DEDICADO A TODOS MIS AMIGOS DEL BLOG!!!

QUE TENGAN UNAS FELICES FIESTAS DE NAVIDAD Y MIS MEJORES DESEOS PARA EL PROXIMO AÑO!

Mi regalo son estos temas, espero que os gusten!!!

Para mis amigos más rockeros, os dedico un tema de sus satánicas majestades The Rolling Stones!



Para los más nostálgicos, la música, la magia y la maravillosa voz de Loreena Mckennitt!



Para los amantes del rock sinfónico-progresivo, no puede faltar Yes, con este extraordinario tema!



y este otro espectacular tema, de Genesis con Peter Gabriel!!!!



A los apasionados del jazz fusión les invito a escuchar, un tema de Pat Metheny y otro de Billy Cobham.

Pat Metheny, el encanto del mejor guitarrista de jazz fusión!


Billy Cobham, el ingenio de un buen batería!


Para los más bluseros, espero disfruten con dos de los grandes: John Mayall y John Lee Hooker.

John Mayall, el padre del blues blanco!


John Lee Hooker, una leyenda del blues!


Y como broche final con todo mi cariño, un tema más navideño!!!



Un abrazo a todos!!!!

QUE SIEMPRE OS ACOMPAÑE LA BUENA MUSICA!

JANIS JOPLIN: La voz blanca del blues y soul, con un estilo absolutamente inimitable….LA MEJOR

1969 A Woman Left Lonely...uno de mis temas preferidos!!!! Genial!!! Cantante excepcional, con un estilo propio, un tono de voz espectacular para el blues y el soul, y que dejó un legado impresionante para las cantantes que vinieron después. Su energía y entrega en el escenario, eran fruto de la dura experiencia de tocar en todo tipo de locales. Espectacular tema!!!! Admiradora de Woody Guthrie (músico de folk estadounidense), y Bessi Smith, (gran voz femenina de blues y primera cantante de color que grabo un disco de soul). Tres grandes festivales marcaron la trayectoria de Janis Joplin, el primero en el parque Golden Gate de San Francisco, el segundo el 16 de Junio de 1.967, que fue el de su consagración, en Monterrey (México), y en 1969 una gran Janis Joplin, triunfó en el festival de Woodstock. Janis Joplin nació en 1943, el mismo año que : Lou Reed, George Benson, Mick Jagger, Keith Richards , Jim Morrison.... y murió a los 27 años, edad en la que también fallecieron, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Robert Johnson, Brian Jones.... Su pueblo, Port Arthur, un pequeño pueblo industrial cerca de la frontera con Lousiana ( al sur del estado de Texas). Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto. Los padres de Janis hubieran querido que fuera maestra. De niña ya mostraba instintos artísticos y cierta rebeldía, se dice que era tímida e introvertida. Su amor por la música empezó a los 16 años, al oír música negra. Janis Jolpin nunca fue muy popular entre sus compañeros del colegio, y además se ganó una reputación de marimacho. En el instituto, se unió a un grupo de jóvenes que iban en contra del racismo, y sus compañeros de clase, la acusaban de ser "amiga de los negros". En aquella época y más en los estados sureños, estaba muy mal visto... ( bueno hoy en día sigue el racismo en el mundo, y en especial en U.S.A). Después del instituto, ingresó en un colegio estatal en Texas, donde pasó un año, para luego matricularse en la Universidad de Texas, en Austin, donde conoció al grupo llamado "Waller Creek Boys", que