, pero en su madurez, la ví una mujer muy atractiva!!

En 1963, Janis Joplin se fue con su amiga Chet Helms en auto-stop a San Francisco, que a principios de los 60 era la cuna de la música, de la creatividad y estaba lleno de locales de música en vivo. A Janis Joplin le encantó la ciudad y decidió quedarse. Empezó cantando por los bares y tomando speed para soportar el agotamiento que le producía esta actividad, pero pronto se convirtió en una adicta a las anfetaminas, y al alcohol, y sus amigos, asustados por su estado, (llego a pesar 35 kilos) decidieron llevarla a su pueblo natal para que se rehabilitase.

Después de pasar algún tiempo en Porth Arthur, Janis Joplin regresó a San Francisco en 1966, con su amiga Chet Helms, que trabajaba como promotora de conciertos. Su amiga pensó que ella sería la perfecta vocalista para el psicodélico grupo "Big Brother and The Holding Company"...formado por: Sam Andrew, James Gurley, Peter Albin y David Gatz, desde entonces, el grupo se haría muy popular en la escena local de San Francisco.

Golden Gate Park, Octubre de 1966

Big Brother

1967

Janis Joplin en 1967, actuó con su grupo en el legendario Festival de Monterey , de tres días de duración, compartiendo escenario con figuras de la talla de: J. Hendrix, The Who, The Byrds, Canned Heat, The Mamas and the Papas, Simon & Garfunkel, Otis Redding. etc....Su imponente voz y su fuerte presencia en el escenario, marcó sus diferencias con el grupo. Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada.

Janis Joplin ,Festival de Monterey, 1967

Grabaron el álbum Big Brother & the Holding Company Featuring Janis Joplin (1967)… El disco tiene aires psicodélicos y cantos al amor influenciados por el aura hippie de la costa oeste americana. Canciones como "Caterpillar", "Women is losers", "Blindman" o "Intruder" así lo demuestran.
Con "All is loneliness" nos introducimos en un mundo negro con un aura psicodélica tremenda, pero compensadísimo con clásicos como "Call on me", "Down on me" y "Bye, bye baby", que reflejan la influencia del blues de Janis Joplin y aportan una carga más emocional al conjunto de la grabación.

Janis Joplin and Big Brother - Down On Me

El segundo álbum del grupo, "Cheap Thrills" con toques de blues, tuvo una enorme repercusión y buenas críticas, cada vez más centradas en Janis Joplin, que en el grupo, lo que reforzó su autoestima y pronto eclipsaría al grupo con su majestuosa voz.

Durante la gira, empezó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama.

Decía: "nada que se siente tan bien puede ser malo". "Sólo quiero algo de paz". En esa época y en plena fama Janis Joplin, aumentó su adicción a las drogas sobretodo la heroína, y el alcohol.
Es una lastima, pero una marca de whisky se hizo famosa gracias a ella.

Su protagonismo y su carácter inestable, hizo imposible continuar con el grupo, así que Janis Joplin lo dejo en 1968. Hicieron gira de despedida dónde tocaron temas como Piece of my Heart, un auténtico clásico.

Janis Joplin and Big Brother and the Holding Company - Piece of my heart..excelente tema!!!!

El 16 de agosto de 1969, actuó con enorme éxito en el legendario festival de Woodstock (Bethel, Nueva York), nuevamente con Jimi Hendrix, además de con: Credence C.R, Santana, Joe Cocker, etc....gracias a su excelente vocalización, y a su magnífica voz, ella fue una de las más aclamadas por el publico, lo que aumento su fama.
En el documental de la película, que ganó un oscar en 1.970, Janis Joplin no aparece, puesto que el primer montaje del director Michael Waldeleigh duraba 7 horas, y tuvo que ser recortado.

Janis Joplin - Work Me Lord (Woodstock 1969)Gran tema!!!!

Me and Bobby McGee...Uno de mis preferidos!!! que escuche de muy jovencita, que me trae muy buenos recuerdos, este impresionante tema lo canté muchisimas veces, pero con mi desastrosa voz...mi gran ilusión de pequeña era cantar...intentaba imitar a Janis Joplin, en la voz!!! y este tema me traía de cabeza...

Me and Bobby McGee...Sin palabras!!!

Después de Woodstock Janis Joplin cambió de grupo, se unió a The Kozmic Blues Band, grupo que incorporo en el sonido muchos instrumentos de viento, además de coros, con un aire a música Goospel, por lo visto, no tuvieron buena crítica y eso hizo que se refugiara más en el alcohol y la heroína.

The Kozmic Blues Band

The Kozmic Blues Band, estaba formado por: Sam Andrew, guitarrista, que continuó con ella cuando dejo la Big Brother & the Holding Company, y el resto del grupo lo formaron: Bill King, organista, el bajista Brad Campbell, Ron Markovitz, batería, el trompetista Marcus Doubleday y Terry Clementes, saxo.
El grupo, no tuvo nunca el sonido duro y agresivo del anterior grupo.

El primer álbum con The Kozmic Blues Band, fue en 1969, I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!, que no terminó de convencer a Janis Joplin, además el disco, se consideró un bajón en la carrera de Joplin. Su fama de rebelde y ebria, crecía en cada concierto. Los conciertos en directo eran un desastre.

Ball And Chain....tema genial!!!

Un mes después de la publicación del disco, Sam Andrew, que siempre había estado con ella, dejó el grupo, esto marcó la separación definitiva de la formación.

En las entrevistas, terminaba hablando de su vida privada, de sus sentimientos. Decía que: "hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.
Quiso volver al hogar de sus padres, esperando ser recibida como una gran estrella de rock consagrada, pero el recibimiento no pudo ser peor, sus padres aprovecharon para marcharse, rechazando lo que representaba su hija, y la gente del pueblo de Port Arthur, tampoco mostró alegría por su llegada. Esto la sumió todavía más en el pozo.
En una ocasión su madre le diría "ojalá no hubieras nacido".

Cry Baby...maravilloso tema!!!!

En septiembre de 1970, se fue a Los Ángeles y grabo "Pearl" con su nuevo grupo.
El 4 de octubre de 1970 después de asistir a la grabación, y después de una noche como tantas otras, en las que no faltaba el alcohol y la heroína, la encontraron muerta en su habitación por sobredosis de heroína. Tan solo tenía 27 años, con una gran carrera por delante, una gran perdida...una lastima, porque hubiera podido tener otro futuro, pero este fue su destino...una vida muy intensa, que no pudo controlar.....

Janis Joplin ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas más tarde...

Se dice, que las jeringas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte, por lo cual, se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix, Jim Morrison...

El último disco que estaba grabando, Pearl fue editado seis semanas después de su muerte y fue todo un éxito. El disco cuenta con colaboraciones de Kris Kristofferson y de Bobby McGee, además de una renovada The Kozmic Blues Band.

Como homenaje, se dejó el tema "Mercedes Benz" a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó...asimismo, se incluyó la canción "Buried Alive in the Blues" sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.

Move over...buenísimo tema!!!

Janis Joplin quiso ser incinerada y que sus cenizas fueran tiradas a lo largo de la costa de Marin County, California.

Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.

Artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.

Trust Me...entrañable tema!!!!

A destacar el hecho que una artista con una carrera tan corta, haya tenido la influencia que todavía tiene hoy en día la gran Janis Joplin!

Get it while you can....espectacular!!!

Una serie de coincidencias han conducido a calificar a las muertes de Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison una especie de "maldición del Rock":

Janis, Jimi y Jim tenían la misma edad (27 años) al momento de sus muertes.
Todos murieron de sobredosis de droga. Sus nombres empiezan con "J".
Los tres murieron entre 1970 y 1971, habiendo solo un mes de diferencia entre la muerte de Jimi Hendrix que murió el 18 de septiembre de 1970, y 8 entre ella y Jim Morrison.

Los tres se han convertido en iconos culturales de los 60, triunfando, y muriendo al acabar esta década.

Pinceladas de la vida de Janis...al final hay una preciosas y entrañables fotografias de ella...con su gran voz desgarradora!!!!!

HASTA SIEMPRE JANIS JOPLIN!!!!! ESTARÁS CANTANDO EN EL CIELO!!!!

MARCUS MILLER: CUANDO EL BAJO SE HIZO VOZ.....

2008-11-16T11:00:00.000-08:00

Músico polifacético, compositor y productor de jazz. En sus principios trabajó con músicos como el grandísimo Miles Davis y David Sanborn entre otros.

Marcus Miller se destaca por ser un extraordinario bajista de jazz fusión, pero toca desde el clarinete bajo, el teclado, la guitarra, el saxo tenor, incluso el vibráfono.
Es un gran productor, además de un gran arreglista y un notable compositor. En definitiva, es un artista muy completo, que no deja de sorprendernos por sus imparables ganas de innovar y explorar nuevos terrenos.

El bajo de Marcus Miller parece, viendo estas imagenes, que sea una prolongación de su cuerpo!!

Tortosa, 2006

Marcus Miller, nace en Brooklyn (New York) en 1959. Se educó en el seno de una familia musical, su padre era organista en la iglesia y director del coro, lo cual le influenció mucho desde muy joven. A los 13 años tocaba con habilidad el clarinete, el piano y el bajo, y empezaba a componer música. Dos años después trabajaba en clubes neoyorquinos en varios grupos.

De bien joven fue reclamado como músico de estudio, colaborando con Joe Sample, McCoy Tyner, Bill Withers, Elton John, Bryan Ferri, Aretha Franklin, Bob James, entre otros...

En 1981 estuvo dos años de gira con el grandísimo Miles Davis, su gran ídolo desde la infancia.

Tras su colaboración con Miles Davis, se interesó por la producción discográfica, siendo su primera gran producción el álbum "Voyeur" para David Sanborn, artista al que produjo varios trabajos, incluyendo Winner.

Otros álbumes de gran éxito son: "Close Up" (1988), "Upfront" (1992) y "Inside" (1999), etc...

Marcus alternaba la producción discográfica con las actuaciones en directo con diferentes artistas y con "The Jamaica Boys" banda de R&B que co-lideró un par de años, grabando dos discos con ellos.

En 1986, Marcus Miller, volvió a colaborar con Miles Davis, produciéndole el extraordinario álbum "Tutu", uno de los discos más emblemáticos de la etapa eléctrica de Miles Davis.

Miles Davis, siempre se ha sabido rodear de los mejores músicos jovenes que iban surgiendo en el panorama jazzístico. Como era de suponer, Marcus Miller no tardó en ser llamado por el gran maestro!!!

Tras muchos años de trabajar como productor y músico de sesión, en 1983 publicó su primer álbum, Suddenly.

De sus álbumes, destacaría "The Sun Don’t Lie" (1993), con buenos temas como Mr. Pastorious, tema dedicado a otro extraordinario bajista, Jaco Pastorious, por desgracia, tristemente fallecido, en trágicas circunstancias.

Teen town...un tema del gran Jaco Pastorious, reinventado por Marcus Miller!

En 1994 editó el álbum “Tales”, un buen álbum!
En 1998 publicó el buenísimo álbum en directo "Live And More" un concierto extraordinario. En 2001, publico el álbum "M2". En el 2003 publicó un magnífico álbum en directo...”The Ozell Tapes: The Official Bootleg”...muy recomendable!

En los últimos años, el atractivo Marcus Miller, se ha dedicado a componer bandas sonoras para varias películas.

Alucinante!!!

Marcus Miller, continua en la actualidad con su música y con los sorprendentes sonidos de su bajo eléctrico.

Si algo caracteriza la música de Marcus Miller, es su constante investigación y fusión con los nuevos sonidos, que han ido apareciendo en la escena musical afroamericana.

En 2007 presentó el genial álbum "Thunder" con dos bajistas: Victor Wooten y el genial Stanley Clarke.

Marcus Miller....con Stanley Clarke, y Victor Wooten...tocando un buenísimo tema de Stanley Clarke...

Tres geniales bajistas tocando juntos!! Alucinante!!

Los tres iniciaron en 2008 una gira que empezó en U.S.A y terminó el 31 de octubre en Almería (España).

A Marcus Miller lo he visto en directo varias veces, en distintos años, y tengo que decir, que es una persona accesible, sociable y simpático...da gusto verlo en directo, y siempre acompañado de buenísimos músicos...
No se pierdan la oprtunidad de verlo en directo!!!!

KING CRIMSON: La corte del Rey Carmesí

2008-11-01T10:41:00.000-07:00

Uno de los grupos que ha perdurado sin perder el prestigio ni el profesionalismo y la máxima expresión de longevidad, frescura y maestría en la escena del rock progresivo de los últimos 40 años.

Con una discografía digna de pasar a la historia como una de las más compactas, firmes y a la vez original. Dirigidos siempre por el gran maestro Robert Fripp, personaje excéntrico donde lo haya, inestable y con mal carácter. Personaje que entre otras más cosas, prohíbe al público que tiremos fotografías, gritar, estordunar jeje...Me indignó mucho verlo tocar de espaldas, conclusión: es un introvertido del carajo lleno de complejos y rarezas, o pasa de la gente y va a su bola, realmente prefiero pensar que tiene una timidez patológica, a que pase del público. Bueno eso de tocar de espaldas también lo hacia el grandioso Miles Davis, cuando fue muy famoso.

Robert Fripp, aprendió a tocar la guitarra a los 11 años de edad. Después participó en varios grupos desde los 14 años, y se convirtió a finales de los sesenta, en uno de los fundadores del movimiento progresivo junto a King Crimson.

La historia de King Crimson se ha caracterizado por los constantes cambios de integrantes, Robert Fripp es el único factor común, de todos los discos y todas las formaciones del grupo, aunque él no se considera a sí mismo como líder.

Sería prácticamente interminable nombrar a todos y cada uno de los músicos que han pasado por la corte del Rey Carmesi, así como, comentar su extensa discografía.

Por lo que hacer esta entrada, ha sido para mi una tarea compleja y muy laboriosa. No voy a comentar sus discos en directo (son muchos), solo los de estudio.

El nombre King Crimson (Rey Carmesí) fue idea del letrista Peter Sinfield como un sinónimo de Belcebú, príncipe de los demonios.
Según Fripp, Belcebú es un anglicismo de la frase árabe B'il Sabab, la cual significa “hombre que ambiciona”.

King Crimson, es un grupo inglés, que se formó en Noviembre de 1968 por Robert Fripp y Michael Giles, después que disolvieran su primer intento de grupo llamado Giles, Giles and Fripp, el cual habían tenido con el hermano de Michael, Peter Giles.

Michael Giles (batería) y Robert Fripp (guitarra), para su nueva agrupación contaron con Greg Lake, quien haría de bajista y cantante, el letrista Peter Sinfield y el compositor Ian McDonald, así quedaría formado al principio King Crimson.

En 1969, el grupo debutó de teloneros de los Rolling Stones en un concierto en el Hyde Park.

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING (1969)

En este mismo año, grabó su primer disco, In the Court of the Crimson King, una obra maestra...una joya y uno de los mejores discos de rock progresivo. Sin lugar a dudas, uno de sus mejores discos!!!

I talk to the Wind...Entrañable tema!!

Un álbum impresionante, extraordinario, genial!!!
A destacar todos los temas: "21st. Century Schizoid Man",un bellísimo tema con mezclas de hard-rock con el jazz, cuyo famoso riff fue idea de Greg Lake, "I talk to the Wind" más melódico, el espectacular tema "Epitaph", para mi una de las mejores canciones de King Crimson (junto con Starless),la gran suite "In the Court of the Crimson King", de 9 minutos largos...bellísima...sin palabras!..."Moonchild" dura más de 12 minutos,la base de la canción se deja escuchar en los primeros 4 minutos,todo lo que viene detrás es invención musical de Fripp, algo que seguirá haciendo a lo largo de su larga carrera.

Epitaph...CONMOVEDORA CANCIÓN!!!!!

In the Court of the Crimson King...SOBRAN LAS PALABRAS!! TEMA IMPRESIONANTE!!!ESPECTACULAR!!!

A finales de año surgieron tensiones y diferencias creativas, que desembocaron en la salida de Michael Giles e Ian McDonald del grupo, y al año siguiente grabaron un álbum con el nombre de McDonald and Giles.

King Crimson en los setenta

Robert Fripp con Greg Lake y Peter Sinfield, continuaron King Crimson momentáneamente como trío, y en 1970 grabaron su segundo disco, In the Wake of Poseidon, en el cual se incorporó al grupo Mel Collins (músico que ha colaborado en multitud de grupos), y también participó el anterior socio de Fripp, Peter Giles.

IN THE WAKE OF POSEIDON (1970)

Es un buen álbum. A destacar temas como In The Wake Of Poseidon, la maravillosa "Cadence and Cascade", el genial "The Devil's Triangle"...."Cad Food" y "Pictures of a City" los dos temas son más jazzisticos y también muy buenos.

In The Wake Of Poseidon...Magnífico tema!!

Devil's Triangle part 2....Peace- An End

LIZARD (1970)

Greg Lake abandonó la agrupación en abril, para formar con Keith Emerson y Carl Palmer el buenísimo grupo de Rock Progresivo, Emerson, Lake & Palmer, dejando a King Crimson sin vocalista hasta que Gordon Haskell ocupó ese lugar y también el de bajista para Lizard, el tercer álbum del grupo.
Haskell ya había grabado con King Crimson en In the Wake of Poseidon, en la canción Cadence and Cascade.
Andy McCulloch tocó la batería en el álbum, además de la participación de Jon Anderson en una de las canciones.
Haskell y McCulloch abandonaron el grupo poco antes del lanzamiento de Lizard, dejando a King Crimson sin vocalista, bajista y sin un batería.

Lizard, es un buenísimo álbum. Al principio de escucharlo, recuerdo que me pareció un disco raro, (a diferencia de otros discos del grupo, que me gustaron enseguida), pero después, poco a poco, me fue cautivando. Pienso que Lizard es una obra distinta, es un buen disco, aunque los criticos lo menosprecien como una obra "menor".
A destacar temas como: Lizard, Cirkus, Lady of the dancing Water...

Hermoso tema! En la suite Lizard canta Jon Anderson...en Prince Rupert Awakes...

Lady of the dancing Water..otro precioso tema!

Fripp empezó a escuchar a nuevos músicos para suplir las bajas del grupo. El batería Ian Wallace y el vocalista Boz Burrell, fueron los seleccionados y como ningún bajista convenció a Fripp, decidió simplemente enseñar a Burrell a tocar el bajo.

ISLANDS (1971)

En 1971 salió el cuarto álbum del grupo, Islands. Un disco muy místico, un maravilloso álbum. Con Canciones mezca entre rock, música clásica y jazz. Con temas como, "Formentera Lady" con un buen trabajo de Mel Collins en el saxo, "Sailor's tale" tema de jazz, el tema instrumental "Prelude: Song of the gulls"
y el hermoso tema "Islands".

Islands...muy buen tema!

Prelude: Song of the gulls...hermoso y maravilloso tema!

Después de la gira de "Islands", cada uno de los miembros dejó King Crimson para formar otras bandas, dejando a Fripp solo, quien tiene que volver a buscar nuevos músicos, ya que King Crimson hubiera podido desaparecer.

El primer elegido fue el percusionista-improvisador Jamie Muir, quien desde antes ya había sido considerado por Fripp como un posible miembro del grupo.
El siguiente fue el vocalista y bajista John Wetton, a quien Fripp conocía desde sus tiempos colegiales. El batería de Yes, Bill Bruford fue el siguiente elegido, una decisión que fue criticada por mucha gente, pues Bruford abandonó Yes por King Crimson, grupo que ya tenía un historial de mucha inestabilidad y había resultado muy impredecible. Bruford mismo reveló que estaba más interesado en los fines
artísticos y que por ello había ingresado en King Crimson.
Por último, David Cross fue seleccionado como ejecutante de viola, violín y teclado para reinventar el sonido de la nueva agrupación. Así que King Crimson empezaba de nuevo.

LARKS' TONGUES IN ASPIC (1973)

En 1973 salió su nuevo álbum, Lark’s Tongues in Aspic. En este álbum la guitarra de Fripp se muestra más agresiva, Bruford demuestra aquí todo su potencial como batería, y el bajo de Wetton se oye con más fuerza. Nuevos miembros y nuevo sonido!!

Es un disco excelente, una joya, buenísimo, menos sinfónico y más rockero!...
A destacar: Easy Money, Talking Drum, Lark`s Tongues in aspic Pt1 y Pt2 y obviamente Book of Saturday...

Lark`s Tongues in aspic Part two...tema extraordinario!!! Sobran las palabras!!!

Talking Drum....

Jamie Muir dejó al grupo a principios de 1973.

STARLESS AND BIBLE BLACK (1974)

En 1974 salió el álbum Starless and Bible Black...La mayor parte de este disco fue grabado en conciertos durante 1973, con sólo dos temas grabados en estudio: The Great Deceiver y Lament, otro fue sólo parcialmente grabado en estudio, el hermoso tema The Night Watch, lo cual demostró que King Crimson era esencialmente un grupo para tocar en vivo. Starless and Bible Black, es un tema genial, y Fracture, un tremendo tema de 11 minutos, donde todos los miembros, especialmente Bruford y Fripp, hacen toda una exhibicion de su poder instrumental.

The Great Deceiver...buenísimo tema!!

Fripp siempre consideró adecuado capturar la atmósfera y la energía de las presentaciones en vivo y por ello grabó las canciones en los conciertos.

RED (1974)

En 1974 salió el extraordinario disco Red. Antes de la edición de este álbum,
el violinista David Cross dejó el grupo, aunque aparece en "Providence" y en "Starless".
El álbum, incluye la participación de Robin Miller, quien ya había grabado con el grupo, con el oboe, así como la colaboración de Marc Charig en la corneta, y de algunos músicos más.

En este disco, el grupo se convierte en un trio. Robert Fripp, guitarra y melotrón,
John Wetton, bajo y voz y Bill Bruford, batería y percusión.

Red...impresionante tema! Genial!!!

Para mi Red, es una obra maestra, junto con el insuperable álbum, In the Court of the Crimson King, estos dos vinilos son sin dudarlo, para mi, los mejores álbumes de King Crimson...y después vendría Lark’s Tongues in Aspic...y los demás discos de los setenta!!!

Red posee extraordinarios temas, todos los temas del álbum son muy buenos!!
Mi tema preferido: Starless, que es una bellísima canción de 12 minutos, con ese maravilloso inicio suave, la parte central con un Fripp espectacular y el apoteósico final. Genial, One More Red Nightmare, Red, un buenísimo tema instrumental,Fallen Angel, precioso y Providence, muy bueno...

Starless...una joya....una maravilla de canción!!! Sin palabras!!! Conmovedora!!!

Después de Red empezó un periodo de ensayos, pero Fripp ya había tomado su decisión y se lo comunicó a Bill Bruford y John Wetton, para gran sorpresa de estos Fripp había decidido ir a la escuela de J.G. Bennett, la Academia Internacional para la Educación Continua, esta decisión le apartaría durante tres años del mundo de la música. El 28 de septiembre de 1974 esto se hizo público: King Crimson había dejado de existir.

Tras la disolución del grupo se publicaron algunos discos como USA, recopilación de temas grabados en la última gira americana o The Young Persons Guide to King Crimson, primer álbum doble y antología del grupo.

One More Red Nightmare...grandísimo tema!!

Red fue el último álbum de King Crimson hasta 1981, año que King Crimson volvió pero con otros músicos y con otro estilo.

En total son 7 álbumes clásicos de King Crimson, todos imprescindibles. Personalmente prefiero la época de los setenta, pero también me gustan bastantes discos de sus años posteriores.

King Crimson en los ochenta

En 1981 King Crimson se volvió a unir. Fripp y Bill Bruford formaron un nuevo grupo, con el guitarrista y vocalista Adrian Belew y el bajista Tony Levin. Al principio se hacian llamar "Discipline", pero al final decidieron mantener el nombre de King Crimson. La incorporación de una segunda guitarra y la del entonces novedoso instrumento llamado Chapman Stick, hicieron que el nuevo sonido de King Crimson fuera totalmente diferente al de cualquiera de sus anteriores discos. Esta nueva formación fue bastante estable comparada con las anteriores. Editaron tres discos sin ningún cambio de integrantes: "Discipline" (1981), "Beat" (1982) y "Three Of A perfect Pair" (1984). Pero a pesar de todo, se volvieron a separar en 1984.

DISCIPLINE (1981)

Discipline, desorientó totalmente a los fans del grupo, ya que esperaban el mismo estilo de los 70, y era distinto. King Crimson se renovó y como siempre, se adelantó a su época. Buenísimo disco!
A destacar temas como: Elephant talk, que rompe esquemas, The Sheltering Sky, Thela Hun Gingeet, más melodicos son Frame by Frame y Matte Kudasai, y el fantástico Indiscipline y Discipline. Es un buenísimo álbum!!

Elephant talk...como dije, rompe esquemas, buenísimo tema!

Indiscipline...muy buen tema!!

Thela Hun Ginjeet...buen tema!

BEAT (1982)

King Crimson continuo explorando sonidos y Fripp se inventa aqui un nuevo instrumento, al que le llama algo como Frippertronics, que francamente no se muy bien que es. Puede que este, sea uno de los discos más comerciales de King Crimson.
A destacar, temas como: Neal and Jack and me y el tema instrumental Sartori in Tangier.

Sartori In Tangier...

THREE OF A PERFECT PAIR (1984)

Último álbum de la etapa de los ochenta de King Crimson.

A destacar, temas como: Lark’s Tongues in Aspic part III, el hermoso tema instrumental Nuages, Sleepless, Three of a Perfect Pair...

Buen tema!

Después de Three of a Perfect Pair, King Crimson volvió a separarse durante diez años. Fripp se enfrascó en una serie de pleitos legales por los derechos de todo lo relacionado con el grupo.

King Crimson en los noventa

En 1994 King Crimson volvió a unirse, esta vez como sexteto, y con dos nuevos miembros más, el stickista Trey Gunn y el batería Pat Mastelotto. El grupo queda formado por: Fripp y Belew en las guitarras, Levin en el bajo, Trey Gunn stick y voces, Bruford y Pat Mastelotto en la batería. És el llamado doble trío por el mismo Fripp, ya que tenemos a dos guitarristas, dos bajistas y dos baterías.

Esta nueva formación de King Crimson, tuvo una propuesta y un nivel de experimentación completamente distintos al de todas sus épocas anteriores, lo cual los llevó nuevamente a separarse, aunque seguirían estando parcialmente unidos gracias a los proyectos paralelos a King Crimson, donde algunos miembros del "Doble Trío" se reúnen en alguna actuación en directo, en las que realizan principalmente improvisaciones.

Esta formación de doble trío realizó unos cuantos discos en la década de los noventa: EP VROOOM (1994), THRAK (1995) y THRaKaTTaK (1996).

A partir de los noventa, solo conozco los discos Thrak y The Power to Believe...y algunos de sus álbumes en directo. Me quedan por conocer tres álbumes de estudio de King Crimson: VROOOM (1994), The ConstruKction of Light (2000) y Happy With What You Have To Be Happy With (2002), obviamente no voy a comentarlos puesto que no los he escuchado.

THRAK (1995)

Hay temas instrumentales de buen nivel, aunque no muy originales. Los temas vocales son bastante melódicos y buenos. Walking on Air es un precioso tema semi-acustico. En general el álbum es algo irregular, pero está bien.

B'Boom...Increíble tema! Bill Bruford está magistral!!!

King Crimson a partir del año 2000

En el 2000, King Crimson vuelve a reunirse oficialmente, esta vez con casi la misma formación anterior, excepto Bill Bruford y Tony Levin, que dejaron el grupo. Quedaron nuevamente como cuarteto: Belew, Fripp, Gunn y Mastelotto.
Se editan los discos: "The ConstruKction Of Light" (2000), el EP "Happy With What You Have to Be Happy With" (2002) y "The Power To Believe".

THE POWER TO BELIEVE (2003)

Es un buen disco, pero evidentemente no tiene la magia, ni el encanto de los discos de King Crimson en los setenta. És el último álbum de estudio hasta el momento de King Crimson.

El Rey Carmesí nos muestra que, aunque ya lleva años, décadas de reinado, sigue con fuerza y sigue renovándose.

Buenísimos temas!!

Una maravilla!!

Después de este disco, el grupo volvió a separarse.

Hace poco se anunció oficialmente que King Crimson volvería a unirse en 2008.
Con Fripp, Belew, Levin, Mastelotto y con la incorporación de Gavin Harrison (miembro de Porcupine Tree) como segunda batería.

ImproVattaKc me ha comentado lo siguiente, es importante anotarlo aquí para quienes lo lean:
KC ya se volvio a reunir, de hecho estan de gira por los Estados Unidos y ya esta disponible en DGM uno de sus conciertos, muy recomendable por cierto.

Pendiente comentar los discos en directo de King Crimson...

LOU REED: EL POETA DEL ROCK

2008-10-27T12:23:00.000-07:00

Lou Reed es de los personajes interesantes en la historia del rock, por ser un poeta sin prejuicios, que además creía fervientemente que el rock se podía manipular y convertirse en la forma de expresión mas densa y sincera.

Cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock independiente, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario.

En su época en The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música, como: Heroin, Rock and Roll y Sweet Jane.

Rock and Roll....Excelente tema!!

Lou Reed nació en Nueva York, el 2 de marzo de 1942 . Miembro de una familia judía de clase media de Brooklyn. Su padre era un destacado gestor administrativo.
A los ocho años inició estudios de piano y poco después se trasladó junto con sus padres y su hermana a Freeport, Long Island, donde empezó a tocar también la guitarra.

A los 14 años grabó su primer disco, "So blue", con el grupo The Shades.

Por esta época, y dado su carácter difícil, sus padres decidieron enviarle al psiquiatra, que le prescribió una serie de tratamientos, entre ellos sesiones de electroshock.

A principios de los años sesenta ingresó en la universidad de Syracuse, donde estudió filología y acudió a las tertulias literarias con Delmore Schwartz. También allí conoció a Sterling Morrison.

En 1965 conoció al cantante galés John Cale y ambos fundaron el grupo musical "The Warlocks", llamado después "The Falling Spikes".

Más tarde se trasladó a Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones y fundó junto con John Cale el grupo The Velvet Underground. Lou Reed estaba como guitarrista, vocalista y letrista. El grupo estaba liderado por Lou Reed y John Cale, pero Cale, fue la sombra de Reed en The Velvet. El grupo estaba formado también por Sterling Morrison y Maureen Tucker.

The Velvet Underground fue uno de los grupos más influyentes en la cultura underground, pero el grupo se disolvió en 1970.
Después de dejar The Velvet Underground, Lou Reed trabajó en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, durante un año.

De sus discos como solista, a destacar: Transformer, 1972, con grandes temas como: Vicious, Perfect Day , Walk on the Wild Side ,Satellite of Love etc.. y Rock'n Roll Animal, 1974, con temas como: Intro/Sweet Jane, Heroin, Rock & Roll, etc..
Dos discos imprescindibles, que forman parte de la historia de la música.

Ante este tema...sobran las palabras!!!

Lou Reed, en este tema resumia todo el decadente paisaje New Yorquino..

Lou Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela Americana" en un disco.

En 1972, Lou Reed inició su carrera en solitario, y grabó su primer álbum Lou Reed, en Inglaterra, con la colaboración de músicos de Yes: Rick Wakeman y Steve Howe.
En este mismo año, salió Transformer, un álbum producido por David Bowie. El tema "Perfect Day" es una elegía a la adicción de Lou Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting.

Sweet Jane...mi tema preferido!!

Heroin..otro buen tema!!

En 1973, salió Berlín, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says (violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song (canción triste).

En el material que escogía, Lou Reed seguía y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet.

Caroline says....magnífico tema!!

El àlbum Sally Can't Dance salió en 1974, y en 1975, editó el doble álbum Metal Machine Music.

La personalidad de Lou Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro, incluso en la época hippie. En la década de los setenta se convirtió en "el abuelo de los punkies", y fue llamado "el ángel malo" de las calles de Nueva York.

Satellite Of Love...buenísimo tema!!

Sus discos de finales de los 70, Coney Island Baby, 1976, Rock 'n' Roll Heart, 1976, Street Hassle, 1978, y The Bells, 1979, son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte, a las adicciones de Reed en aquellos años.

Al principio de los años 80, Lou Reed dejó las drogas y cambió, tanto en su trabajo como en su vida privada, se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron).

En 1982, salió el álbum The Blue Mask. En 1989 con el álbum New York, denunció los problemas políticos de su ciudad, contra el crimen, los caros alquileres. Denunció a Jesse Jackson, a Juan Pablo II y a Kurt Waldheim.

Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación quirúrgica rutinaria, Lou Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de la Velvet John Cale, en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.

Vicious...Buen tema!!

En 1992, continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss , un disco sobre la mortalidad.

En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de "Perfect Day" para un especial de la BBC en favor de los niños.

Dirty Boulevard...buen tema!

En 2001, Lou Reed fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína.
En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe.
En 2004, se publicó una remezcla de su canción "Satellite of Love".

Durante más de 30 años, Lou Reed ha escrito la historia de América en sus discos, donde lo personal y lo político se combinan para crear el mito.

Ahora Lou Reed quiere quitarse la etiqueta de hombre oscuro, estos dias ha estado en Barcelona (recitando a poetas catalanes), y aseguró que empieza a “estar cansado de que se me tilde de oscuro”, y dijo considerarse firme votante demócrata.
“Obama. Obama, Obama, Obama. Votaré por Obama. Si no gana, me trasladaré a Barcelona”. Como días atrás hizo el escritor Paul Auster, Lou Reed mostró sin reparos su apoyo al candidato demócrata.

ANTONIO MACHADO: La poesía debe hablar con el corazón.

2008-10-19T05:01:00.000-07:00

Joan Manel Serrat canta a Machado! Precioso video!

A la memoria de un gran poeta, dramaturgo y filósofo!

Última fotografía de Antonio Machado

Su nombre era Antonio Cipriano José María y Francisco de Santa Ana Machado Ruiz.
Nació en Sevilla en 1875 en una familia liberal, el era el segundo de cinco hermanos.
Doctor en Filosofía y letras, fue catedrático de francés en los Institutos de Soria, Segovia, Baeza y Madrid.
Perteneció al movimiento literario conocido como generación del 98.

Está considerado como uno de los grandes poetas de la lengua castellana. Probablemente sea el poeta de su época, que más se lee todavía. Su obra poética, se caracteriza por la sencillez y precisión en el lenguaje.

Cantó a la tierra, al mar, a los olivos, y en diversos tonos al amor.

En su poesía se refleja la visión dolida de su patria y la recreación de la belleza que encierran las pequeñas cosas.

En 1893 publicó sus primeros escritos en prosa, mientras que sus primeros
poemas aparecieron en 1901. Entre sus obras publicadas se destacan «Soledades, galerías y otros poemas» en 1903, «Campos de Castilla» en 1912, «Nuevas canciones» en 1925 y «La guerra» en 1938.

Viajó a París en 1899, ciudad que volvió a visitar en 1902, año en el que conoció
a Rubén Darío, que sería gran amigo suyo durante toda su vida. En Madrid, por esas mismas fechas conoció a Unamuno, Valle-Inclán, Juan Ramón Jiménez y otros destacados
escritores con los que mantuvo una estrecha amistad.

La mujer de Machado, Leonor Izquierdo, era hija de un sargento de la Guardia Civil, además nació en la casa cuartel situada en el Castillo de Almenar. En Soria conoció a Antonio Machado y en 1909 y con 15 años de edad, se casó con Machado que tenía 34 años.

En julio de 1911, mientras acompañaba a Machado en París , tuvo que ser ingresada en un sanatorio por tener tuberculosis, la enfermedad típica de la época. Falleció en 1912. Machado tuvo una profunda depresión , por lo que se traslado a Baeza (Jaén), donde vivió durante un tiempo con su madre, dedicándose a la enseñanza.

Cuando estalló la Guerra Civil española, Machado (activista republicano) estaba en Madrid. Posteriormente se trasladó a Valencia, y Barcelona, y en enero de 1939 se exilió al pueblo francés de Collioure, en Francia.

Salió de Barcelona de forma precipitada , a finales de enero de 1939, hacia Francia, junto con su madre, Ana Ruiz Hernández , su hermano José y la esposa de este, Matea. Perdieron sus últimas pertenencias llegando a territorio francés, y únicamente sobrevivieron "con lo puesto" y casi sin dinero.

Se establecieron en dos habitaciones del económico hotel Bougnol-Quintana, en el precioso pueblo pesquero de Collioure.

Collioure está en el sur de Francia, muy cerca de Portbou y de Figueres, en la comarca de l'Alt Empordà (Girona).

En este pueblo francés estuvieron realizando algunas de sus obras , pintores como Henri Matisse, Alain Derain, entre otros, y desde 1949 hasta su muerte, vivió aquí el novelista británico Patrick O'Brian, enterrado también en el cementerio de Collioure.

La dueña del hotel, donde se hospedó la familia Machado, era simpatizante de la República, y en una ocasión preguntó a José, "Por qué no bajan ustedes todos juntos a comer?" y recibió por respuesta: "Porque no tenemos ropa de recambio, el día que uno de los dos lava la camisa, espera a que el otro acabe la comida y suba para bajar a su vez" (op.cit. p. 626).

Machado murió a los 64 años (Febrero 1939), dicen que de asma, pero se dice también que por su sensibilidad murió de "tristesse", es decir, de pena y melancolía.

Su hermano José, escribió, que Machado no podía sobrevivir a la pérdida de España. Tampoco pudo sobreponerse a la angustia del destierro. Este fue el estado de su espíritu en el tiempo que vivió en Collioure.

A diferencia de muchos intelectuales, quienes, habiendo abrazado al principio la República, transfirieron poco a poco sus simpatías a los nacionalistas, Machado siguió fiel a la causa republicana hasta el final.

Lo enterraron amortajado en una sábana, porque así entendió su hermano, cumplir la frase que un día dijo Machado a propósito de las pompas fúnebres:

"Para enterrar a una persona, con envolverla en una sábana es suficiente".

El entierro fue sobriamente civil. El ataúd fue envuelto en la bandera republicana. El nicho fue generosamente prestado por una habitante de Collioure.

La madre de Machado murió a los 84 años, tres días después que su hijo, haciendo cierta la promesa que hizo en el camino al destierro:

"Estoy dispuesta a vivir tanto como mi hijo Antonio" (op.cit. p. 634)

En el epílogo de su obra biográfica Ian Gibson señala:

Hoy Machado y su madre siguen en el cementerio de Collioure. Hay cerca un buzón para mensajes. Llegan cartas desde el mundo entero, en una multiplicidad de idiomas, dirigidas a Don Antonio Machado, Cementerio de Collioure, y se depositan en él. También se dejan papeles, poemas, cartas y otros recuerdos sobre la tumba. Casi siempre hay flores. El pequeño cementerio recoleto es lugar de peregrinaje cada año para miles de admiradores del poeta.

Alguna vez Machado había dicho:

"Yo no debía salir de España. Sería mejor que me quedara a morir en una cuneta".

En la estrofa final de su "Retrato" parecía presagiar sus últimos momentos:

"Y cuando llegue el día del último viaje, / y esté al partir la nave que nunca ha de tornar, / me encontraréis a bordo ligero de equipaje, / casi desnudo, como los hijos de la mar".

JON ANDERSON: LA VOZ DEL ROCK SINFÓNICO!

2008-10-05T14:57:00.000-07:00

La voz de Anderson la describen como angelical, y así es, totalmente angelical, pero diría más: es una voz dulce, sensual, penetrante, suave, melodiosa, estremecedora, que te transporta a lugares lejanos, a otros mundos, que te hace mirar el cielo!!!

The Gates of Delirium...Impresionante tema...y al final el increíble y maravilloso "Soon" (Yes, Relayer)

IMPRESIONANTE! SIN PALABRAS!!!!

Anderson considera que posee un registro de voz de contratenor, capaz de alcanzar notas muy altas sin caer en el falsete, (es decir forzando la voz), mientras mantiene la suavidad que se asocia constantemente a su voz. Incluso durante interpretaciones en directo nunca fuerza su voz. El último concierto que vi de Jon, su voz no era como la de antes, pero todavía conserva un buen registro vocal.

Es mi amor platónico musicalmente hablando, muy buen compositor, músico y cantante, con una gran personalidad y una voz muy peculiar.
Bajito, simpático, y estoy segura de que es una bella persona.

Concierto de Jon Anderson en Luz de Gas,Barcelona 2005.

Nació en Inglaterra, el 25 de Octubre de 1944.
Empezó a interesarse por la música desde muy joven. A los 15 años dejo los estudios y trabajó de peón en una granja, más tarde de conductor de camiones y de lechero.