tocaban una mezcla de Blues y Rock. Empezó a cantar a los 17 años y grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes. En la universidad, decían de ella, que era "el hombre más feo del campus", quizas en aquella época si, pero en su madurez, la ví una mujer muy atractiva!! En 1963, Janis Joplin se fue con su amiga Chet Helms en auto-stop a San Francisco, que a principios de los 60 era la cuna de la música, de la creatividad y estaba lleno de locales de música en vivo. A Janis Joplin le encantó la ciudad y decidió quedarse. Empezó cantando por los bares y tomando speed para soportar el agotamiento que le producía esta actividad, pero pronto se convirtió en una adicta a las anfetaminas, y al alcohol, y sus amigos, asustados por su estado, (llego a pesar 35 kilos) decidieron llevarla a su pueblo natal para que se rehabilitase. Después de pasar algún tiempo en Porth Arthur, Janis Joplin regresó a San Francisco en 1966, con su amiga Chet Helms, que trabajaba como promotora de conciertos. Su amiga pensó que ella sería la perfecta vocalista para el psicodélico grupo "Big Brother and The Holding Company"...formado por: Sam Andrew, James Gurley, Peter Albin y David Gatz, desde entonces, el grupo se haría muy popular en la escena local de San Francisco. Golden Gate Park, Octubre de 1966 Big Brother 1967 Janis Joplin en 1967, actuó con su grupo en el legendario Festival de Monterey , de tres días de duración, compartiendo escenario con figuras de la talla de: J. Hendrix, The Who, The Byrds, Canned Heat, The Mamas and the Papas, Simon & Garfunkel, Otis Redding. etc....Su imponente voz y su fuerte presencia en el escenario, marcó sus diferencias con el grupo. Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Janis Joplin ,Festival de Monterey, 1967 Grabaron el álbum Big Brother & the Holding Company Featuring Janis Joplin (1967)… El disco tiene aires psicodélicos y cantos al amor influenciados por el aura hippie de la costa oeste americana. Canciones como "Caterpillar", "Women is losers", "Blindman" o "Intruder" así lo demuestran. Con "All is loneliness" nos introducimos en un mundo negro con un aura psicodélica tremenda, pero compensadísimo con clásicos como "Call on me", "Down on me" y "Bye, bye baby", que reflejan la influencia del blues de Janis Joplin y aportan una carga más emocional al conjunto de la grabación. Janis Joplin and Big Brother - Down On Me El segundo álbum del grupo, "Cheap Thrills" con toques de blues, tuvo una enorme repercusión y buenas críticas, cada vez más centradas en Janis Joplin, que en el grupo, lo que reforzó su autoestima y pronto eclipsaría al grupo con su majestuosa voz. Durante la gira, empezó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: "nada que se siente tan bien puede ser malo". "Sólo quiero algo de paz". En esa época y en plena fama Janis Joplin, aumentó su adicción a las drogas sobretodo la heroína, y el alcohol. Es una lastima, pero una marca de whisky se hizo famosa gracias a ella. Su protagonismo y su carácter inestable, hizo imposible continuar con el grupo, así que Janis Joplin lo dejo en 1968. Hicieron gira de despedida dónde tocaron temas como Piece of my Heart, un auténtico clásico. Piece of my heart..excelente tema!!!!