En 1962, tuvo la suerte poder de formar “The Warriors” , donde él y su hermano compartían las voces. Abandonó el grupo en 1967, y en 1968 editó dos singles como solista. También cantó brevemente en grupos como, The Gun y The Open Mind.
En 1968, se unió al grupo “Mabel Greer's Toyshop”, en el que también estaban el bajista Chris Squire y el guitarrista Peter Banks. Anderson fue líder del grupo, pero terminó abandonándolo el mismo año.

En 1986, Jon Anderson junto con Squire (al que conoció en un club de Londres), Banks, Bill Bruford y Tony Kaye formaron el magnífico grupo de rock sinfónico “Yes”...por si alguien no lo sabe...jejejeje, cosa que dudo....Yes es mi grupo preferido!.

Yes...casi unos niños!!!

Yes...Tales...Ritual (Nous Sommes Du Soleil) -pt1

Increíble, espectacular!

Con Yes, fue la época más importante y brillante de Jon Anderson, con una larga, buenísima y productiva carrera musical. Anderson ha estado siempre en todos los trabajos del grupo, menos en el disco Drama.

Yes...Tales..."Revealing Science Of God" (Part 1)....

Impresionante tema!

Awaken y Jon Anderson

Barcelona 2005

Yes..Turn of the century...sin palabras!!!

IMPRESIONANTE!!!!

Yes...Perpetual change

Magnífico!!!

Paralelamente a su trayectoria con Yes, Jon Anderson inició su carrera en solitario, de la que también tiene muchos álbumes, de varios estilos musicales, algunos de fusión con músicas étnicas.

Sin duda, para mi, el mejor disco de su carrera en solitario, es el maravilloso e impresionante álbum conceptual Olias of Sunhillow (1976), producido por el mismo.
Es una auténtica obra maestra, una joya, muy espiritual, y sigue más en la linea de Yes. Es importante comprender la historia que se cuenta en el álbum, sobre cuatro tribus que viven condenadas en el planeta Sunhillow, y son rescatadas por Olias, líder de los tres magos astrales.

En este disco, Anderson toca todos los instrumentos: arpa, guitarra acústica, sintetizadores, percusiones, etc y todos los temas están compuestos por él.

Olias of Sunhillow - Moon Ra / Chords

Un increíble viaje hacia un mundo de fantasía hacia la tierra de “Olias de Sunhillow”.
Olias of Sunhillow....nace en la época después del "Tales From Topographic Oceans", en un tiempo en que todos los miembros de Yes, decidieron darse un descanso del grupo y editaron álbumes en solitario.

Ocean Song / Meeting / Dance of Ranyart

Dicen que con la primera audición de Olias of Sunhillow...Jon casi se vuelve loco del ataque místico que le cogió...

Jon Anderson, colaboró también con otros artistas, a destacar: King Crimson, con su soberbia labor cantando en el álbum "Lizard" (1970), Alan White: Ramshackled (1976),
Rick Wakeman: 1984 (1981), Mike Oldfield: Crises (1983), Tangerine Dream: Music From The Film "Legend" (1986), Jonathan Elias: Requiem For The Americas (1989), London Philharmonic Orchestra: Symphonic Music of Yes (1993), Steve Howe: Portraits Of Bob Dylan (1999), Kitaro: Dream (1992), etc. Todos son álbumes muy recomendables!

kitaro & jon anderson / island of life

Lady of Dreams....Kitaro & Jon Anderson

En 1974 cuando Wakeman se fue de Yes, Anderson propuso a Vangelis Papathanassiou (teclista griego), como su sustituto, no pudo ser, por problemas legales relativos a los tramites sobre inmigración y entró Patrick Moraz en Yes. Aquí empezó una gran amistad con Vangelis!

Jon Anderson con Vangelis

Anderson colaboro con Vangelis, cantando en el maravilloso álbum "Heaven and Hell", es un disco conceptual con múltiples piezas corales, dos largas suites, con un sonido cercano al de la música clásica en la primera cara del disco, que termina con el tema vocal “So Long Ago, So Clear” (Anderson), y composiciones más experimentales en la segunda cara.

Jon Anderson & Vangelis - So Long Ago So Clear
Heaven And Hell 1975

A principios de los 80 formaron un dúo , denominándose Jon & Vangelis.
Los dos, son grandes músicos y compositores, y están unidos por una larga amistad.
Todos los álbumes de Jon and Vangelis me gustan, a destacar:
Short Stories (1980), una verdadera joya de disco. The Friends of Mr. Cairo (1981),
impresionante disco. Private Collection (1983), excelente, magnífico y Page of Life, (1991) muy bueno.

Jon Anderson & Vangelis - Deborah

Jon Anderson & Vangelis....I HEAR YOU NOW

Jon and Vangelis - I'll Find My Way Home

Jon and Vangelis - He is sailing

Pinceladas de la vida de Jon Anderson....

Outside of this/inside of that

De su carrera en solitario, a destacar también, el álbum Song of Seven (1980), es más melódico y posee hermosos temas como "Song of Seven", "For You for Me" entre otros, altamente recomendable!!

Some Are Born...del álbum Song of Seven....

Change We Must, 1994....magnífico álbum, dedicado a la espiritualista hawaiana Nana Veary. Posee una mezcla de algún tema de Yes, de Jon & Vangelis y de Anderson en solitario, de varios estilos, como la música clásica, rock progresivo, etc. Toda la música del álbum es orquestal. Incluye el tema Chagall Due , cantado a dúo con la soprano Sandrine Piau , tema realmente excepcional.

Change We Must...tema del àlbum del mismo nombre, álbum de una de gran bellleza poética y musical, que habla de la necesidad de cambio permanente para vivir otra vez.

"Candle song"...le acompaña la voz de su hija Jade...álbum Change We Must...

"O'er" tema del álbum The Promise Ring, 1997

Este es mi pequeño tributo a la mejor voz del rock sinfónico!!!

De todos es sabido que Jon destaca la espiritualidad como razón de vida!

Actualmente Anderson se recupera de un problema de salud!

One more time....escuchen este bellísimo tema!!!!!!

Ánimo Jon! Espero que te recuperes pronto!

Nous Sommes Du Soleil....

Barcelona: Ruta del modernisme

2008-09-27T08:44:00.000-07:00

Escuchen este precioso tema "Last train home"....de Pat Metheny Group, del disco "Still Life"...

Si visitan Barcelona, no se pierdan la ruta del modernismo. Les sugiero una apasionante visita.

Hay mucho que ver, pero si se dispone de poco tiempo, es mejor, como decimos en Catalunya “Menjar poc i pair bé”....podría traducirse como: “ más vale comer poco y digerir bien”....por lo tanto, les recomiendo ver poco y bien!

Unas pequeñas pinceladas sobre modernismo, antes de empezar la ruta!

El modernismo, denominado Art Nouveau en Francia, Modern Style en Inglaterra y modernisme en Catalunya.
El modernismo catalán, es un estilo arquitectónico que se desarrolló en Cataluña y principalmente en Barcelona, a lo largo de unos 50 años, (a finales del siglo XIX y principios del XX), aunque es parte de una corriente general que surge en toda Europa, en Cataluña adquiere una personalidad propia y diferenciada, y se convierte en el modernismo probablemente más desarrollado.

La arquitectura modernista rompe con lo tradicional. Sus conceptos arquitectónicos están inspirados en la naturaleza, colocando en el exterior e interior de los edificios, pájaros, mariposas , vegetales, hojas , flores como elementos decorativos etc. Predominando también las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.
En las ventanas y los balcones suelen haber rejas de hierro forjado, labradas artísticamente, que contienen unos preciosos motivos inspirados también en la naturaleza.
Fueron más de 100 arquitectos los que realizaron edificios de estilo modernista catalán. Antoni Gaudí, catalán conocido universalmente, es el mayor exponente del modernismo catalán. Podemos presumir, de tener el gran genio de arquitectura de todos los tiempos.
Destacan también personalidades como los grandes: Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch.

Empezamos el paseo por Barcelona:

Todos los lugares son bellos e importantes de visitar, pero, sin lugar a dudas, la obra más destacada e impresionante es la Sagrada Familia. Evidentemente no hay que dejar de visitar otros lugares, como el mágico y encantador Palau De La Música, realmente cuando lo ves te quedas mirando al cielo!, y si a parte de visitarlo, tienen la suerte de escuchar algún concierto de música, todavía impresiona más su gran belleza! También tenemos La Casa Mila, más conocida como “La Pedrera”, no dejen de visitar sus chimeneas, son maravillosas. La Casa Batlló, visítenla también por dentro, es una gran joya!. El Parc Güell, La Casa Vicens etc, todos son de gran interés, se llevaran un buen recuerdo de la hermosa ciudad de Barcelona!

Cuatro pinceladas de estos hermosos lugares:

LA SAGRADA FAMÍLIA (Antoni Gaudí 1882)

El templo de la Sagrada Família és una gran obra iniciada el 1882, (situada en el Eixample) y todavía inacabada, de una cualidad arquitectónica muy desigual, a causa de la intervención de diferentes arquitectos a lo largo de este siglo, aunque evidentemente su diseño, es principalmente obra de Gaudí.

Antoni Gaudí trabajó en esta obra durante más de cuarenta años. En sus últimos años de vida, no aceptó ningún trabajo más y trasladó su residencia al estudio-taller del templo, hasta verlo coronado por la cruz, el primer campanario de la fachada del Nacimiento (1925).

Gaudí dejó un plano general y unos estudios exhaustivos de la nueva estructura y de las formas geométricas inspiradas en la naturaleza, que forman las naves, las columnas, los ventanales, las bóvedas y las cubiertas.
La Sagrada Familia fue propuesta para ser una de las 7 Nuevas maravillas del mundo.

Actualmente siguen los trabajos en la Sagrada Familia!

Como dato curioso, decir que Alan Parsons Project,le dedicó una canción al monumento en 1987, en el disco conceptual "Gaudí", donde homenajeaban la vida y las obras del arquitecto catalán. En su dia compré el vinilo, pero no me gusto demasiado.

Igualmente, el grupo musical barcelonés Pyramid, dedicó un disco a Gaudí llamado Gaudi's legacy. En dicho disco, homenaje al arquitecto, podemos encontrar referencias a la Sagrada Familia.

PALAU DE LA MUSICA CATALANA (Lluís Domènech i Montaner 1908)

Considerado el templo del modernismo catalán. El Palacio de la Música Catalana, es obra del grandísimo arquitecto catalán Domènech i Montaner.
Si Gaudí era un genio, Domènech i Montaner fue uno de los grandes arquitectos que ha tenido Cataluña, conocido también mundialmente.

El simbolismo que desprende el Palau, incrementa su espectacularidad, y nunca mejor dicho, ya que solo al entrar, traspasas otro mundo! Es de una gran belleza!

CASA VICENS (Antoni Gaudí 1883-1888)

Fue el primer trabajo importante de Antoni Gaudí i Cornet. Marca el principio del modernismo.
Los distintos colores en la cerámica de las fachadas de la casa, son realmente bellísimos. Este edificio parece oriental, muy distinto de los de su entorno en el Barrio de Gràcia.

La casa Manuel Vicens i Montaner fue un proyecto muy imaginativo preparado para una familia rica, propietaria de una fábrica de cerámica, cosa evidente!.

PARC GÜELL (Antoni Gaudí 1900-1904)

Es la obra de Gaudí en Barcelona de mayor envergadura, por lo que a extensión se refiere.
En un principio querían hacer una ciudad jardín al estilo inglés, de ahí, el nombre en ingles "park". En esta obra, Gaudí contó con la colaboración del arquitecto Josep Maria Pujol.

En el Parc Güell, encontramos una preciosa escalinata en la entrada al recinto, con la sala hipóstila de 96 columnas, que sirve de soporte a la gran plaza, con bancos de formas como onduladas, con dragones como motivos de decoración, pasos elevados, jardines, etc.

Desde el Parc tenemos una buena vista de Barcelona.

CASA BATLLÓ (Antoni Gaudí 1904-1906)

Esta es una de las casas más carismáticas y bellas de todo el Eixample.
Esta situada en el Passeig de Gràcia.

La fachada es de mosaico y está revestida de fragmentos de vidrio y cerámica de diferentes colores, y el tejado también es de cerámica.

No dejen de visitar su espectacular interior y sus maravillosos espejos.

Posee unas hermosísimas vidrieras!

Gaudí se encargó personalmente, de diseñar todos los elementos que integran la obra, desde la singular fachada, hasta la totalidad de los aspectos interiores, incluido el mobiliario.

Las chimeneas, son muy bellas!

CASA MILÁ "LA PEDRERA" (Antoni Gaudí 1906-1912)

La Pedrera, nombre catalán por el cual se la conoce más,(la cantera) es el último edificio de viviendas construido por Gaudí. También esta en el Eixample, en el Passeig de Gràcia, y muy cerca de la Casa Batlló.
La Pedrera, fue declarada patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

La fachada parece un gran oleaje. La azotea es uno de los elementos más impresionantes del edificio, principalmente por sus chimeneas y torres.

Las formas de las chimeneas y de las torres se han interpretado de muchas maneras, una de ellas y así me parece a mi, es que son como figuras de ajedrez.

No dejen de visitar las chimeneas, las torres y la fachada del edificio, es de lo mas hermoso!.

Desde el magnifico tejado puede verse una espectacular vista de Barcelona, con la Sagrada Familia por un lado y por el otro el mar, el precioso mar mediterráneo que da vida y más belleza a la ciudad.

CASA CALVET (1898-1900)

Esta hermosa casa, proyecto de Antoni Gaudí i Cornet en 1898, fue construida entre 1898 y 1900, con la colaboración de Francesc Berenguer, hijo de Reus, Joan Rubió, también de Reus y Juli Batllevell, de Sabadell, para la familia Calvet, fabricantes de tejidos.
El edificio, está situado también en el Eixample, al lado de la Casa Batlló.
La fachada construida con piedra y hierro forjado, con una decoración escultural, es preciosa.

Parte de la casa, como el vestíbulo, las escaleras y el ascensor, se inspiran en lo barroco. La caja del ascensor es una obra de arte con su decoración en madera, hierro y cristal.

La fachada trasera con sus balcones y sus galerías es muy original y funcional.
Es de notar el mobiliario y la decoración diseñados por Gaudí para los despachos y el piso de los propietarios.

Este es probablemente el edificio más convencional de Gaudí.
Por esta realización, Gaudí recibió el premio del Ayuntamiento de Barcelona en 1900.
Actualmente la casa funciona como restaurante.

Me dejo muchas más cosas para comentar de la ruta del modernisme, pero como he anotado al principio "més val menjar poc i pair bé".

Que lo disfruten!

Ruta del modernisme completa:

1. Torre Bellesguard

2. Casa Roviralta

3. Casa Vicens

4. Colegio de les Teresianes

5. La Rotonda

6. Pabellones Güell

7. Parc Güell

8. Casa Golferichs

9. Casa Sayrach

10. Editorial Montaner i Simón

11. Fábrica Casarramona

12. Casa Amatller

13. Casa Batlló

14. Casa Fuster

15. Casa Lleó Morera

16. Casa Comalat

17. Casa viuda Marfà

18. Casa Calvet

19. Casa Milà, la Pedrera

20. Casa Llopis Bofill

21. Casa de les Punxes

22. Casa Macaya

23. Casa Thomas

24. Palacio Baró de Quadras

25. Sagrada Família

26. Hospital de sant Pau

27. Casa Martí

28. Museo de zoologia

29. Palacio de la Música Catalana

30. Palacio Güell

VI Festa CosesNostres. Barcelona, dissabte 4 d'Octubre 2008

2008-09-25T02:30:00.001-07:00

L'associacio catalana CosesNostres per la difusió de la música progressiva presenta:

La leyenda del progressiu català en concert, "los triunfadores del Festival Canet Rock de 1975",en concert...

VI Festa Concert de CosesNostres 2008
Dissabte 4 d'Octubre 2008
Centre Civic LA SEDETA
(Barcelona)
Carrer Sicilia 321
del districte de Gràcia
Parada de metro = Joanic
Bus: 15, 20, 45, 47, N4
Entrada: 15 €
Organitza:COSESNOSTRES

Horarios:
19:30h L'Herba d'Hamelí

21:00h ATILA

ATILA: Por donde pasa no vuelve a crecer la hierba... una banda icono del rock català, que en 1975 fue declarado mejor grupo en directo y Eduardo Niebla como séptimo mejor guitarrista español, ese mismo año ,actuaron en el Festival Canet Rock
siendo declarados "Atila lo mejor del Canet Festival".

Un vídeo reciente de ellos:

Antes de Atila actuaran a las 19:30h los jóvenes barceloneses L'Herba d'Hameli, grupo de rock progresivo, que tiene como principales influencias, a Jethro Tull, King Crimson,Camel o Frank Zappa.

La Sedeta es un Centre Cívic. Es un auditori que està en un pis elevat d'un gran centre cívic per accedir al qual s'ha d'entrar a la part interior de l'edifici i encertar la porta correcta.

Mes informació: http://tot-catalunya.com/cosesnostres.htm
Fuente de información:CoseNostes!

Seran todos bienvenidos!!!

JON ANDERSON: de espaldas a Jon......

2008-09-20T07:52:00.000-07:00

Barcelona 2005

Escuchen este magnífico tema de Yes!!!

Segun dice la última carta de Jon:

Jon Anderson, esta muy dolido y decepcionado, porque durante su enfermedad no lo han llamado interesándose por su salud, a excepción de Alan, que lo llamó una sola vez...Aún hay más, puesto que no han contado para nada con el, no le han consultado, simplemente han decidido como dije hace pocos días, poner un suplente en su lugar para la nueva gira de Yes . Lo grave del caso, es que todo lo han hecho a espaldas de Jon, y por eso, se siente menospreciado. Esta muy decepcionado porque no han esperado a que se recuperara completamente…también dice, que el no tiene la culpa de estar enfermo ( por supuesto…solo faltaría!!! )….que lo podían haber hecho de otra forma… (pienso tenían que haberle consultado)...

Agradece a su familia y creo? que dice a su propio “ángel”…Janeee, su esposa…a sus amigos, por ayudarle en estos momentos tan difíciles…

Que les desea a los miembros del grupo, lo mejor en esta aventura…pero que ya no es Yes quien hará la gira!!!

Realmente indignante…y lo dije en una entrada hace poco, es lamentable que todo gire alrededor del “maldito dinero”….
Una gira, sin Anderson, sin Wakeman que ya dijo en su día, que no iba a tocar más…en su lugar estará su hijo Olivier, quien queda? el bueno de Steve Howe, que la última vez que lo vi en directo en Barcelona, estaba muy mayor, Alan…y el que parece (según apuntan todos los dedos) ser el malo de la película: Squire, ya que es quién contrato al nuevo cantante sin consultar!!
De todas formas solo ellos saben el porque de todo lo ocurrido….lo que hay entre ellos…y evidentemente no puedo……ni debo juzgar a nadie…solo decir, que tengo el mal presentimiento de que mi grupo favorito de todos los tiempos…ya no volverá mas, y me refiero a Yes, no al nuevo grupo!

Mi inglés es muy pésimo, así que agradeceré enormemente cualquier comentario al respecto…

Nous Sommes Du Soleil…..

September 18, 2008

Disappointed, and very Disrespected

Disappointed that, with the exception of one phone call from Alan, none of the guys have been in touch since my illness, just to find out how I am doing, and how we will foresee the future for YES. And disappointed that they were not willing to wait till 2009 when I'm fully recovered.

And I feel very disrespected, having spent most of this year creating songs and constant ideas for the band, spending time with Roger Dean creating a stage design, also working with VH1 and Sirius and XM Radio to help promote the welfare of YES.

Getting sick was not "on my radar", and I thank my own angel Janeee and my family for helping me through this difficult time, and the many well wishers, friends and fans alike, for understanding that ''things happen''.

Of course I wish the guys all the best in their 'solo' work, but I just wish this could have been done in a more gentlemanly fashion. After all YES is a precious musical band.

This is not YES on tour...

I send best wishes to one and all,

Jon Anderson
September 2008

http://jonanderson.com/news.html

Hasta siempre Richard Wright!

2008-09-16T08:28:00.000-07:00

El mundo de la música vuelve a perder uno de los grandes!

Escuchen "Us and Them"...bellísimo tema , que fue escrito por Rick Wright...

Esto es lo que se puede leer en las noticias de Yahoo:

http://es.noticias.yahoo.com/efe/20080915/ten-murio-richard-wright-
miembro-fundado-ea97b66.html

"Londres, 15 sep (EFE).- Richard Wright, teclista y miembro fundador
de la legendaria banda británica de rock "Pink Floyd", murió hoy de
cáncer a los 65 años, informó su portavoz.

"La familia de Richard Wright, miembro fundador de Pink Floyd,
anuncia con gran tristeza que Richard falleció hoy tras una corta
lucha contra el cáncer", indicó la fuente.

"La familia ha pedido que su intimidad se respete en este difícil
momento", agregó el portavoz, sin precisar qué tipo de cáncer ha
acabado con la vida del músico.

Wright pasará a la Historia de la música por haber creado "Pink
Floyd" junto a Roger Waters (cantante, bajista y compositor) y Nick
Mason (batería).

(nota: se dejaron a S. Barret!)

Los tres artistas, que se conocieron en la Escuela Politécnica de
Arquitectura de Regent Street (centro de Londres), fundaron en
1965 "The Pink Floyd Sounds", nombre original del mítico conjunto.

Aunque como compositor no fue tan prolífico como Waters, con quien
mantuvo una agria rivalidad, sí escribió algunas canciones de
álbumes tan conocidos como "Meddle" (1971), "The dark side of the
moon" (1973) y "Wish you were here" (1975).

Durante la grabación de "The Wall" (1979) -uno de los discos más
emblemáticos de Pink Floyd- Wright se vio obligado a abandonar la
banda por sus diferencias irreconciliables con Waters, quien amenazó
con echar por tierra ese trabajo si el teclista no dejaba el grupo.

Sin embargo, Wright, posiblemente el componente más discreto de la
banda cara a la opinión pública, siguió tocando con el conjunto como
músico a sueldo durante los conciertos de promoción de "The Wall" en
1980 y 1981.

Autor de dos discos en solitario, "Wet dream" (1978) y "Broken
China" (1996), el músico continuó colaborando puntualmente con "Pink
Floyd", sobre todo, tras la salida de Waters de la banda en 1985.

En 2005, el grupo (David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters y Richard
Wright) volvió a reunirse al completo, por primera vez desde 1981,
para participar en el concierto "Live 8" de Londres contra la
pobreza en el mundo.

Richard Wright, que nació en Hatch End (norte de Londres), contrajo
matrimonio tres veces. A su tercera esposa, Millie, le dedicó su
primer álbum en solitario, "Broken China" (1984)."

Jon Anderson es insustituible!

2008-09-12T13:40:00.000-07:00

Squire reemplaza a Jon Anderson por un cantante encontrado en Youtube....

En Julio 2008, Yes tuvo que cancelar la gira de su 40 aniversario en U.S.A , por enfermedad de Jon Anderson. A sus 63 años, tuvo que ser hospitalizado a causa de un ataque de asma severo , un problema respiratorio importante.

"Me dijeron que los próximos meses me recupere y no haga esfuerzos", manifestó Anderson.

"Me gustaría que todos supieran lo terriblemente decepcionado que estoy por estos eventos", dijo Anderson. "Esperaba con ansias celebrar nuestra música con la increíble familia de admiradores de Yes una vez más,pero como todos sabemos, la salud está antes que cualquier otra cosa", agregó.
Estaba previsto que la gira, empezara el 12 de julio en Quebec, y finalizara el 22 de agosto en Los Ángeles.

Esta voz es única! Anderson es insustituible!...Escuchen este precioso tema de Jon and Vangelis!

Hace un rato, he leído por internet una noticia que me ha decepcionado mucho, espero que alguien pueda decirme que no es del todo cierto, ojala!...El caso es que Jon Anderson no se ha repuesto de sus problemas respiratorios, y ya tiene un suplente...lo encuentro indignante, a menos que Anderson esté completamente de acuerdo con todo esto!...

Chris Squire, bajista y único miembro que jamás abandonó Yes, acaba de encontrarle un sustituto. Y lo ha hecho, nada más y nada menos que por internet!...Increíble, pero parece cierto!...
Tal como en su dia Neal Schon, (del grupo Journey) hizo con Arnel Pineda. Como se sabe, Pineda el actual vocalista de Journey, fue encontrado a través de unos videos de YouTube.

De ese modo ha encontrado Squire a Benoît David. Dicen que un amigo de Squire, le envió un video de YouTube de Benoît David. A Squire le gustó y lo llamó para una audición.

Benoît David es un cantante canadiense , integrante del grupo Close to the Edge. Ha cantado en varios grupos tributo a Yes, haciendo covers. Tiene una voz "solo algo similar"..."entre comillas"...a Anderson...vamos que casi nada...es decir, recuerda vagamente, sutilmente, e inocentemente a la VOZ de Jon Anderson....

"Realmente no hay manera de reemplazar a Jon Anderson, pues él ha sido una gran fuerza en la industria de la música", reconoció Squire. "El sustituto sería más bien como un suplente".

Y yo me pregunto...será por el maldito dinero?...porqué?...ya que Anderson es el alma del grupo!!!

Squire espera que Anderson esté recuperado para los conciertos el próximo año.

La noticia dice que "se espera que los seguidores de Yes no rechacen la idea".

Espero que sean fieles a Jon Anderson como yo y la rechazen!

Aquí les dejo un video de Benoît David..

Si sigue adelante, la gira se iniciará el próximo 4 de Noviembre en Ontario, Canadá con el nombre de "In the Present".

El único miembro que alguna vez reemplazó a Jon Anderson fue Trevor Horn, en la grabación de Drama, el disco que Yes publicó en 1980, el único en que no participó Anderson.

Pero lo de ahora es distinto...

Que Jon Anderson tenga una buena y pronta recuperación!!!

http://www.extranoticias.cl/?p=18077

Tema contra las drogas: “That dirty cocaine” “Cocaína sucia”

2008-09-05T00:10:00.000-07:00

Escuchen este magnífico tema: Cocaine...yo también estoy en contra las drogas!

Cocaine, un tema que siempre me ha gustado mucho....

El tema es de J.J. Cale, aunque la mayoría de la gente piensa que es de Eric Clapton.

Clapton solo lo interpretó, y lo grabó un año después que lo compusiera J.J. Cale. Ha grabado otras canciones de Cale, como las conocidas "After Midnight" y "Travelin' Light".

"Cocaine" es una canción que está en contra de las drogas, y no a favor, como mucha gente sigue pensando hoy en día y pensaron en su tiempo.

Eric Clapton dijo una vez que es inútil escribir intencionadamente una canción que vaya en contra de las drogas y esperar a que la gente capte el significado. Por ello es mejor que lleve a la reflexión.
El mismo afirma que odia escuchar sus antiguas grabaciones, sobre todo algunas en las que tocó borracho.

La canción habla de la adicción a las drogas y de cómo los jóvenes pueden destrozar ellos mismos sus propias vidas con las drogas.

Clapton donó una buena parte de sus fondos al Crossroads Centre, un centro de rehabilitación para dejar la droga.

Desde este modesto blog tiro una lanza en contra de las drogas....nunca me han gustado!

Espero disfruten del buenísimo tema!

Pink Floyd: recibe el premio Polar...el Nobel de la Música!

2008-09-03T15:08:00.000-07:00

Escuchen este bello tema!

Pink Floyd recibió el premio Nobel de la música, “el premio Polar”, considerado el "Nobel de la Música", en una ceremonia en el Konserthuset de Estocolmo. Recogieron el premio en representación de todos los miembros del grupo, el batería Nick Mason y el bajista y cantante Roger Waters.

Pink Floyd recibió el premio por su importancia en la evolución de la música y el rock sinfónico en particular, por unir arte y música, por su apuesta experimental y su éxito al "capturar y formar reflexiones y actitudes para toda una generación", según el fallo del jurado.

El premio Polar fue creado en 1989 por Stig Andersson, editor, compositor y representante del grupo Abba.

Desde que en 1992 empezó a otorgarse, el premio Polar ha distinguido a intérpretes como, B.B. King, Cyorgy Ligeti, Keith Jarrett, Bob Dylan, Ray Charles, Pierre Boulez, Elton John, Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Dizzy Gillespie, Sony Rollins y Gilberto Gil.

http://www.20minutos.es/noticia/407346/0/pink/floyd/polar/

F E L I C I T A T S !!!!

THE DOORS: Grupo que revolucionó el mundo de la música en los sesenta...

2008-08-26T14:31:00.000-07:00

LA MEVA PREFERIDA!!!!.....Roadhouse Blues (Live)...sin palabras!!!

The Doors era un grupo californiano de Los Ángeles, (1965 -1973). Su estilo musical se podria definir como una mezcla de blues con música psicodélica....

Morrison le dio el nombre al grupo The Doors (las puertas) en alusión a un poema de William Blake titulado Las puertas de la percepción.

Sus miembros eran amigos de la universidad:

-James Douglas Morrison, (Jim Morrison)1943 -1971...Vocalista.... Componía las letras y parte de la melodía.....

-Raymond Daniel Manzarek, (Ray Manzarek)1939.....Teclista, bajista ocasional.

-Robert Alan Krieger, (Robby Krieger)1946....Guitarrista, armónica.

-John Paul Densmore, (John Densmore)1944….Batería.

Who Do You Love...espectacular tema...

Jim Morrison era el alma del grupo...de todos es bien sabida la vida que llevó....sus excesos con el alcohol y con las drogas....sus múltiples enfrentamientos con la policía, juicios, sus excesivos devaneos amorosos, etc....

Una vida muy agitada, que cumple perfectamente con el titulo del buenísimo tema de Lou Reed: Date una vuelta por el lado salvaje de la vida......y Jim Morrison bien que se la dió....pero se le escapó....fue mas allá...como suele ocurrir cuando uno se mete en estos malos ambientes....la mayoría de veces, cuando se entra...ya no se puede salir!

Morrison era rebelde por naturaleza.....lo cual me parece muy bien....además era guapísimo (excepto cuando se dejo la barba).....era todo un ídolo y un "sex symbol" en su época....
El gran aliciente de los conciertos del grupo, dicen que era verlo entrar en trance en mitad de una interpretación y recitar poesías o bailar como un loco. Proclamaba “amor, sexo, drogas y rock'n Roll”.

Gloria....buenísimo tema!!!

En 1967 publicaron su primer LP, “The Doors”, uno de sus mejores discos. Tiene temas buenísimos como “Light My Fire" de Robby Krieger (música/letra). El tema representa una pareja "llegando alto"....término callejero para la sensación eufórica de la gente cuando se droga...Otro espectacular tema es “The End” (11 minutos tratando el complejo de Edipo), a destacar también el buenísimo tema “Break On Trought”....En general, los temas de este disco tratan de forma explícita sobre el sexo y las drogas.

Light My Fire...excelente tema!!!

En 1967 salió “Strange Days”....con los temas "Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End".
El álbum también incluye "Moonlight Drive", una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors.

The End...precioso tema!!!

En 1968 salió el álbum “Waiting For The Sun”. Los temas de las canciones se caracterizan por su temática más bien social. El álbum contiene tres clásicos "Five to One", "Not to Touch the Earth" y "Hello, I Love You".
Durante las sesiones de grabación de este álbum, el grupo grabó el excelente tema "Waiting For The Sun", titulo que le da nombre al disco, pero este tema salió en el álbum “Morrison Hotel” de 1970.

Waiting For The Sun...excelente tema!!!

En 1969 salió “The Soft Parade”, con temas como "Touch Me", "Tell All The People", "Wild Child" , "Shaman's Blues" , con excelentes guitarras y líricas.
Los excesos de Morrison con el alcohol, lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación duraban semanas, cuando antes duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse.

En 1970 salió el album “Absolutely Live”, su primer álbum en directo ( sacaron dos más), con actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre. Destaca la aparición del poema de Jim Morrison "The Celebration of the Lizard".
Morrison guiaba al grupo más hacia el "Blues", con temas muy buenos como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue", y el buenísimo "Who Do You Love". Su voz no perdía su poder, y el grupo todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de "When The Music's Over" y "Celebration of the Lizard".

En 1970 sale el fabuloso disco “Morrison Hotel”, con un estilo marcadamente de Blues. Casi todos los temas de este álbum están compuestos por Jim Morrison. El disco está dividido en dos partes, la cara A por Hard Rock Café y la B Morrison Hotel.
A destacar el memorable tema de Blues-Rock “Roadhouse Blues” uno de mis preferidos.... “Waiting For The Sun “ otro de mis preferidos....Ship Of Fools” “Land Ho!”, Maggie M'Gill”, “Indian Summer" ,"Peace Frog", indiscutiblemente otro de sus mejores discos.

Roadhouse Blues (Live)...buenísimo tema!!!

Aunque Morrison se enfrentaba a varios procesos con la justicia, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970.
En el festival, el grupo tocó al lado de legendarios, como Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell y Miles Davis...

En 1971 se editó el buenísimo álbum “L. A. Woman”, uno de sus mejores trabajos....fue el último álbum de estudio de The Doors...el último disco de Jim Morrison, ya que murió tres meses después de grabarlo.

El álbum contiene grandiosos temas de blues, como lo demuestran los gloriosos ocho minutos de “L.A. Woman”, que habla de la despedida de Morrison de su querida ciudad Los Angeles, (al poco tiempo viajó a París para no volver jamás), también es un estremecedor canto a la muerte y a la soledad. En “L'America”, Jim relata una historia del descubrimiento de América. A destacar también temas como “The Changeling”, ”Been Down So Long” y “Cars Hiss by my Window”.

L.A. Woman...muy bueno!!!

Un espectacular y buenísimo tema es “Riders on the Storm” (Jinetes en la tormenta)....empieza con unos sonidos de truenos y lluvia.....es un clásico en el que Morrison relata un episodio de su infancia,la invasión de su alma por un chamán indio,(individuo al que se le atribuye la capacidad de modificar la realidad o la percepción colectiva de ésta, de manera que no responden a una lógica causal. Esto se puede expresar, en la facultad de curar, de comunicarse con los espíritus y de presentar habilidades visionarias y adivinatorias).

Riders on the storm....buenísimo tema!!!

El 3 de Julio de 1970, a la edad de 27 años, Jim Morrison falleció en extrañas circunstancias, su cuerpo fue encontrado en la bañera de su casa en Paris.... La conclusión fue que murió por un ataque al corazón,(sabemos que probablemente causado por un exceso de drogas y alcohol)....se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise (lugar de peregrinación de fans de todo el mundo)....
Probablemente, toda esta confusión sobre su muerte incrementó más el mito de Morrison, ya formado por su rebeldía, sus excesos, provocación, sexo, una muerte muy temprana,etc....Lamentablemente parece que a veces, estos son los ingredientes necesarios para crear un mito del rock, y a los que Jim Morrison llevó hasta sus límites en su corta pero tempestuosa carrera como cantante de The Doors.

Recuerdo como si fuera ayer, cuando me enteré de su muerte...realmente por lo que oí y leí en aquella época, fue para mi todo un misterio...así que como mucha gente, pensé que estaba vivo...que no había muerto, sino que había desparecido...

Break On Through...buenísimo tema!!!

Después de la muerte de Jim Morrison, en 1971, los tres integrantes restantes se reagruparon y lanzaron “Other Voices”....El teclista Ray Manzarek y el guitarrisa Robby Krieger tomaron el lugar de Morrison de cantante principal.
“Full Circle” es el segundo álbum que editó el grupo The Doors, después de la muerte de Morrison.
En 1978, grabaron “An American Prayer”, con la letra de algunos poemas de Morrison.
Para la época, la poesía de Jim Morrison era considerada grosera o de mal gusto y aún ahora, después de varias críticas es considerada anormal.

Los poemas son semi-autobiográficos, críticos de la época, visiones de la vida después de la muerte, o a veces proféticos.

En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con el tema "The End" en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors.
En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.
En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada "The Doors of the 21st Century"....

Actualmente Ray Manzarek, el mítico ex teclista del grupo, prepara un documental sobre el grupo The Doors.

El 41 aniversario de la salida del primer álbum de estudio del grupo, es la ocasión elegida para sacar el documental, pero es sólo una de muchas otras actividades, entre las que se encuentra la salida al mercado del DVD "Classic álbumes", que conmemora el inicio del grupo, además de un disco de 16 temas titulado "Live in Pittsburg 1970", con canciones remasterizadas.

Se dice que el documental que prepara Ray Manzarekes es “anti-Oliver Stone”...debido a la polémica película que realizó el director sobre The Doors, que dejaba muy mal parado a Jim Morrison y al grupo, dejándolos ver como borrachos sin mucho que aportar. La película tiene muchas equivocaciones. Los miembros del grupo criticaron el retrato de Stone a Morrison, que lo hacía parecer en ocasiones un psicópata fuera de control, en lugar del poeta rockero y sentimental que era.

Gràcies per la teva música!

Zaha Hadid: la numero uno de la arquitectura mundial.

2008-08-19T08:40:00.000-07:00

Escuchen este magnífico tema de una de mis preferidas:Janis Joplin...

Zaha Hadid es la única mujer ganadora del Premio Pritzker, el “nobel” de la Arquitectura.

El primer arquitecto de ascendencia latina en ganar el premio Pritzker fue Luis Barragan, de Guadalajara, México. Años más tarde, en 1996, fue galardonado el español Rafael Moneo. El premio Pritzker es hasta hoy en día el premio de más prestigio y más peso de los galardones otorgados a los arquitectos.

Zaha Hadid, especialmente innovadora en arquitectura i urbanismo , se ha destacado por su dominio del espacio, la novedad del diseño y la actuación en diversos campos de la creación, des de los objetos hasta el monumento.

Zaha Hadid nació en Baghdad en 1950, en una familia más bien liberal, lo que le permitió explorar nuevos caminos, descubriendo nuevas cosas y creando un pensamiento critico. Su padre, desempeño un papel importante en su desarrollo creativo, ya que la expuso a diversas culturas.

Hadid se educo en Francia y se formo en Gran Bretanya donde estudio arquitectura.

En Londres, su tierra de adopción, empezó su carrera profesional a principios de los 70.
En el año 1979, inauguró su propio taller de arquitectura, y en la siguiente década comenzo a diseñar y construir a través del mundo, defininiendo su estilo.

Entre sus proyectos más famosos se encuentran:

Diseñó, primero, un puente en el río Tamesis, seguido por un museo y algunos palacios públicos.
El famoso proyecto de La Punta (club social localizado en el punto más alto del monte de Hong Kong). (The Peak Club1983).

El cuartel de bomberos en Vitra, Alemania,a un lado del museo diseñado por el buenísimo arquitecto Frank Gehry.

El bar Moonsoon (Sapporo, Japón).

Participó en el concurso de ampliación del Museo del Prado en Madrid.

El Palacio de la Opera de la Bahía de Cardiff, en Gales 1996.

Diseñó también hoteles y edificios verticales como el Kurfürstendamm 70, la Vivienda IBA, el Azabu-Jyuban, un hotel en Abu Dhabi, el Spittalmarkt, y el hotel de la Calle 42.

El centro de Arte Contemporáneo Rosenthal (1998), Cincinnati, Ohio.

Hoenheim-North Terminus & Parqueo (2001), Estrasburgo, Francia.

La plataforma de saltos de esquí sobre la montaña Bergisel (2002), Innsbruck, Austria.

Anexo Ordrupgård (2005), Copenague, Dinamarca.

El teleférico Nordkettenbahn, Innsbruck, Austria.

Centro BMW (2005), Leipzig, Alemania.

El plan General de Zorrozaurre (2006), Bilbao, Spain.

En Zaragoza(Spain) ha diseñado El Pabellón Puente, que es uno de los edificios principales de la Expo 2008. Su planta tiene forma de gladiolo, está cubierto y aloja salas de exposición sobre la gestión sostenible del agua. Tras la Expo se transformará en un museo que podría estar relacionado con las nuevas tecnologías y las ciencias del agua.

En el 2002, ganó el concurso para llevar a cabo el plan maestro de Singapur, llamado one-north.

En 2005, también ganó el concurso para el nuevo casino de la ciudad de Basilea, Suiza.

Actualmente en Spain está trabajando en la renovación y reestructuración de Zorrozaurre, un barrio de Bilbao, que convertirá en isla, quedara realmente precioso.

También ha hecho un proyecto: "Campus de Justicia" de Madrid.

En Barcelona, esperaremos la construcción de la zona de “les Glòries a la plaça de les Arts”....

MIL SOLES ESPLENDIDOS:Un clásico de nuestros tiempos.