El 16 de agosto de 1969, actuó con enorme éxito en el legendario festival de Woodstock (Bethel, Nueva York), nuevamente con Jimi Hendrix, además de con: Credence C.R, Santana, Joe Cocker, etc....gracias a su excelente vocalización, y a su magnífica voz, ella fue una de las más aclamadas por el publico, lo que aumento su fama. En el documental de la película, que ganó un oscar en 1.970, Janis Joplin no aparece, puesto que el primer montaje del director Michael Waldeleigh duraba 7 horas, y tuvo que ser recortado. Janis Joplin - Work Me Lord (Woodstock 1969)Gran tema!!!! Me and Bobby McGee...Uno de mis preferidos!!! que escuche de muy jovencita, que me trae muy buenos recuerdos, este impresionante tema lo canté muchisimas veces, pero con mi desastrosa voz...mi gran ilusión de pequeña era cantar...intentaba imitar a Janis Joplin, en la voz!!! y este tema me traía de cabeza...

Me and Bobby McGee...Sin palabras!!! Después de Woodstock Janis Joplin cambió de grupo, se unió a The Kozmic Blues Band, grupo que incorporo en el sonido muchos instrumentos de viento, además de coros, con un aire a música Goospel, por lo visto, no tuvieron buena crítica y eso hizo que se refugiara más en el alcohol y la heroína. The Kozmic Blues Band The Kozmic Blues Band, estaba formado por: Sam Andrew, guitarrista, que continuó con ella cuando dejo la Big Brother & the Holding Company, y el resto del grupo lo formaron: Bill King, organista, el bajista Brad Campbell, Ron Markovitz, batería, el trompetista Marcus Doubleday y Terry Clementes, saxo. El grupo, no tuvo nunca el sonido duro y agresivo del anterior grupo. El primer álbum con The Kozmic Blues Band, fue en 1969, I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!, que no terminó de convencer a Janis Joplin, además el disco, se consideró un bajón en la carrera de Joplin. Su fama de rebelde y ebria, crecía en cada concierto. Los conciertos en directo eran un desastre. Ball And Chain....tema genial!!! Un mes después de la publicación del disco, Sam Andrew, que siempre había estado con ella, dejó el grupo, esto marcó la separación definitiva de la formación. En las entrevistas, terminaba hablando de su vida privada, de sus sentimientos. Decía que: "hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época. Quiso volver al hogar de sus padres, esperando ser recibida como una gran estrella de rock consagrada, pero el recibimiento no pudo ser peor, sus padres aprovecharon para marcharse, rechazando lo que representaba su hija, y la gente del pueblo de Port Arthur, tampoco mostró alegría por su llegada. Esto la sumió todavía más en el pozo. En una ocasión su madre le diría "ojalá no hubieras nacido". Cry Baby...maravilloso tema!!!! En septiembre de 1970, se fue a Los Ángeles y grabo "Pearl" con su nuevo grupo. El 4 de octubre de 1970 después de asistir a la grabación, y después de una noche como tantas otras, en las que no faltaba el alcohol y la heroína, la encontraron muerta en su habitación por sobredosis de heroína. Tan solo tenía 27 años, con una gran carrera por delante, una gran perdida...una lastima, porque hubiera podido tener otro futuro, pero este fue su destino...una vida muy intensa, que no pudo controlar..... Janis Joplin ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas más tarde... Se dice, que las jeringas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte, por lo cual, se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix, Jim Morrison... El último disco que estaba grabando, Pearl fue editado seis semanas después de su muerte y fue todo un éxito. El disco cuenta con colaboraciones de Kris Kristofferson y de Bobby McGee, además de una renovada The Kozmic Blues Band. Como homenaje, se dejó el tema "Mercedes Benz" a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó...asimismo, se incluyó la canción "Buried Alive in the Blues" sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla. Move over...buenísimo tema!!! Janis Joplin quiso ser incinerada y que sus cenizas fueran tiradas a lo largo de la costa de Marin County, California. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música. Trust Me...entrañable tema!!!! A destacar el hecho que una artista con una carrera tan corta, haya tenido la influencia que todavía tiene hoy en día la gran Janis Joplin! Get it while you can....espectacular!!! Una serie de coincidencias han conducido a calificar a las muertes de Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison una especie de "maldición del Rock": Janis, Jimi y Jim tenían la misma edad (27 años) al momento de sus muertes. Todos murieron de sobredosis de droga. Sus nombres empiezan con "J". Los tres murieron entre 1970 y 1971, habiendo solo un mes de diferencia entre la muerte de Jimi Hendrix que murió el 18 de septiembre de 1970, y 8 entre ella y Jim Morrison. Los tres se han convertido en iconos culturales de los 60, triunfando, y muriendo al acabar esta década. Pinceladas de la vida de Janis...al final hay una preciosas y entrañables fotografias de ella...con su gran voz desgarradora!!!!! HASTA SIEMPRE JANIS JOPLIN!!!!! ESTARÁS CANTANDO EN EL CIELO!!!!

MARCUS MILLER: CUANDO EL BAJO SE HIZO VOZ.....

Músico polifacético, compositor y productor de jazz. En sus principios trabajó con músicos como el grandísimo Miles Davis y David Sanborn entre otros.

Marcus Miller se destaca por ser un extraordinario bajista de jazz fusión, pero toca desde el clarinete bajo, el teclado, la guitarra, el saxo tenor, incluso el vibráfono.
Es un gran productor, además de un gran arreglista y un notable compositor. En definitiva, es un artista muy completo, que no deja de sorprendernos por sus imparables ganas de innovar y explorar nuevos terrenos.