2008-08-09T12:13:00.000-07:00

Escuchen este tema...muy conocido...de John Miles "Music" un tema rockero y sinfónico, compuesto por el y producido por su amigo Alan Parsons.

MIL SOLES ESPLENDIDOS...."Mil sols esplèndids":un clàssic dels nostres temps.

No dejen de leer esta magnífica y conmovedora novela histórica. Quiero compartir este libro con quienes lean este articulo en mi blog! Después me dicen que les pareció!

Una excepcional historia de una amistad y un amor tremendo, durante tres décadas de la historia del Afganistan.
El escritor Khaled Hosseini, relata con una gran fuerza y sentimiento, la historia de Mariam, Laila y Tariq, envuelta por la invasión sovietica en el Afganistan, la guerra interminable, los talibanes, y los americanos.....
Sabe describir perfectamente las emociones y sentimientos de la vida de los tres....
Mariam, Lalia ( Leila) y Tariq lucharan para sobrevivir, en un mundo hostil y de una gran dureza y crueldad. Es una novela triste, que llega a lo más profundo del alma, que te hace estremecer, creo que después de este libro, quizás tarde en encontrar otra historia que me cautive tanto como esta.

Khaled Hosseini, nace en Kabul, Afganistán, el 4 de marzo de 1965. Médico y novelista afgano-estadounidense. Exiliado en EEUU.
Publicó su primera novela en 2003 , "Cometas en el cielo", y su segunda novela, "Mil soles espléndidos” se publicó en 2007.
Ví la película “Cometas en el cielo” y me gusto, aunque no he leido el libro!

Espero lo disfruten!

Pink Floyd: Uno de los mejores grupos de rock sinfónico-progresivo de la historia...

2008-07-31T10:38:00.000-07:00

Si mi grupo preferido en la historia del rock sinfónico progresivo es Yes...Seguidamente a un pasito va Genesis y a otro pasito va Pink Floyd!...

El grupo tuvo varios nombres, entre ellos, Sigma 6, Arquitectural Abdams, ya que la mayoría de sus miembros estudiaba arquitectura en la Universidad de Londres. Después de varios cambios en su formación, decidieron iniciar una nueva etapa y Syd Barrett cambió el nombre por el de Pink Floyd, en honor a dos ídolos del blues: Pink Anderson y Floyd Council.

El grupo ingles, se fundó a finales de los años 60. Su música, primero psicodélica , fue evolucionando hacia el rock sinfónico progresivo y el rock experimental.
El grupo quedo formado por: Bob Klose (guitarra solista), Syd Barrett (voces, guitarra rítmica), Richard Wright (voces, teclados), Roger Waters (voces, bajo) y Nick Mason (batería). Syd Barrett dominaba la composición influido por el rock psicodélico, lo que propició la salida de Bob Klose, (más cercano al jazz), quedando un cuarteto.
Syd Barrett, se convirtió en el primer líder del grupo. Sin embargo, su comportamiento, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fuera sustituido en 1968 por David Gilmour como quinto miembro, a fin de suplirlo en los conciertos cuando Barrett no estaba lúcido. Finalmente dejó la banda por sus problemas mentales, quedando así la formación clásica del grupo:
David Gilmour, guitarra y voz, Roger Waters , bajo y voz , Rick Wright , teclados y voz, y Nick Mason, batería y percusión.

En 1967 salió el primer álbum del grupo, The Piper at the Gates of Dawn , compuesto por Barrett y considerado el primer ejemplo de la música psicodélica británica, aunque previamente habían editado los singles See Emily Play y Arnold Layne. El segundo álbum, A Saucerful of Secrets salió en 1968, en él se mezclan las canciones psicodélicas semejantes a las firmadas por Barrett y piezas más experimentales, con influencias de la música clásica, aquí sólo aparece un tema de Barrett: Jugband Blues.
A Saucerful of Secrets

En 1968 sale el álbum More, que fue la banda sonora de la película More , del director francés Barbet Schroeder. La película aborda el tema de las drogas y el sexo tal como sucedía en aquella época. Fue recortada y censurada en varios países.

El excelente doble Ummagumma, disco bastante experimental, sale en (1969). El título del álbum significa «relación sexual» en la jerga de Cambridge, es su álbum más psicodélico, consta de una parte en vivo y otra parte grabada en estudio, en la que los distintos miembros del grupo hacen interpretaciones de lo que en ese momento se les ocurre. Es la improvisación en estado puro y con una gran calidad.

En 1970 salió el magnifico álbum Atom Heart Mother, la primera grabación del grupo con una orquesta. Es quizás el álbum más experimental de la discografía de Pink Floyd. Hay la colaboración de Geesin en el arreglo de la orquesta y el excelente trabajo de estudio de Alan Parsons. El álbum tiene la excelente suite «Atom Heart Mother» de 23 minutos en una sola cara del disco, mientras que la otra presenta tres temas, cada uno de un vocalista y compositor de la formación If de Waters, Fat Old Sun de Gilmour y Summer '68 de Wright. Otra de las canciones, Alan's Psychedelic Breakfast, es un collage sonoro de un hombre cocinando y comiéndose su desayuno mientras de fondo suenan sus pensamientos acompañados de líneas instrumentales. El hombre en cuestión es Alan Styles, uno de los técnicos de sonido del grupo.
Atom Heart Mother

El esplendido álbum Meddle (1971), con el impresionante tema "Echoes" de 23 minutos, descrito por Waters como un «poema sónico» debido a sus constantes efectos de sonido, está considerado como uno de sus mejores temas. Incluye largos pasajes instrumentales, efectos de sonido e improvisaciones. Escrito por los cuatro miembros del grupo (Roger Waters, Richard Wright, David Gilmour y Nick Mason.
Echoes

Pink Floyd adquiere todo su esplendor cuando se ayuda del aspecto visual. Grabaron una actuación del grupo en directo, con su habitual despliegue técnico y para darle un mayor carácter épico tocaron en un escenario singular: las ruinas de Pompeya , rico en referencias históricas que nutría aún más el cargamento de estímulos que ya lleva por sí misma la música del grupo. El resultado es "Pink Floyd At Pomppeii", una filmación sin público, que seduce, tanto por el perfeccionismo de su envoltorio, como por la calidad de los temas interpretados. Un documento casi onírico!

El siguiente álbum fue Obscured by Clouds (1972), conformó la banda sonora de la película La Vallé de Barbet Schroeder.

Dos de los discos más importantes de su discografía son: los espectaculares, The Dark Side of the Moon (1973) y Wish You Were Here (1975).
En ambos, Gilmour se convirtió en el principal vocalista del grupo. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco The Dark Side of the Moon. La última colaboración de Wright como compositor y vocalista se dio en «Time» y «Shine on You Crazy Diamond», respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.

The Dark Side of the Moon, la cara oculta de la luna, es un disco conceptual, con Alan Parsons como ingeniero de sonido. El disco esta lleno de efectos de sonido y canciones que abordan la temática del hombre presionado por la sociedad, que le lleva al borde de la locura. Es un disco espectacular! Todos los temas son buenísimos!

“Pensamos que podríamos hacer algo sobre las presiones que personalmente sentimos que nos llevan a ir demasiado lejos... la presión de hacer mucho dinero, el tema del tiempo, el tiempo yéndose tan rápidamente; estructuras de poder organizadas, como la Iglesia o la política; la violencia o la agresión. Es una versión musical de ese cliché” "Hoy es el primer día del resto de tu vida". Habla acerca de trabajar por metas que pueden convertirse en engaños.

Pink Floyd

Us and Them...este bellísimo tema ,fue escrito por Rick Wright y Roger Waters y cantado en el disco por David Gilmour.

Wish You Were Here, un disco excelente, semiconceptual, en el que el grupo rinde tributo a Syd Barrett. La espectacular suite "Shine On You Crazy Diamond", es básicamente instrumental. Todos los temas del álbum son buenísimos y de gran calidad musical. Unos temas hablan, sobre la ausencia de sentimientos humanos en el mundo de la industria musical, y otros de la añoranza del antiguo miembro del grupo Syd Barrett. En el tema Wish You Were Here, el riff principal fue compuesto por el guitarrista y vocalista en la canción David Gilmour, que colaboró con Waters, que había escrito parte de la letra, para terminar la canción.

Wish You Were Here...uno de mis preferidos!

Shine On You Crazy Diamond...espectacular tema...imprescindible tener el álbum!

En 1977 sale el fabuloso álbum Animals, inspirado en Rebelión en la granja, novela escrita por George Orwell , que utiliza cerdos, perros y ovejas como metáfora de la sociedad contemporánea. Waters clasifica a todos los humanos en tres clases distintas: perros (empresarios megalomaníacos), cerdos (políticos y moralistas, con referencias a Margaret Thatcher) y ovejas (quienes no pertenecen a ninguna de las dos categorías anteriores, y siguen ciegamente a los perros y los cerdos). Todos los temas son impresionantes.

Dogs "You Gotta Be Crazy"

Pigs

La épica ópera rock The Wall sale en 1979. Es una obra conceptualla obra conceptual por excelencia del rock. Compuesta casi en su totalidad por Waters, trata los temas de la soledad y la falta de comunicación, expresados por medio de la metáfora de un muro, construido entre el músico y el público. La idea le surgió a Roger Waters cuando en un concierto de la gira de Animals en Montreal, el comportamiento agresivo de un fan de primera fila, condujo a Waters a escupirle en la cara. Inmediatamente disgustado consigo mismo y con lo que llegaban a ser algunos megaconciertos, Waters comenzó a fantasear con la idea de construir un muro entre el escenario y la audiencia, lo que llevó posteriormente a la concepción del álbum. Hay que comprender que Pink Floyd siempre abordaba sus espectáculos para que lo principal fuera lo visual y lo sonoro, dejando normalmente al grupo en un segundo plano en la penumbra del escenario.

Another Brick in the Wall...segunda parte...Buenísima versión!
El tema es una crítica contra la enseñanza en las escuelas y la educación que era muy rígida, en general, la canción fue censurada en varios países...

Con The Wall el grupo hizo una gira mundial con un colosal montaje que incluía la construcción de un muro gigante que iba ocultando el escenario y que finalmente era destruido, todo ello siguiendo la historia de esta obra conceptual. El álbum fue coproducido por Bob Ezrin, quien fue llamado para servir como mediador entre Gilmour y Waters, debido a las continuas discusiones que se producían entre ambos.
La ópera sólo fue interpretada en unas pocas ocasiones debido a las complicaciones logísticas (puesto que en estas actuaciones se construía un muro en los descansos de cada actuación), aunque sería interpretada por Waters una vez más después de la caída del muro de Berlín.

Hey You (Live)...ESPECTACULAR! Uno de mis preferidos! Emocionante! Sin palabras!

Hey you, out there in the cold
Getting lonely, getting old
Can you feel me?
Hey you, standing in the aisles
With itchy feet and fading smiles
Can you feel me?
Hey you, dont help them to bury the light
Don't give in without a fight.

Hey you, out there on your own
Sitting naked by the phone
Would you touch me?
Hey you, with you ear against the wall
Waiting for someone to call out
Would you touch me?
Hey you, would you help me to carry the stone?
Open your heart, I'm coming home.

But it was only fantasy.
The wall was too high,
As you can see.
No matter how he tried,
He could not break free.
And the worms ate into his brain.

Hey you, standing in the road
always doing what you're told,
Can you help me?
Hey you, out there beyond the wall,
Breaking bottles in the hall,
Can you help me?
Hey you, don't tell me there's no hope at all
Together we stand, divided we fall.

[Click of TV being turned on]
"Well, only got an hour of daylight left. Better get started"
"Isnt it unsafe to travel at night?"
"It'll be a lot less safe to stay here. You're father's gunna pick up our trail before long"
"Can Loca ride?"
"Yeah, I can ride... Magaret, time to go! Maigret, thank you for everything"
"Goodbye Chenga"
"Goodbye miss ..."
"I'll be back"

La película Pink Floyd: The Wall, fue dirigida por el buenísimo director Alan Parker y protagonizada por Bob Geldof. Contiene notables escenas de animación y se incluyeron temas que no figuran en el álbum original y que completan la historia, lamentablemente excluyeron "Hey You", un magnífico tema.
El álbum es excelente, una maravilla….sus temas son bellísimos, como el fantástico "Comfortably Numb", que se convirtió en una pieza fundamental., creado por David Gilmour y considerado por muchos el mejor solo de guitarra de la historia, realizado por el mismo.
Comfortably Numb ("Cómodamente insensible")...otro de mis temas preferidos! INCREIBLEMENTE BELLO!

The Wall es uno de los mejores trabajos del grupo junto con Dark Side of the Moon, Animals y Wish You Were Here…discos imprescindibles!

En 1983 sale The Final Cut , el disco más político de Pink Floyd, con fuertes alusiones en contra de las dictaduras y la guerra. Sería también el último disco de Roger Waters en la banda. El álbum está dedicado a la memoria del padre de Waters, muerto en combate en la Segunda Guerra Mundial. Significó la aparición de canciones relacionadas con temas de actualidad, algo impuesto por Waters y que ha seguido haciendo como solista. Hace crítica social, orientada a otra de las fobias de Waters, en el tema "Two Suns in the Sunset" sobre el cinismo y el miedo de la guerra nuclear. La Guerra de las Malvinas fue uno de los nuevos temas incorporados en las letras de The Final Cut, que reafirmaba la postura antibélica de Waters.
Wright fue despedido durante la grabación de The Wall, y las relaciones entre Waters y Gilmour se deterioraron durante las sesiones de The Final Cut y el rodaje de la película The Wall.

Waters se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 en Londres.
En 1986, Gilmour asumió el control del grupo y compuso A Momentary Lapse of Reason , (sin Roger Waters), con algunas contribuciones de Mason. Richard Wright se unió al grupo en 1994 para componer y publicar The Division Bell, compuesto por todos los integrantes del grupo, es un álbum conceptual
Pink Floyd no ha vuelto a publicar nuevo material desde entonces y aunque no están oficialmente disueltos, no hay ningún signo sobre nuevos trabajos.

Se publicó el recopilatorio Works, que incluyó por primera vez la canción inédita «Embryo», grabada en 1970. A partir de entonces, cada uno de los miembros tomaron caminos distintos, embarcándose en sus propios proyectos.

En 1995, salió el álbum en directo P.U.L.S.E. , que contiene las canciones interpretadas en un concierto en Londres en la gira Division Bell junto con el álbum The Dark Side of the Moon en directo al completo.

El 2 de julio de 2005, el grupo se reunió para una sola actuación, en el concierto del Live 8 en Londres. Para este acontecimiento, Waters se unió a sus ex-compañeros después de 24 años sin tocar juntos. Pink Floyd interpretó un conjunto de cuatro canciones: Speak to Me/Breathe, Money, Wish You Were Here y Comfortably Numb, con Gilmour y Waters compartiendo las vocales. Al final de la actuación todos los miembros se fundieron en un abrazo conjunto que se convirtió en una de las imágenes más famosas del concierto.

The Dark Side of the Moon...Breathe..precioso tema!

Live 8, fueron una serie de conciertos que se celebraron simultáneamente en julio de 2005 en distintos puntos del mundo en contra de la pobreza. Su nombre proviene del de Live Aid (concierto benéfico para los países pobres, celebrado en 1985) y del G-8.
La campaña Live 8 no pretendía recaudar fondos directamente, sino concienciar a las sociedades, (especialmente a las de los países del G-8, países industrializados del mundo cuyo peso político, económico y militar es muy relevante a escala global), para que presionasen a sus gobernantes para acabar con la pobreza.
El G-8 está conformado por Alemania, Canadá, Estados Unidos, Francia, Italia, Japón, Reino Unido y Rusia.
El marco Live 8 fue impulsado por el cantante, compositor, actor y activista político irlandés Bob Geldof.
David Gilmour & Bob Geldof...Comfortably numb

En abril de 2008 Nick Mason anunció que Pink Floyd se volverá a reunir en un evento benéfico todavía sin fecha ni lugar específico, lo que sería la primera actuación de la banda en tres años.
Esperemos podamos verlos pronto!

Miguel Angel Buonarroti: La grandeza de un genio!

2008-07-22T08:44:00.000-07:00

Disfruten de este espectacular tema de King Crimson!

Claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV.
Miguel Ángel Buonarroti , está considerado como uno de los mayores creadores de toda la historia del arte y, la figura más destacada del renacimiento italiano. Arquitecto, escultor, pintor y poeta, ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a su época.
Nació el 6 de marzo de 1475 en el pequeño pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, en la Toscana, y mantuvo a lo largo de toda su vida unos profundos lazos con Florencia.
De niño ya le cautivaba el dibujo y el estudio del arte, y le gustaba recorrer las iglesias y copiar las pinturas.

A los 13 años de edad entró en el taller de Doménico Ghirlandaio, para aprender a pintar. Más tarde , se dedicó a estudiar las obras de los grandes ,como Giotto, Massacio, Donatello.
Dos años después se sintió fascinado por las esculturas del jardín de San Marcos, de los escultores griegos y romanos cuyas obras contemplaba en la colección de los Médicis.
Trató de revelar los secretos de los escultores antiguos que simbolizaban al cuerpo humano en movimiento, con todos sus músculos y tendones.

Lorenzo el Magnífico, ( Lorenzo de Médicis) fue su mecenas, le ofreció la posibilidad de instruirse en el lenguaje y las técnicas de la escultura, empleando su colección de piezas clásicas, guardadas en el Palacio de Vía Larga.
Miguel Ángel inició así sus estudios de escultura, siendo admitido como hijo adoptivo de Lorenzo en el Palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo.
A los 16 años de edad ya había realizado dos esculturas en relieve, y ya mostraba su profunda admiración hacia la anatomía , que estudió por si mismo. Acudía casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones, que le permitían conocer mejor la anatomía del ser humano y dibujaba tomando modelos de la figura humana.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras.

De sus muchísimas grandes obras, solo citaré estas:

David

El punto culminante del estilo de juventud de Miguel Ángel es la gigantesca (4,34 m) escultura en mármol del David , realizada entre 1501 y 1504. El artista afrontaba el tema del héroe de manera insólita respecto a lo tradicional, representando el símbolo de la fe hebraica con el cuerpo de un hombre joven y desnudo, tranquilo pero tenso.
David es un personaje bíblico-histórico, era pastor del rebaño de su padre y tras vencer al filisteo Goliat fue proclamado rey del pueblo de Israel. En el David de Miguel Ángel, el héroe se encuentra en el momento justo antes de blandir la honda y atacar al gigante Goliat.
Es la escultura que lanzó a Miguel Ángel a la fama teniendo él apenas 24 años.
El mármol que le proporcionaron para el David, fue un bloque defectuoso abandonado hace 40 años , algo no habitual, ya que, él mismo Miguel Ángel elegía el bloque de mármol con el que iba a trabajar.

El David, no es una anatomía perfecta, no responde a la proporcionalidad de sus miembros, sus pies son enormes, su cabeza desproporcionada con el resto del cuerpo, sus manos también demasiado grandes, aunque los músculos de todo el cuerpo, están perfectamente delimitados, y en las extremidades se pueden apreciar las venas, los tendones, sobretodo en las manos.
La escultura estuvo hasta 1947 en la entrada del Palacio de la Señoría, como símbolo de libertad de la República, (ahora se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia), donde fue trasladada para evitar que fuera dañada por la polución. Se hizo una réplica exacta que colocaron en el mismo lugar, en la plaza de La Señoría.

Moisés

Es la figura central de la tumba de Julio II, en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Realizada en 1515.
Es de mármol de Carrara realizada en bulto redondo, de cuerpo entero y sedente. El modelado es perfecto. Miguel Ángel trato el mármol, su material predilecto, como si fuera la más dócil plastilina. El estudio anatómico es de un naturalismo asombroso. El mármol blanco pulido deja resbalar la luz. Las ropas caen en pliegues donde juegan luces y sombras dando a la figura volumen.
Capta el instante en que Moisés vuelve la cabeza y va a levantarse, lleno de furia ante la infidelidad de su pueblo. Esta ira se expresa en su rostro, que se contrae en un gesto ceñudo. Podemos ver en esta escultura las características del estilo renacentista: búsqueda de la belleza, acentuado naturalismo, interés por la figura humana y su perfecta anatomía.
Julio II, su otro mecenas, se lo encargó en 1505, aunque Miguel Ángel no lo terminó hasta 1545 , de un modo muy diferente a como lo había proyectado. Durante tres años trabajó en la tumba sin parar, terminando la gran estatua de Moisés con las Tablas de la Ley.
Pensaba que el Moisés era su creación más realista. La leyenda cuenta que al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le ordenó "¡habla!", sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar una marca, tal vez el martillo de Miguel Ángel al golpear a su Moisés.

La Piedad

Miguel Ángel la esculpió a los veintitrés años y la terminó antes de cumplir los 25 años de edad, es además la única obra en la que aparece su firma.
La magnífica obra en mármol, que mide 174 cm de altura y 195 cm de longitud. Se encuentra en Roma, en la Ciudad del Vaticano, en la Basílica de San Pedro.
Miguel Ángel representa a la Virgen considerablemente joven sentada sobre un peñasco simulando el Calvario, sosteniendo en su regazo el cuerpo de su hijo descolgado de la Cruz sosteniéndolo con una mano derecha, mientras la otra se abre en un gesto que sugiere interrogar sobre el destino de Jesús, según una iconografía nórdica. El rostro de la virgen es hermoso encuadrado por un velo, consigue transmitir la tragedia a la escena , tiene los ojos bajos casi cerrados y su expresión es serena. Se destaca la anatomía del cuerpo de Cristo, con el brazo derecho caído. Los pliegues del vestido demuestran su gran pericia técnica. En la cinta que atraviesa el pecho de María , Miguel Ángel cinceló Michelangelus Bonarotus Florentinus faciebat (Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo)

La Capilla Sixtina

Miguel Ángel tuvo la oportunidad de demostrar su pericia y habilidad como pintor, al encomendársele la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina en el Vaticano. En ella plasmó algunas de las más exquisitas imágenes de toda la historia del arte.

El artista recibió de Julio II, el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina. Sin embargo, al principio Miguel Ángel se resistió a aceptar este encargo, ya que se consideraba ante todo un escultor, pero ante la insistencia de Julio , empezó con el trabajo. No quiso que nadie le ayudara en la obra, y se encerró en la capilla y no permitió que nadie se le acercara. Su creación duró cuatro años de tarea solitaria sobre el andamiaje de la capilla.

Miguel Ángel desarrollo un complicado sistema decorativo- iconográfico donde figuran nueve escenas del libro del Génesis. Alrededor de las escenas centrales, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.

Basílica de San Pedro

La obra máxima de Miguel Ángel como arquitecto se evidencia en la Basílica de San Pedro. En la dirección de los trabajos el artista sucedía a Antonio de Sangallo , con quien tenía hondas discrepancias en la concepción de la arquitectura, pero acepta la petición de Paulo, y su primera acción fue demoler parte de lo erigido por Sangallo captando así enemistades.

Los proyectos de Miguel Ángel para San Pedro, manifiestan una ruptura respecto a todos sus prestigiosos predecesores, aseverando su concepción original en la creación de la planta, que en el exterior tendrá colosales pilastras corintias y la Cúpula sería el punto sobresaliente, esta cautivó a Miguel Ángel desde 1557 hasta su muerte y no llegaría a contemplarla definitivamente acabada según eran sus deseos.

Miguel Ángel también compuso poesías, donde presentaba sus ansiedades, pensamientos , frustraciones, ideas estéticas y su relación con la filosofía.
La formación poética de Miguel Ángel, probablemente le vino de los textos de Petrarca y Dante. Como poeta, Miguel Ángel, ha dejado unas trescientas composiciones que ocupan un puesto destacado en la lírica del siglo XVI, destacando su tono enérgico y austero y una continua tensión hacía una ardiente inmediatez expresiva.

A los 30 años de edad Miguel Ángel, era uno de los maestros más destacados de la época.
Miguel Ángel imaginaba las figuras contenidas en el bloque de mármol, en el que se ocupaba y su labor como escultor sería la de quitarle al bloque lo que le excedía, es decir, descontar lo necesario de el hasta que emergían esas figuras contenidas en su interior.
A lo largo de su vida, vivió con problemas en la espalda , causados por una caída desde un andamio.
Se dice de Miguel Ángel, que estaba continuamente insatisfecho consigo mismo.

Se nota en su arte, su amor por la belleza masculina, la cual sabe plasmar perfectamente y con gran erotismo ( se puede apreciar muy bien en su David), a diferencia del cuerpo femenino, que no lo sabe pintar. Esto se puede ver en los frescos de la Capilla Sixtina, donde Eva tiene cuerpo muy rudo y masculino.
Tanto en su poesía como en el resto de su obra, le marcó su homosexualidad. Amó a gran cantidad de jóvenes, muchos de los cuales posaron para él . Su mayor amor fue Cavalieri de 16 años, cuando Miguel Ángel contaba 57 años. Le dedicó a Cavalieri cerca de trescientos sonetos y madrigales (composición lírica breve, especialmente intensa y delicada y de tema amoroso) , constituyendo la más vasta secuencia de poemas compuestas por él.

El 18 de febrero de 1564, falleció , a la edad de ochenta y ocho años.
Fue enterrado en la iglesia de los Santos Apóstoles de Roma. Más tarde, su cuerpo fue llevado a Florencia, donde está enterrado actualmente en la iglesia de Santa Croce. Giorgio Vasari diseño el monumento que está sobre su tumba y comprende tres figuras llorosas que representan la pintura, la escultura y la arquitectura.

GUANAJUATO: Lugar en la tierra de las ranas.

2008-07-06T05:15:00.000-07:00

Escuchen este precioso tema de Pat Metheny, mientras pasean por Guanajuato!

Guanajuato, es una de las ciudades coloniales, históricas, monumentales y culturales más importantes y preciosas de México.

La historia de la ciudad se remonta a la época precolombina. En sus primeros años se llamó Mo-o-ti, "lugar de metales". Los aztecas le dieron el nombre de Pachtitlan, "lugar entre la paja". Su nombre en Náhuatl seria Cueyatlālco que significa “lugar en la tierra de las ranas”.

Guanajuato, es la capital del Estado de Guanajuato, situado en el área central de México, al sur de la meseta alta mexicana, y tiene un clima muy agradable con temperaturas entre 12ºC y 24ºC.
Dispone de un aeropuerto internacional, a 40 kilómetros del centro de la ciudad.

La ciudad es pequeña, tiene aprox. 120.000 habitantes. Guanajuato tiene
mucho que ofrecer: desde los preciosos edificios coloniales a museos modernos, y desde las minas de plata a la universidad.
La famosa Calle Subterránea, conocida como la Calle Miguel Hidalgo tiene un encanto increíble. Sigue el antiguo cauce del río de Guanajuato, que recorre casi 3 kilómetros por debajo de la ciudad.

Guanajuato, cuna de Diego Rivera, deslumbra al visitante por el encanto de su atmósfera relajada, sus calles adoquinadas y sus pintorescas plazas. Es una ciudad universitaria tranquila, (comparable con Granada y Salamanca en España), lejos de las ciudades turísticas de México.

Lo que me llamó mucho la atención en el centro de la ciudad, son sus túneles de piedra, sus plazas, y el laberinto de calles y callejuelas, ( todas peatonales) alineadas con escaleras. Las casas con sus fachadas de colores pastel, con sus balcones enrejados de forja, y sus ventanales llenos de flores.
Todo esto y mucho más le da un encanto muy especial!

Su festival Internacional Cervantino, es una fiesta muy importante y famosa llena de cultura, música, teatro y baile. Se celebra todos los años, las dos primeras semanas de octubre. Atrae a intelectuales, artistas y turistas de todo el mundo. Todo gira en torno a Miguel de Cervantes, cuyas obras son interpretadas por los estudiantes universitarios en una pintoresca placita.

La Universidad

Su Panteón Municipal, es célebre por el extraño fenómeno de la momificación natural de los cuerpos enterrados en él, ha sido utilizado por más de 100 años.
Tiene su explicación, a los pobres los enterraban bajo tierra, y con el tiempo vieron que los cuerpos no se habían degradado, sino todo lo contrario , se conservaban en buen estado, creo que era debido seguramente, a las propiedades que poseía esa tierra.

Realmente es escalofriante, y desagradable ver las momias, que incluso conservan parte de su pelo, (su vello púbico, sus cejas, uñas,...). Bueno, este no es motivo para visitar Guanajuato!

La ciudad es conocida mundialmente , por sus importantes yacimientos de oro y plata. Sus minas de plata, fueron años atrás las más ricas del mundo.

El descubrimiento de estos ricos yacimientos de plata y oro (especialmente el de plata), impulsó el desarrollo de la ciudad colonial, fundada en 1570. Durante siglos, fue un importante centro minero.
Las dos terceras partes de la plata que se extrajeron de uno de sus yacimientos mineros, lamentablemente fue para llenar las arcas de la corona española en la época colonial. Cuando los tiempos empezaron a cambiar y el rumor de la independencia crecía en México, Guanajuato fue el escenario de un notable acontecimiento histórico: la toma del cuartel y la prisión Alhóndiga de Granaditas (hoy convertido en un céntrico museo) acaecida el 28 de octubre de 1810 y que por suerte, significó un triunfo para la libertad.

La ciudad de Guanajuato fue el centro minero más importante de la Nueva España. Por suerte hoy, sus tesoros no atiborran las arcas de la corona española, sino que contribuyen a enriquecer los recuerdos de los viajeros que se pierden encantados en sus calles empinadas y estrechas.

Mencionar que Guanajuato, fue capital del país durante el mandato de Benito Juárez.

En 1988, la UNESCO declaró a Guanajuato Patrimonio Nacional de la Humanidad.

Les aseguro que quedaran hechizados con esta hermosa ciudad, tanto por su arquitectura y cultura, como por su ambiente y su gente, tan acogedora !

GENESIS : Uno de los mejores grupos de rock progresivo de la historia!

2008-06-28T00:53:00.000-07:00

Mi grupo preferido es Yes, pero indiscutiblemente el segundo lugar, sin duda , lo ocupa Genesis!

Tony Banks, Phil Collins, Mike Rutherford, Steve Hackett y Peter Gabriel.

Peter Gabriel y Phil Collins: Dos de los grandes músicos de Genesis!

Comentaré solo su trayectoria musical, desde 1967 hasta principios de 1980, que es cuando más me gusta Genesis, puntualizando que la época de los setenta indudablemente para mi es la mejor del grupo!

ESCUCHEN MI TEMA PREFERIDO DE GENESIS:THE LAMIA, ME TRANSPORTA A LUGARES LEJANOS, ME CONMUEVE, ME LLENA DE SENTIMIENTOS, ME APASIONA, ME TRAE MUCHOS RECUERDOS...

Genesis se formó el año 1967, en Inglaterra. En su inicio el grupo estaba formado por Anthony Phillips (guitarra), Mike Rutherford (bajo), Tony Banks (teclados), Peter Gabriel (voz) y Chris Stewart (batería).Todos se conocieron cuando aún eran estudiantes, y desde entonces empezaron a componer singles. El primer single de Genesis se llamó "The Silent Sun" y salió al mercado en febrero de 1968, sin tener mucho éxito.

Genesis época Peter Gabriel: 1970–1975

Miembros:1967-1968
Peter Gabriel: Voz, flauta
Tony Banks: Teclados, guitarra acústica
Mike Rutherford: Bajo, guitarra
Anthony Phillips: Guitarra, voces
Chris Stewart: Batería

El álbum debut del grupo fué “From Genesis to Revelation”, 1969. En este tiempo, el batería Stewart dejo el grupo y fue reemplazado por John Silver.

Miembros:1968-1969
Peter Gabriel: Voz, flauta
Tony Banks: Teclados, guitarra acústica
Mike Rutherford: Bajo, guitarra
Anthony Phillips: Guitarra, voces
John Silver: Batería

En 1970 grabaron su segundo y buenísimo álbum, “Trespass”. Junto con este nuevo LP, llegó el batería John Mayhew en lugar de Silver. Una vez terminada la grabación del disco, el guitarrista Anthony Phillips abandono el grupo por pánico escénico (lo cual le impedía cumplir con las obligaciones de músico en las giras que realizaban). Junto a él tambien se fue el nuevo batería John Mayhew.

1969-1970
Peter Gabriel: Voz, flauta
Tony Banks: Teclados, guitarra de 12 cuerdas/doble
Mike Rutherford: Bajo, guitarra
Anthony Phillips: Guitarra, voces
John Mayhew: Batería

En Agosto de este mismo año, entró Phil Collins como batería. El grupo quedo formado por solo cuatro miembros, hasta que entró el guitarrista Mick Barnard. El nuevo guitarrista no cumplió con las expectativas del grupo, que pensaban que no podia igualarse a Phillips, por lo que decidieron despedirlo, entrando en su lugar Steve Hackett.

Miembros:1970-1975
Peter Gabriel: Voz, flauta, percusión
Phil Collins: Batería, voces
Tony Banks: Teclados, guitarra de 12 cuerdas, voces
Mike Rutherford: Bajo, guitarras, voces
Steve Hackett: Guitarras

Con esta formación, el grupo inició un período de una extraordinaria calidad y creatividad musical. Grabaron el maravilloso álbum “Nursery Cryme” en 1971. Com temas muy buenos. A destacar, "The Musical Box", "The Fountain of Salmacis" y "For Absent Friends".

The musical Box...espectacular tema!

En 1972, salió “Foxtrot”. LP buenísimo, de gran complejidad musical y literaria con una de las mejores composiciones de la historia del rock sinfónico: el extraordinario tema de 23 minutos: "Supper's Ready", a destacar también el tema "Watcher of the Skies".

Supper's Ready

En aquella época Peter Gabriel hizo unos espectaculares cambios en el grupo, dando un aire teatral a las actuaciones en directo , con introducciones surrealistas en cada uno de los temas. Para eso hubo cambios de vestuario, maquillaje, y la particular interpretación de Gabriel como vocalista y showman, de modo que sus conciertos, eran puestas en escena magníficas y de una gran creatividad. Las letras narraban principalmente historias de fantasía, y el escenario estaba lleno de videos, y de muchos elementos visuales como lásers.
Este cambio convirtió a Genesis en uno de los grupos más controvertidos en los conciertos en directo durante los años 70.

El álbum “Selling England by the Pound” apareció en 1973: buenísimo!!!!. El LP contiene temas como: el excelente "Firth of Fifth", "I Know What I Like”, "The Cinema Show" y "After the Ordeal". Como dato curioso, hay un bello tema cantado por Phil Collins, "More Fool Me".

I Know What I Like

Para mi este álbum es uno de los mejores junto con “The Lamb Lies Down on Broadway”, aunque si pienso en Foxtrot, Nursery Cryme...etc...díficil elección! pero me quedo con los dos primeros!

En 1973 sale el primer àlbum en directo de Genesis. “Genesis Live”.
En 1974, Genesis se aventuró en un proyecto mucho más ambicioso conceptualmente hablando, con un disco doble: “The Lamb Lies Down on Broadway”, excelente disco!!!, buenísimo!!! . Después de grabar el disco, el grupo hizo una gira, y al terminarla en agosto de 1975, Peter Gabriel decidió alejarse de Genesis por motivos personales. En el disco, Gabriel relata extraordinariamente la historia de Rael en busca de su hermano. A destacar casi todos los temas, "The Carpet Crawlers", "The Lamia", "In the Cage","The Lamb Lies Down on Broadway", "Lilywhite Lilith", "Anyway"..espectaculares!

Aquí se terminó la etapa de Genesis con Peter Gabriel, que decidió dejar el grupo por diferencias artísticas y personales, aunque no hubo ruptura personal y las buenas relaciones con sus antiguos compañeros, permitieron la colaboración de varios de ellos, a lo largo de la carrera solista de Gabriel.

Escuchen este espectacular tema, espero les guste! Otro de mis preferidos!

Genesis época Phil Collins: 1976–1996

Miembros:1976-1977
Phil Collins: Voz, batería
Tony Banks: Teclados, voces
Mike Rutherford: Bajo, guitarras, voces
Steve Hackett: Guitarras
Bill Bruford: Batería (Tour 1976)
Chester Thompson: Batería (Tour 1977 en adelante)

Debido a la salida de Gabriel, el grupo se vió obligado a hacer una audición para conseguir un vocalista., pero sin tener muy claro que clase de cantante necesitaban, aunque no querían alejarse mucho del estilo de la voz de Peter Gabriel. Phil Collins, que hacia los coros, se encargó de entrenar a los candidatos. Pasó el tiempo, y ningun vocalista les causó impresión alguna por lo que el grupo tomó la decisión de que fuera Collins el cantante del grupo.

En 1976, salió el maravilloso álbum: “A Trick of the Tail”, con temas muy buenos, a destacar "Ripples", "Dance on a Volcano" y "Entangled".
Gran Canción del Genesis de Phil Collins.

Para los conciertos en directo, el grupo contrató a un batería, ya que Phil Collins debía cantar. Primero se lo ofrecieron a Roger Taylor de Queen, quien no aceptó y a raíz de esto, entró Bill Bruford, ex-miembro de Yes y King Crimson, que se unió al grupo durante unos meses. Más tarde Chester Thompson ex batería de Weather Report y ex miembro del grupo de Frank Zappa, ocupo su lugar durante las dos siguientes décadas.

En 1976, Genesis grabó otro buen disco, “Wind & Wuthering”. Los temas más representativos son: "Blood on the Rooftops", "Afterglow" y "One for the Vine" este último es una delicia!.

En 1977, salió el segundo álbum en directo del grupo: Seconds Out (Segundos Afuera), este álbum fue presentado con Phil Collins, como nueva cara del grupo y vocalista principal. Un álbum magnifico, en el que figuran: Phil Collins, Michael Rutherford ( bajo),Tony Banks ( teclados), Chester Thompson ( batería), Bill Bruford batería), Steve Hackett ( guitarra), que se fue del grupo al finalizar esta gira. En su lugar entró el guitarrista, Daryl Stuermer, quien también tuvo una larga relación con Genesis durante sus conciertos.
El álbum Seconds Out, fue el que marcó el final de la era de Genesis, como grupo de rock progresivo.

Miembros:1978-1992
Phil Collins: Voz, batería
Tony Banks: Teclados, voces
Mike Rutherford: Guitarra, bajo, voces
Daryl Stuermer: Guitarra, bajo (sólo en los conciertos)
Chester Thompson: Batería (sólo en los conciertos)

Después, el grupo se formo como un trio, y en 1978 salió el álbum en vivo, “And Then There Were Three” (y entonces eran tres),Tony Banks, Mike Rutherford y Phil Collins. En este álbum, hay una combinación de canciones de la época clásica de Gabriel, junto a las canciones favoritas de sus trabajos posteriores.

En 1996, después de haber estado durante 25 años en el grupo, Phil Collins decidió dejarlo. Rutherford y Banks decidieron seguir adelante con nuevos miembros.

Muchos fans del grupo prefieren Peter Gabriel a Phil Collins, a mi me gustan los dos, considero que sin ellos, Genesis no sería uno de los mejores grupos de rock progresivo de la historia.

La Ballena Gris: visitante milenario de la Baja California, México.

2008-06-17T23:58:00.000-07:00

Uno de los más maravillosos fenómenos naturales es sin duda, el apareamiento y nacimiento de las ballenas grises en aguas del pacifico mexicano.

Escuchen el mayor trabajo Jethro Tull , uno de los mejores albumes de rock progresivo y de la musica en general, de excelentes composiciones...buenísimo! Es la primera cara del vinilo Thick as a Brick, el segundo álbum conceptual (unificado por un tema común) del grupo, y para mi sin duda, el mejor, será un buen acompañamiento para viajar al santuario de las ballenas grises.

La ballena gris nace en aguas mexicanas, cerca de la costa de la Baja California.

Puede medir hasta 15 metros de largo y a pesar hasta 40 toneladas.
La impactante ballena gris es un enorme e inteligente cetáceo que se alimenta de camarones, plancton, algas y anfípodos, por lo que es absolutamente inofensiva al hombre.

El color del mamífero marino es gris. En su epidermis se adhieren percebes y otros crustáceos parásitos, que al desprenderse del cuerpo de la ballena dejan muchas cicatrices blancas. Con los años llegan a tener tantas rémoras y cicatrices que pierden su color gris original.

Vean la epidermis de una ballena adulta!

Sus principales depredadores son las orcas, tiburones y principalmente, el ser humano.
Estos animales se levantan en vertical fuera del agua para echar un vistazo a su alrededor, saltando alegremente con sus 40 toneladas y levantando nubes de agua con los anchos lóbulos de su cola que mueve de arriba hacia abajo para nadar. A este movimiento se le llama brinco de espionaje y puede durar hasta 30 segundos.