El bajo de Marcus Miller parece, viendo estas imagenes, que sea una prolongación de su cuerpo!!



Tortosa, 2006

Marcus Miller, nace en Brooklyn (New York) en 1959. Se educó en el seno de una familia musical, su padre era organista en la iglesia y director del coro, lo cual le influenció mucho desde muy joven. A los 13 años tocaba con habilidad el clarinete, el piano y el bajo, y empezaba a componer música. Dos años después trabajaba en clubes neoyorquinos en varios grupos.

De bien joven fue reclamado como músico de estudio, colaborando con Joe Sample, McCoy Tyner, Bill Withers, Elton John, Bryan Ferri, Aretha Franklin, Bob James, entre otros...

En 1981 estuvo dos años de gira con el grandísimo Miles Davis, su gran ídolo desde la infancia.

Tras su colaboración con Miles Davis, se interesó por la producción discográfica, siendo su primera gran producción el álbum "Voyeur" para David Sanborn, artista al que produjo varios trabajos, incluyendo Winner.

Otros álbumes de gran éxito son: "Close Up" (1988), "Upfront" (1992) y "Inside" (1999), etc...

Marcus alternaba la producción discográfica con las actuaciones en directo con diferentes artistas y con "The Jamaica Boys" banda de R&B que co-lideró un par de años, grabando dos discos con ellos.

En 1986, Marcus Miller, volvió a colaborar con Miles Davis, produciéndole el extraordinario álbum "Tutu", uno de los discos más emblemáticos de la etapa eléctrica de Miles Davis.

Miles Davis, siempre se ha sabido rodear de los mejores músicos jovenes que iban surgiendo en el panorama jazzístico. Como era de suponer, Marcus Miller no tardó en ser llamado por el gran maestro!!!


Tras muchos años de trabajar como productor y músico de sesión, en 1983 publicó su primer álbum, Suddenly.



De sus álbumes, destacaría "The Sun Don’t Lie" (1993), con buenos temas como Mr. Pastorious, tema dedicado a otro extraordinario bajista, Jaco Pastorious, por desgracia, tristemente fallecido, en trágicas circunstancias.

Teen town...un tema del gran Jaco Pastorious, reinventado por Marcus Miller!


En 1994 editó el álbum “Tales”, un buen álbum!
En 1998 publicó el buenísimo álbum en directo "Live And More" un concierto extraordinario. En 2001, publico el álbum "M2". En el 2003 publicó un magnífico álbum en directo...”The Ozell Tapes: The Official Bootleg”...muy recomendable!



En los últimos años, el atractivo Marcus Miller, se ha dedicado a componer bandas sonoras para varias películas.

Alucinante!!!


Marcus Miller, continua en la actualidad con su música y con los sorprendentes sonidos de su bajo eléctrico.


Si algo caracteriza la música de Marcus Miller, es su constante investigación y fusión con los nuevos sonidos, que han ido apareciendo en la escena musical afroamericana.

En 2007 presentó el genial álbum "Thunder" con dos bajistas: Victor Wooten y el genial Stanley Clarke.

Marcus Miller....con Stanley Clarke, y Victor Wooten...tocando un buenísimo tema de Stanley Clarke...

Tres geniales bajistas tocando juntos!! Alucinante!!

Los tres iniciaron en 2008 una gira que empezó en U.S.A y terminó el 31 de octubre en Almería (España).

A Marcus Miller lo he visto en directo varias veces, en distintos años, y tengo que decir, que es una persona accesible, sociable y simpático...da gusto verlo en directo, y siempre acompañado de buenísimos músicos...
No se pierdan la oprtunidad de verlo en directo!!!!

KING CRIMSON: La corte del Rey Carmesí

Uno de los grupos que ha perdurado sin perder el prestigio ni el profesionalismo y la máxima expresión de longevidad, frescura y maestría en la escena del rock progresivo de los últimos 40 años.