Hace siglos, los primeros pobladores de la península de la Baja California observaban y admiraban a los gigantescos animales marinos, que año tras año visitaban sus mares para aparearse y dar a luz a un crío, que años después volvería a sus costas para continuar con un ciclo milenario de vida.
Actualmente, a principios de octubre, miles de ballenas grises inician su migración procedentes de Alaska y del mar de Bering, dirigiéndose hacia el sur, llegando a mediados de diciembre a las cálidas aguas de las hermosas bahías de la Baja California, en México.
Llegan cada año para aparearse y al año siguiente para dar a luz a sus ballenatos. Las hembras alcanzan su madurez sexual generalmente a los ocho años de edad, y pueden dar a luz una sola vez cada dos años, y normalmente tienen una sola cría.
Como todos los cetáceos, las crías nacen en el agua y son capaces de nadar inmediatamente. Las madres amamantan a los ballenatos durante unos seis u ocho meses. Los "pequeños" mamíferos son protegidos e instruidos por sus madres y otros cetáceos que, sin haber parido, ayudan a los críos a respirar y sumergirse en las templadas aguas de la laguna. Las ballenas juveniles a menudo se quedan con sus madres durante uno o dos años.
Los machos pueden aparearse con varias hembras y no parece que desempeñen ningún papel en el cuidado de las crías.
La mayoría de las ballenas grises crían en las lagunas de Baja California, por citar algunas:lagunas de San Ignacio, Ojo de Liebre y Bahía Magdalena emtre otras.

Las ricas aguas del Pacífico Mexicano y el Mar de Cortés son un refugio tranquilo y seguro para su reproducción. La máxima concentración de ballenas se alcanza en el mes de enero.
En marzo, inician su retorno al gélido Océano Ártico, completando un viaje de ida y vuelta de más de 20 mil kilómetros.
Esta es la ruta de migración más larga entre todos los mamíferos de la tierra, es un recorrido anual ininterrumpido realizado desde hace siglos, siendo una de las migraciones más extraordinarias.
En Baja California Sur existen diferentes zonas para la observación de las ballenas: Bahía Magdalena, que además es refugio de cientos de singulares especies, tanto migratorias como residentes, la reserva de la Biosfera de Vizcaíno, etc.
No solo se ven ballenas grises. También es posible avistar, aunque con menor frecuencia, ballenas azules, jorobadas, cachalotes o ballenas de esperma y orcas.

Aprovechen y den un paseito por La Baja California!

Dato importante:
Hace años, las ballenas grises eran tan abundantes que era peligroso navegar en las aguas frente a California y Baja California durante su época de migración. Lamentablemente en la actualidad, la población de ballenas grises del océano Pacífico occidental, es muy reducida y esta considerada una especie amenazada. Las causas de que estas ballenas estén en peligro de extinción son la caza excesiva y la contaminación de los mares.

Viendo esta terrible imagen, sobran las palabras!

Junio 2001, Rusia

Se estima que actualmente existen 50 animales en capacidad de reproducirse.
Indignante! Ojala esta pequeña aportación a este modesto blog sirva para algo!

LA RENOVACIÓN DEL AGUILA: dedicado a mi amiga Margot!

2008-06-15T12:16:00.001-07:00

Buenísimo tema de Genesis!

El águila es el ave de mayor longevidad de la especie. Llega a vivir 70 años, pero para llegar a esa edad, a los 40, deberá tomar una seria y difícil decisión.

A los 40 años, sus uñas están apretadas y flexibles, sin conseguir tomar a sus presas de las cuales se alimenta. Su pico, largo y puntiagudo se curva, apuntando contra el pecho.
Sus alas están envejecidas y pesadas y sus plumas, gruesas.

¡¡¡ Volar se hace tan difícil !!!

Entonces, el águila tiene solamente dos alternativas: morir o enfrentar un dolorido proceso de renovación, que dura 150 días.
Ese proceso consiste en volar hacia lo alto de una montaña y quedarse ahí en un nido cercano a un paredón, en donde no tenga la necesidad de volar.
Después de encontrar ese lugar, el águila comienza a golpear con su pico en la pared hasta conseguir arrancarlo. Después de arrancarlo, esperar el crecimiento de uno nuevo con el que desprenderá una a una sus uñas.
Cuando las nuevas uñas comienzan a nacer, comenzará a desplumar sus plumas viejas.
Después de cinco meses, sale para el famoso vuelo de renovación y para vivir 30 años más.

En nuestra vida, muchas veces tenemos que resguardarnos por algún tiempo y comenzar un proceso de renovación.
Para continuar un vuelo de victoria, debemos de desprendernos de costumbres, tradiciones y recuerdos que nos causaron dolor.

"Solamente libres del peso del pasado podremos aprovechar el resultado valioso que una renovación siempre trae".

CONCIERTO DE KANSAS EN BARCELONA: domingo 8 de Junio 2008 en la sala Apolo

2008-06-11T23:30:00.000-07:00

Polvo en el viento...
Seguramente mucha gente ha oido este precioso tema, sin saber que es de Kansas...

Puntualmente a las 21h salieron al escenario los componentes de la mítica banda americana Kansas.
De la formación clásica estaban Phil Ehart (batería), Steve Walsh (teclados y voz), Richard Williams (guitarra), y Billy Greer, (bajo). Todos ya muy mayorcitos.
El más joven era el violinista David Ragsdale, el único miembro que no perteneció a la formación inicial del grupo.

El sonido de la sala era malo, tienen la costumbre de poner el bajo y la batería demasiado fuertes y muy graves, de tal manera que los otros músicos no destacan.
Tocaron los temas más emblemáticos y conocidos del grupo, pero como el que va a trabajar a la oficina, es decir, a cumplir con su trabajo y nada más.
Ni se presentaron, ni buenas noches Barcelona....solo hablaron dos veces en ingles, pensando que todos lo dominamos, así que de lo poco que dijeron no pille nada.

El grupo demostró que tiene experiencia y compenetración encima de un escenario, pero no se entregaron en ningún momento al público, no tenían motivación, mas bien fue el público quien se entregó a ellos.

Tenía muchas ganas de ver a Kansas y me defraudaron, sobretodo por lo fríos que se mostraron encima del escenario. Musicalmente hablando, decir que a pesar de la edad que tienen, todos los músicos tocaron bien.

A destacar en especial el violinista y guitarrista, que no pertenece a la formación inicial, me gusto mucho, también cantó. Fue el único que se abrió al público, se notaba que estaba muy a gusto en el escenario.
El batería, algo machacón, tocaba muy alto, sin sutileza y le faltaba una buena base polirítmica.
El bajista a cumplir y nada más, sin destacar, simplemente se limitó a tocar.
El guitarrista apenas se oía tapado por los otros músicos, sus solos muy normales, sin feeling ni sentimiento.
El teclista, también en la línea del grupo, correcto, nada más.
El cantante del grupo evidentemente no cantó como años atrás, pero sigue manteniendo una buena voz.
Las voces en conjunto bien armoniosas, pero sin matices ni sutilezas, voces que cantan con su timbre original, que no van mas allá.

Tocaron muchos temas de sus primeros y mejores discos, a destacar:
Lonely wind, Belexes, Journey from Mariabronn, Song for America,
I takes a woman's love, Icarus, Carry on wayward son, The wall, Cheyenne Anthem, Point of know, Portrait, Dust in the wind, No body's home, Hold on,
Paradox, , No one together etc…
Me sobró que tocaran Eleanor Rigby, tema que tocaban los Beatles, sencillamente porque no me gustan los Beatles, y menos este tema, que ya aparece en un cd de Kansas.

El concierto duro 90 minutos , con bises incluidos, comparado con la mayoría de conciertos es poco tiempo, y además en los bises, repitieron el tema Carry on wayward son. Quizás fue corto porque son músicos que ya tienen una edad para tocar mas tiempo en directo, pero hay muchos otros músicos que se dejan la piel y son mayores que ellos.

Era la primera vez que iba a la sala Apolo y me gustó, ya que es acogedora y está bien acondicionada. No estaba llena del todo, lo que para nosotros fue una suerte ya que estuvimos mucho mas cómodos y pudimos ver al grupo perfectamente.
Realmente se agradece que no tocaran en la sala sauna Razzmatazz, (jamasmatat), que es horrible.

Resumiendo, un concierto correcto, que no me emocionó, francamente me esperaba mucho más. Eso si, el publico muy fiel y entusiasta y todos nos conocíamos cada uno de los temas que tocaron.

Una pequeña gran curiosidad: “Que pequeño es el mundo”

2008-06-09T13:11:00.000-07:00

Me llamó mucho la atención este niño refrescándose del calor dentro del cubo. Me dio pena porque con la misma agua habían limpiado antes las verduras y los jengibres, tan tradicionales en la gastronomía China. Si os fijáis bien, los jengibres se ven detrás del niño , encima de un trapo de color verde.

Fotografía de Carles Ardévol.Guillin(China)Mayo 2006

Mayo 2006

Fotografia de Marivi Moreno( no la conozco )Guillin Mayo 2007

Casualmente Carles encontró esta otra fotografia en un foro al que el pertenece,que está dedicado a la fotografia, valga la redundancia, al verla nos quedamos sorprendidos....nos hizo mucha gracia y enviamos la nuestra a la misma pagina web....
Como podéis ver se trata del mismo niño, solo que un año mayor, en el mismo lugar, el mismo cubo....el niño casi no cabe dentro!...Incluso parecen los mismos jengibres y las mismas verduras. Curiosamente sigue el trapo de color verde....

Realmente parece que el tiempo se detuvo y que el niño sigue ahí desde entonces!

LORENA MCKENNITT: Una voz maravillosa, dulce y melodiosa al compás de su arpa......y su piano…

2008-06-05T22:57:00.000-07:00

Concierto en la Alhambra,Granada. Septiembre 2006.
The Bonny Swans song...maravilloso tema...

Loreena McKennitt cantante, compositora e intérprete de piano y arpa, nace el 17 de febrero de 1957 en Manitoba, Canada. Empezó a estudiar veterinaria. Actualmente vive en Ontario, en una granja rural.
En sus canciones se mezclan la fantasía, los cuentos y las leyendas tradicionales....
En sus viajes, Lorena encuentra la inspiración para sus mágicos temas, en los que pueden escucharse ritmos e instrumentos de todo el mundo, que nos llevan a tiempos y lugares olvidados, y a cualquier parte donde llegue la imaginación.
Según ella, la música es un medio de comunicación entre las distintas culturas, no cabe duda que eso se aprecia en la mayoría de sus álbumes.
Sus ocho discos de estudio y sus dos discos en directo la consagran como una intérprete en el universo de la música celta.

PARALEL DREAMS

"Más allá de los viajes hacia la fantasía, los sueños han servido como vehículo a través del cual hemos integrado nuestro consciente y subconsciente, lo real y lo irreal , lo poderoso y lo intangible," dice Loreena McKennitt sobre las ocho evocadoras canciones de este maravilloso álbum, en el que la autora incluye sus propias letras.
Desde la tradicional y conmovedora balada "Annachie Gordon" a la fusión apasionada de música nativa americana y celta "Huron 'Beltane' Fire Dance", pasando por la evocadora historia de un niño que busca ansiadamente su hogar en "Dickens' Dublín. La tercera grabación de Loreena muestra una marcada evolución más allá del ámbito de la música celta tradicional y sigue el camino de un viaje musical ecléctico.

"Si hay tema recurrente que recorre estos sueños," concluye la autora, "es el ansiado viaje en busca del amor, la libertad y la integración. De todos los tipos de sueños que podemos tener, estos son definitivamente nuestros sueños paralelos."

THE VISIT

Las nueve canciones producidas por la artista varían desde una versión de "Greensleeves" cantada "tal y como me imagino que lo habría hecho Tom Waits" y una inquietante versión instrumental de "Tango To Evora", hasta la desgarradora y tradicional balada "Bonny Portmore" en la que se lamenta por la desaparición de los antiguos bosques irlandeses de robles, adorados por los europeos pre-cristianos, y que en la actualidad tiene una relevancia muy contemporánea adhiriéndose con la lucha por la preservación de los bosques. Finalmente, una de las creaciones más queridas de Loreena, es una preciosa melodía que narra el poema épico de Tennyson ambientado en la legendaria época del rey Arturo, "The Lady Of Shalott".
"Los Celtas conocían, tal y como estamos aprendiendo nosotros ahora, la importancia del respeto profundo por todos los elementos de la vida a su alrededor," concluye Loreena. "Esta grabación aspira a ser nada más que una reflexión sobre este tema".

THE MASK AND MIRROR

“Con The Mask And Mirror comencé mi viaje en Galicia, la región celta en el noroeste de España, y continué desde allí mi propio peregrinaje histórico y musical. Miré una y otra vez a través de la ventana del siglo XV en España, a través de los matices del Judaísmo, el Islam y el Cristianismo, y fui atraída por un mundo fascinante: historia, religión, un cruce cultural de fertilización".

El quinto álbum de Loreena, producido por la artista, está lleno de una exótica variedad de instrumentos, desde el chelo a los tubos uillean, dumbeg, tabla y oud....Abarcando influencias Españolas, Celtas y Marroquíes, sigue una trayectoria de inspiración desde Irlanda hasta Santiago de Compostela y el Medio Oriente. Las escenas musicales de los poemas de San Juan de la Cruz y Shakespeare son eclécticas y ricas composiciones originales que incluyen las seductoras y dramáticas obras "The Mystic's Dream" y "Marrakesh Night Market".

THE BOOK OF SECRETS

“Un buen viajero no tiene planes fijos, y su objetivo no consiste en llegar.”
Las palabras del filósofo chino Lao Tzu sirven de introducción al tercer álbum en la trilogía de documentos musicales de viaje que comenzó con The Visit.
Grabado en los estudios Real World de Peter Gabriel en Inglaterra, The Book Of Secrets fue escrito y documentado por todo el mundo.El álbum incluye un repertorio con más de dos docenas de colaboraciones musicales, y las ocho canciones contenidas en el álbum, incluyendo el éxito norteamericano "The Mummers' Dance", llevan al oyente por viajes inesperados. Le hacen seguir la música desde el antiguo Bizancio hasta un teatro de marionetas en Sicilia, o desde la isla rocosa de Skellig Michael habitada antiguamente por monjes irlandeses durante la Edad Oscura hasta Venecia y los viajes de Marco Polo, o desde la trágica narrativa de "The Highwayman" al estruendo de los cascos de los caballos galopando a través del Cáucaso y el eco de las palabras de Dante encontradas inesperadamente en un viaje en tren por Siberia.

AN ANCIENT NUSE

“Oh, Musa, cuéntame acerca de aquéllos que viajan a lo largo y a lo ancho”
En efecto, éste es un eco de la obra eterna de Homero, La Odisea, que introduce la séptima grabación en estudio de Loreena McKennitt, el último volumen de un proyecto que ella describe como “la escritura sobre un viaje musical”. En esta ocasión, el viaje la lleva a la búsqueda de los senderos más hacia el este del territorio celta, desde los llanos de Mongolia hasta el reino del Rey Midas y el Imperio Bizantino. A lo largo del camino, reflexiona sobre los conceptos de hogar, de viaje en todas sus variedades, en la entremezcla cultural que es la base de la historia humana, y en nuestros patrimonios universales de conflicto y esperanza.
El álbum, presenta una lista de aclamados músicos, brinda un tesoro oculto de instrumentos, desde arpa, organillo y acordeón hasta laúd, lira, cítara y “nyckelharpa” (pequeño violín escandinavo con teclas). Entre los destacados se incluyen los ritmos seductores y las influencias de “Silk Road” (Calle de seda) del primer simple “Caravanserai” (Caravasar); “Penelope’s Song” (Canción de Penélope), un himno al amor inquebrantable; y el escenario musical de Loreena sobre el poema de Sir Walter Scott sobre el romance desventurado, “The English Ladye And The Knight” (La dama inglesa y el caballero). Las nueve canciones que componen An Ancient Muse (Una vieja musa), evocan juntas amplios valores mundiales de historias humanas que son tan únicas como inolvidables.

An Ancient Muse fue presentado con una estelar banda de músicos que actuaron en tres conciertos al aire libre en la Alhambra en septiembre de 2006. Cada una de las tres noches incluyó una actuación de Loreena de noventa minutos con lo más destacado de su trabajo.

Caravanserai...hermoso tema!

Noches en la Alhambra...

Me hubiera encantado estar en un lugar tan mágico y espiritual como la Alhambra de Granada, escuchando los diecinueve temas que recogen el segundo directo en la carrera de Loreena Mckennit, con hermosas baladas tradicionales celtas, aires sefarditas y arábicos, narraciones literarias y temas de su último trabajo de estudio An ancient muse.

Comentarios de los álbumes obtenidos de la página oficial de Loreena McKennitt.

Deep Purple: el mejor grupo de rock duro de todos los tiempos

2008-06-03T12:14:00.000-07:00

LA PRIMERA VEZ QUE ESCUCHE DEEP PURPLE TENIA TRECE AÑOS....EL GRUPO ME ENGANCHO COMPLETAMENTE....TODAVIA NO ME DESENGANCHO DE EL....

Gran tema...increíble..uno de mis preferidos,(cuando suena la primera nota en mi tocadiscos me pongo a bailar)...contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan. Se dice que el solo de guitarra de Highway Star surgió en la mente de Blackmore mientras llevaba horas escuchando a Wolfgang Amadeus Mozart.
Otros comentan que surgió espontáneamente una mañana, cuando de camino a un concierto en el autobús, un periodista musical que les acompañaba les preguntó de qué forma componían, Ritchie agarró una acústica y comenzó a tocar el acorde de sol rápida y repetidamente, mientras Gillan improvisaba una letra: "We are on the road! we are on the road!, we are a rock and roll band!"...En los ensayos para ese mismo concierto Glover y Gillan escribieron la letra y todos terminaron mas o menos el tema utilizando una progresión de acordes de Bach.
Es un tema rápido y completo, donde hay solos tanto de órgano como de guitarra.

El grupo nace en Gran Bretaña en 1968 con el nombre de Roundabout. Siendo un proyecto de Chris Curtis, cantante y ex-batería de la banda The Searchers años antes.....
Después de varios cambios el grupo se configuro con los siguientes miembros:
Jon Lord en los teclados,Ritchie Blackmore en la guitarra,Ian Paice en la batería, Rod Evans en la voz principal y Nick Simper en el bajo y voz.

Después de una gira por los países escandinavos, el grupo cambio su nombre por el de Deep Purple, en honor a la canción favorita de la abuela de Ritchie Blackmore...."Deep Purple Dreams".

En Junio de 1968 publican su primer single: Hush. En Septiembre de ese mismo año se publica el primer LP: Shades of Deep Purple. Este álbum muestra una clara influencia de la escena psicodélica de finales de la década de los 60. Incluye versiones de piezas como Help, Hush, I´m so Glad y Hey Joe, junto con las primeras composiciones del grupo.

Los temas más conocidos de este primer álbum son Hush y Mandrake Root. Esta última canción se transformaría en uno de los primeros vehículos utilizados por Blackmore y Lord para dar rienda suelta a impresionantes improvisaciones de guitarra y órgano en sus presentaciones en vivo.

En Julio de 1969 se publican los singles Kentucky Woman y River Deep y el segundo álbum: The Book of Taliesyn. En el último tema Anthem, Jon Lord deja plasmada la gran influencia que ejerce la música clásica en su formación musical y que luego plasmaría en obras tales como April (1969), Concerto for Group and Orchestra (1969), Gemini Suite (1970) entre otras.

En Noviembre de 1969 se publica el tercer álbum del grupo: Deep Purple. Este álbum es más ambicioso en lo que a concepción musical se refiere. Exceptuando la versión de Lalena,todos los demás temas están compuestos por los miembros del grupo, principalmente Lord y Blackmore. El tema April compuesto por Blackmore y Lord,incluye una pequeña suite clásica donde utilizan flautas, oboe, clarinete, violín, viola y cello. Precioso tema...quién no conoce a Deep Purple no diría que el tema es suyo!

Hay ciertos problemas en Deep Purple por diferencias musicales y Evans y Simper dejan el grupo y son sustituidos por Ian Gillan, vocalista y el bajista Roger Glover.

El grupo queda formado por:
Ritchie Blackmore (guitarra), Ian Gillan (voz), Roger Glover (bajo), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería). Es la formación clásica de Deep Purple, para mi la mejor formación y evidentemente la mejor época del grupo!

El primer disco con Gillan y Glover sería "Concerto for Grupo and orchestra" 1970.
La fusión entre una orquesta filarmónica clásica y un grupo de rock.Un proyecto básicamente de Lord grabado junto a la Royal Philarmonic Orchestra.

En 1970 sale el álbum "In rock", una obra maestra del rock duro en la cual se aprecia su potencial sónico, gracias a la influencia de Ritchie Blackmore, acompañado por el talentoso trabajo en los teclados de Lord y el poder vocal de Gillan. El disco contiene temas clásicos del grupo como "Speed King", "Child in time" o "Into the fire".
Además del Lp, Deep Purple también conseguiría el éxito en formato sencillo, con la publicación de "Black Night".

En 1971 editan el LP Fireball. El disco contiene el single "Strange Kind of Woman", que se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, y una de las canciones fijas en sus conciertos. Esta canción, junto con "The Mule", son los dos temas del disco que aparecen en el clásico Made in Japan de 1973.

A destacar, aparte de los solos de guitarra acompañados de la voz de Ian Gillan, que hay uno de los mejores solos de batería en directo por parte de Ian Paice en The Mule.

A fines de ese año, el grupo crea su propia compañía discográfica bajo el nombre de Purple Records.

Machine Head, el álbum con mayor éxito sale en 1972. Es el más significativo de la carrera de Deep Purple.Insuperable! Todas las canciones de este álbum son buenísimas, en especial Highway Star,Lazy, Pictures of home y la bella balada When a blind man cries (Si ya te vas,cierra la puerta ya no espero a nadie más....).
Smoke on the water,canción que cuenta lo que le paso al grupo, en un incendio que arrasó el casino de Monteux en Suiza, mientras asistían a un concierto de Frank Zappa and the Mothers of Invention. En plena actuación Frank Zappa paralizó a sus músicos y señalando al techo gritó: "¡Fuego!"...el pánico se apoderó de todos pero la evacuación se realizó de forma ordenada y sin problemas utilizando incluso las ventanas, después se supo que el incendio fue provocado por un idiota que estaba jugando con un lanzallamas echando fogonazos al aire...Fuera Deep Purple y los demás evacuados observaban la columna de humo subir y el Casino consumirse poco a poco por las llamas , el lago Ginebra que se hallaba junto al Casino se llenó de un humo espeso...eso dio lugar a uno de los temas más famosos del grupo: Smoke On The Water.
Que más voy a decir de este tema...para terminar comentar que es el riff de guitarra más repetido de la historia de la música rock, sencillo pero contundente e inolvidable ya fue el primer tema que aprendi a tocar con la guitarra, aunque me hubiera encantado aprender a tocar la batería, que siempre ha sido mi instrumento preferido...
Como curiosidad,sólo decir que la gira del Machine Head duró 44 semanas, y sigue considerándose uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos

Tremendo tema! Otro de mis preferidos...

En 1973 Deep Purple edita el disco en vivo Made in Japan, que fue grabado durante la gira del Machine Head y presentado por del grupo en Japón,( Osaka y Tokio, entre el 15 y el 17 de Agosto de 1972).
Se convirtió en el álbum en vivo más vendido en la historia.
Aparte de un gran sonido en directo, la fuerza que transmite el público, y la que Ian Gillan y Ritchie Blanckmore le dan a su música, hacen imprescindible tener este disco.

Deep Purple nunca se han caracterizado por ser amantes de los estudios de grabación, siempre decían disfrutar más como músicos al tocar en directo.

Made in Japan, es mi disco preferido! Memorable. Es uno de los mejores discos en vivo que he oído, los músicos brillantes, Blackmore y Guillan tremendos!
Hay que pensar que Deep Purple tocaban practicamente a diario, además de numerosas giras sin descansar. Gillan, tuvo una hepatitis al empezar la gira por USA en septiembre de 1971, la enfermedad le obligo a descansar unos meses.
Se supone que el stress y agotamiento generado por las giras, fue lo que provocó problemas internos, sobretodo entre Ritchie Blackmore y Ian Gillan.
En un principio eran grandes amigos, compartían las mismas habitaciones en las giras, pero era difícil mantener el control absoluto dentro de una banda que cada día se hacia más grande, lastima que todo esto al final llevó a la ruptura de la formación más emblemática del grupo.

También en 1973 aparece el disco Who Do We Think We Are. Fue grabado en Frankfurt y Roma en el estudio móvil de los Rolling Stones entre julio y octubre de 1972.A destacar, Woman from Tokyo, entre otros.
Lamentablemente fue el último álbum con Ian Gillan y Roger Glover hasta su regreso en el disco Perfect Strangers en 1984.

En su lugar entrarían al grupo David Coverdale, vocalista y Glenn Hughes, bajista.

En 1974 presentan el disco Burn. Meses más tarde, Deep Purple publica el LP Stormbringer, que provocaría la baja temporal de Ritchie Blackmore que formaría el grupo Rainbow.

Ritchie Blackmore fue reemplazado por Tommy Bolin, un joven guitarrista estadounidense de 24 años, que se había ganado un nombre gracias a sus trabajos con buenos músicos de jazz.
La marcha de Blackmore fue un duro golpe para el grupo, que no pudo ser reavivado con "Come taste the band" 1975. Con este disco, Deep Purple realizó una gira europea, la cual estuvo llena de problemas, pues la adicción a la heroína por parte de Tommy Bolin generó varios percances. Evidencia de ello queda registrado en el álbum en vivo titulado Last Concert in Japan.
En marzo de 1976, Deep Purple, después de una decisión tomada por todos los miembros, toma la determinación de acabar con aquél proyecto y se produce la desaparición definitiva del grupo. La falta de un líder nato, los problemas con las drogas de Tommy Bolin y Glenn Hughes y, sobre todo, el cansancio tras muchos años de giras y discos, provoca el cese de sus grabaciones y conciertos.

De esta manera, David Coverdale hace su carrera en solitario como solista, y posteriormente forma parte del grupo Whitesnake junto a Ian Paice y Jon Lord. Por su parte, Glenn Hughes también se dedica a su carrera en solitario aunque ensombrecida por sus numerosos escarceos con las drogas, y el malogrado guitarrista Tommy Bolin fallece en el mismo 1976 a causa de una sobredosis de heroína.

Pasaron ocho años para que Deep Purple volviera a la escena musical. De esta manera en 1984 vuelven a reunirse Blackmore, Gillan, Glover, Lord y Paice (los miembros más emblemáticos de Deep Purple), y lanzan el esperado álbum Perfect Strangers. Con este nuevo trabajo se presentan en distintas ciudades del mundo para promocionar el disco.
Tres años después editan el LP The House of Blue Light y en 1989 Gillan abandona nuevamente el proyecto. En su lugar entra Joe Lynn Turner.

Deep Purple inicia la década de los 90 con el LP Slaves and Masters.Poco tiempo después Turner es despedido, y regresa Ian Gillan.

En 1992 sale al mercado The Battle Rages On. Con este material salen de gira por USA, Europa y Japón. Tras finalizar la serie de conciertos, Blackmore decide salir de la banda y entra temporalmente Joe Satriani . Tiempo después en lugar de este último entra Steve Morse.

A inicios de 1996, con esta nueva formación aparece el disco Purpendicular, con la cual hacen una gira mundial.

Dos años más tarde sale un nuevo disco titulado Abandon. Este es el último álbum de estudio con Jon Lord en el grupo. Lord es reemplazado por el teclista Don Airey. De esta forma el grupo queda finalmente formado por Ian Gillan, vocalista, Roger Glover en el bajo, Steve Morse en la guitarra, Don Airey en los teclados y Ian Paice en la batería.

En el 2003, sale el disco Bananas, y en el año 2005 graban el álbum Rapture of the Deep, con el que Deep Purple inicia una gira mundial.

En 2006 editan el primer DVD en vivo oficial con Don Airey, se trata de la grabación del Show en el famoso Montreaux Festival en su 40 aniversario,el DVD se llama Live At Montreaux. Un dvd de altísima calidad musical, excelente y espectacular.

En 2007 un nuevo disco,The Friends and Relatives Album.

En la gira 2006-2008, destaca su espectacular concierto del 28 de Abril de 2007 en el recién inaugurado Wembley Arena de Londres.

Buenos discos, muchos conciertos y giras, marchas y venidas de los músicos, fue la tónica que caracterizó y caracteriza a un grupo mítico que aún sigue girando por todo el mundo.

Grandioso tema...espectacular...impresionante...emocionante...apasionante...conmovedor... Después de todos estos calificativos, no hay duda de que es mi preferido!

MIEMBROS DE LA FORMACIÓN CLÁSICA

Jon Lord, teclista y vocalista, nacido en Leicester en 1941.Su padre, músico de jazz, le dejo a Jon tocar en el piano de su abuelo a la temprana edad de cinco años. Estudio piano clásico desde los 9 años. La música clásica y el jazz fueron su primer interés, pero el nacimiento del rock´n roll lo atrajo y para decepción de sus padres, decidió no ingresar al Royal College of music. De 1960 a 1963, se unió a The Don Wilson Quartet, que mas tarde cambió el nombre a Red Bludds Bluesicians. Durante esta época Jon se vería muy influenciado por todos los organistas de jazz Norteamericanos, tales como Jimmy Mc Griff, John Patton, Jack Mc Duff y muy especialmente por Jimmy Smith. Estos intérpretes fueron los que impusieron el uso del órgano Hammond en el jazz.
Jon Lord acepto una oferta de Chris Curtis, para unirse a los Roundabout, el embrión de Deep Purple.
Cuando entro en Deep Purple, Lord transmitió al grupo un auténtico y particular sonido "psicodélico".
Los tres primeros álbums de Deep Purple contienen mucho del virtuosismo de Lord, caracterizado por largos y frenéticos pasajes de órgano Hammond, con superposiciones rítmicas y melódicas de órgano.
Lord se convertiría en uno de los gestores del sonido del órgano Hammond en el ámbito de la música Hard Rock, en parte gracias al álbum "In Rock" de 1970, siendo el pionero en introducir pasajes musicales cercanos al sonido de un órgano de iglesia, poderosos "rugidos", rápidos solos de virtuosismo desbordante, acompañamiento con distorsionados "riffs" y el comienzo de la inmortal relación musical con el mago Ritchie Blackmore, todo dentro del contexto de la monumental música de Deep Purple.

Jon Lord ha sido, junto a Ian Paice, el único miembro de Deep Purple que se ha mantenido durante toda la historia del grupo. Sin embargo, en Agosto del 2001 debe dejar temporalmente el mismo por motivos de salud.
En el 2002 se retira de la banda para continuar con su carrera solista. El último trabajo con Deep Purple fué el álbum Abandon.
Jon Lord dejo definitivamente a Deep Purple, quedando Ian Paice como el único miembro de la banda que se ha mantenido desde sus orígenes.

Ritchie Blackmore nace en Weston-super-Mare en 1945. Es considerado y lo considero como uno de los más grandes guitarristas de la historia. Fue una pieza principal del éxito de muchos de los temas de Deep Purple.

Músico de gran talento, que estuvo influido por la manera de tocar la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix, cuya técnica supo combinar con tonos clásicos en sus solos de guitarra (Bach, Mozart, etc.) debido a la formación de guitarrista clásico que tenía , ya que la carrera de Blackmore empezó en un conservatorio. Más tarde descubriría el rock y crecería como guitarrista. Capaz de jugar con la sencillez para crear grandes riffs inmortales (Smoke on the water) y solos memorables (Highway star). Lo que atraía de el en directo era su capacidad de improvisación en los conciertos.
Apodado "Man in Black" por su raro comportamiento tanto dentro como fuera del escenario, tuvo una gran influencia entre muchos de los guitarristas que vinieron después de él, y no sólo en su popularmente reconocida influencia clásica en el rock.
Eric Clapton le regalo una Fender Stratocaster y desde entonces se aficiono ellas. La Fender Stratocaster le ha acompañado a lo largo de casi toda su trayectoria musical.
En sus actuaciones en directo se le llegó a acusar de tocar muy sucio, pues era frecuente que empezara a golpear la guitarra a media actuación.En el California Jam Festival en abril de 1974, como no había llegado a un acuerdo con la cadena ABC, al final del concierto sorprendió al publico destrozando el equipo Marshall y las diversas Fender Stratocaster de la cadena y provocando un incendio, lo cual provoco su espectacular huída en helicóptero.
Pocos saben que el guitarrista posee una sonrisa capaz de desarmar al más duro y que es una de las personalidades más lúcidas y comprometidas del rock, un hombre que desde el principio eligió no venderse (ni vender su música) a los fabricantes de mentiras.
Con una fuerte personalidad , egocéntrico, de carácter agresivo, hace que la unión del grupo se tambalee en 1974 al marcharse para empezar su carrera en solitario.
Ritchie Blackmore ha dado paso a tres guitarristas en Deep Purple:

-En 1975, Tommy Bolin sustituye a Blackmore tras su ida de Deep Purple.
-En 1993, Ritchie Blackmore, tras nueve años con Deep Purple, deja la banda y Joe Satriani un buen guitarrista, es su sustituto temporal
-En 1994, Steve Morse un excelente guitarrista, ocupa el puesto de Satriani y se mantiene como guitarrista de Deep Purple en la actualidad.

Blackmore ha dado paso a tres guitarristas dentro de Deep Purple y entre esos tres guitarristas hay un punto común: siendo Deep Purple un grupo británico, los sustitutos de Blackmore han sido americanos.

"Dicen que soy una leyenda y no sé si sentirme bien o mal... Por lo general ese término se refiere a personas muertas y me gusta pensar que, a pesar que la prensa no ha dejado de proclamar mi muerte a corto plazo durante los últimos quince años, aún estoy vivo. Al menos yo me siento así."
Blackmore.

Uno de los mejores baterías de la historia!

Ian Paice ,nacido en Nottingham 1948. Empezó tocando el violín a la edad de 15 años, después decidió tocar la batería, y con el tiempo se unió a la orquesta de baile de su padre. "Conseguí comprarme una batería por 32 libras y comencé a acompañar a mi padre por ahí tocando valses y bailes formales. Era un poco soso, pero me sirvió para empezar".
Es el único miembro del grupo que ha permanecido en todas sus formaciones, que esto dice mucho en su favor, sobretodo viendo los cambios que ha tenido el grupo a lo largo de los años. Así que su trabajo principal se ha desarrollado siempre en Deep Purple.Un gran batería que sabe envejecer!
Considerado uno de los baterías más influyentes de la historia, es uno de los pocos zurdos que toca con la batería adaptada.Un batería espectacular, buenísimo.Ian recogió de la generación anterior de baterías una forma de tocar contenida, precisa, un sonido limpio y conciso, pero le añadió la potencia, increíble velocidad y técnica para crear un estilo único y un sonido que recoge las ventajas de ambos estilos.
Fundamentalmente Paice demostraba gran velocidad al tocar, siendo esta su más fuerte arma a la hora de tocar con Deep Purple, la gran sencillez de las baterías que tocaba (un par de platillos y un tom) durante los años 70 demuestra su habilidad al extraer una gran variedad de sonidos con carácter propio.
Lleva más de 30 años como implacable batería de rock. "Tocar para Purple es una tarea muy exigente. Es un grupo muy duro y hay que tocar duro todo el rato. No te puedes relajar."

Indiscutiblemente "La voz del rock duro"

Ian Gillan, nació en Londres el 19 de agosto de 1945,en una familia de ascendencia escocesa.
Es considerado uno de los cantantes de rock más destacados e influyentes de la historia del género, pues poseía en sus inicios un rango de voz muy extenso, en el cual se movía sin aparente esfuerzo, y con mucha precisión en los registros más altos. El tema Child in Time de Deep Purple, y sus famosos duelos voz/guitarra junto a Ritchie Blackmore, son algunas de las muestras más significativas y sorprendentes de ello.Gracias a sus aportes y trascendencia, Gillan es tenido como uno de los principales gestores del estilo de canto del Hard Rock.
Fue miembro de Deep Purple desde 1969 hasta 1973.
Después de dejar Deep Purple, acusando agotamiento y por sus marcadas diferencias personales con el guitarrista Ritchie Blackmore, Gillan formó la Ian Gillan Band.

En 1983 se unió a Black Sabbath para grabar el disco Born Again y hacer la consiguiente gira a principios de 1984. No obstante, ese año Gillan se incorpora a la tan ansiada reunión de Deep Purple en su formación más representativa, el Mark II: Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Jon Lord, Roger Glover e Ian Paice. El disco de la reunión sería Perfect Strangers, considerado como uno de los mejores retornos musicales de la historia del rock.
No obstante, Gillan abandona Deep Purple otra vez en 1989, nuevamente por diferencias irreconciliables con Ritchie Blackmore.
Los miembros de Deep Purple ejercen presión sobre Blackmore, en favor de la vuelta de Gillan en 1992. Así se graba The Battle Rages On, disco en cuya gira Blackmore decide abandonar la banda de manera intempestiva y definitiva (Joe Satriani lo reemplazaría de emergencia para cumplir con las restantes fechas ya pactadas).
Desde entonces, y hasta hoy, Ian Gillan se mantiene al frente de un activo Deep Purple como el vocalista más representativo de la historia de la banda.

Roger Glover, nace el 30 de noviembre de 1945 en Brecones,ciudad de Gales del Sur. Pasa gran parte del tiempo de su infancia y adolescencia en un pub en el que su familia trabajaba, ambiente idóneo que le ofreció la oportunidad de escuchar y aprender de los numerosas grupos que allí actuaban. Bajista, teclista, productor discográfico y compositor.
A la edad de diez años, Glover se mudó con su familia a Londres, ciudad en la que se empezó a interesar por el rock and roll, por lo que comenzó a tocar la guitarra. En el instituto formó su primera banda, que se acabó por fusionar con otra banda llamada Episode Six, el grupo que figuraba el posterior compañero de Glover en Deep Purple, el vocalista Ian Gillan. Ambos dejaron esta banda en 1969 para unirse a Deep Purple.
Durante su estancia en Deep Purple grabó los discos más exitosos de la formación británica, entre los que se encuentran Deep Purple in Rock y Machine Head, antes de ser despedido por el guitarrista Ritchie Blackmore cuatro años después de su llegada.
Tocar el bajo a la sombra de Richie Blackmore puede que deje tu trabajo algo, por no decir muy, eclipsado, pero este gran bajista tiene mucho que decir acerca del sonido de Deep Purple, así como en los años anteriores, de y con Rainbow junto a Richie Blackmore también, siendo uno de los pilares que ayudaron a definir el estilo del rock duro con el álbum In Rock de Deep Purple en el año 1970. Pero la influencia de Roger Glover en Deep Purple fue más allá del bajo, asumiendo las funciones de productor en la banda además de, a lo largo de los años tocar una buena gama de instrumentos.
Roger Glover ha tocado con muchos tipos de bajos distintos desde el Fender Mustang en su comienzos y más propio para estudio que para directo según sus propias apreciaciones, como con Fender Precision. Roger siempre ha marcado un sonido y un estilo propio, nunca se obsesiono con la técnica, y nunca fue un gran virtuoso.
En 1978 se unió a Blackmore en su banda Rainbow, con los que grabó cinco álbumes, y posteriormente trabajó para David Coverdale y Whitesnake.
Desde 1984 pertenece de nuevo a Deep Purple después de su reformación ese mismo año.

"Daba una vuelta por las tiendas de música y veía a un montón de chicos tocando cosas increíbles con el bajo, y pensaba ¡Dios mío yo no puedo hacer nada de eso! Siempre he tenido un poco de complejo sobre mi estilo con el bajo, así que me concentraba más en escribir. Siempre me consideré un compositor. Aunque puedo hacer bien mi trabajo tocando el bajo, nunca he querido destacar como intérprete, nunca he tenido la disciplina necesaria para concentrarme en tocar sólo el bajo".
Roger Glover

En la actualidad Roger Glover sigue siendo bajista de Deep Purple, junto con Ian Gillan a la voz y armónica, Steve Morse a la guitarra, Don Airey al teclado y Ian Paice en la batería. Un bajista veterano y de los imprescindibles para comprender la historia del rock duro.

Deep Purple acaba de anunciar su calendario de gira para el verano de 2008.

CURIOSIDAD

A finales de la década de los 70, Rainbow y Whitesnake incluían en sus filas un Deep Purple al completo. En Rainbow se encontraba el guitarrista, Ritchie Blackmore, y el bajista, Roger Glover. En Whitesnake estaban el vocalista, David Coverdale, el teclista Jon Lord, y el batería, Ian Paice.