Con una discografía digna de pasar a la historia como una de las más compactas, firmes y a la vez original. Dirigidos siempre por el gran maestro Robert Fripp, personaje excéntrico donde lo haya, inestable y con mal carácter. Personaje que entre otras más cosas, prohíbe al público que tiremos fotografías, gritar, estordunar jeje...Me indignó mucho verlo tocar de espaldas, conclusión: es un introvertido del carajo lleno de complejos y rarezas, o pasa de la gente y va a su bola, realmente prefiero pensar que tiene una timidez patológica, a que pase del público. Bueno eso de tocar de espaldas también lo hacia el grandioso Miles Davis, cuando fue muy famoso.


Robert Fripp, aprendió a tocar la guitarra a los 11 años de edad. Después participó en varios grupos desde los 14 años, y se convirtió a finales de los sesenta, en uno de los fundadores del movimiento progresivo junto a King Crimson.

La historia de King Crimson se ha caracterizado por los constantes cambios de integrantes, Robert Fripp es el único factor común, de todos los discos y todas las formaciones del grupo, aunque él no se considera a sí mismo como líder.

Sería prácticamente interminable nombrar a todos y cada uno de los músicos que han pasado por la corte del Rey Carmesi, así como, comentar su extensa discografía.

Por lo que hacer esta entrada, ha sido para mi una tarea compleja y muy laboriosa. No voy a comentar sus discos en directo (son muchos), solo los de estudio.

El nombre King Crimson (Rey Carmesí) fue idea del letrista Peter Sinfield como un sinónimo de Belcebú, príncipe de los demonios.
Según Fripp, Belcebú es un anglicismo de la frase árabe B'il Sabab, la cual significa “hombre que ambiciona”.

King Crimson, es un grupo inglés, que se formó en Noviembre de 1968 por Robert Fripp y Michael Giles, después que disolvieran su primer intento de grupo llamado Giles, Giles and Fripp, el cual habían tenido con el hermano de Michael, Peter Giles.

Michael Giles (batería) y Robert Fripp (guitarra), para su nueva agrupación contaron con Greg Lake, quien haría de bajista y cantante, el letrista Peter Sinfield y el compositor Ian McDonald, así quedaría formado al principio King Crimson.



En 1969, el grupo debutó de teloneros de los Rolling Stones en un concierto en el Hyde Park.

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING (1969)

En este mismo año, grabó su primer disco, In the Court of the Crimson King, una obra maestra...una joya y uno de los mejores discos de rock progresivo. Sin lugar a dudas, uno de sus mejores discos!!!

I talk to the Wind...Entrañable tema!!


Un álbum impresionante, extraordinario, genial!!!
A destacar todos los temas: "21st. Century Schizoid Man",un bellísimo tema con mezclas de hard-rock con el jazz, cuyo famoso riff fue idea de Greg Lake, "I talk to the Wind" más melódico, el espectacular tema "Epitaph", para mi una de las mejores canciones de King Crimson (junto con Starless),la gran suite "In the Court of the Crimson King", de 9 minutos largos...bellísima...sin palabras!..."Moonchild" dura más de 12 minutos,la base de la canción se deja escuchar en los primeros 4 minutos,todo lo que viene detrás es invención musical de Fripp, algo que seguirá haciendo a lo largo de su larga carrera.

Epitaph...CONMOVEDORA CANCIÓN!!!!!


In the Court of the Crimson King...SOBRAN LAS PALABRAS!! TEMA IMPRESIONANTE!!!ESPECTACULAR!!!


A finales de año surgieron tensiones y diferencias creativas, que desembocaron en la salida de Michael Giles e Ian McDonald del grupo, y al año siguiente grabaron un álbum con el nombre de McDonald and Giles.

King Crimson en los setenta

Robert Fripp con Greg Lake y Peter Sinfield, continuaron King Crimson momentáneamente como trío, y en 1970 grabaron su segundo disco, In the Wake of Poseidon, en el cual se incorporó al grupo Mel Collins (músico que ha colaborado en multitud de grupos), y también participó el anterior socio de Fripp, Peter Giles.

IN THE WAKE OF POSEIDON (1970)

Es un buen álbum. A destacar temas como In The Wake Of Poseidon, la maravillosa "Cadence and Cascade", el genial "The Devil's Triangle"...."Cad Food" y "Pictures of a City" los dos temas son más jazzisticos y también muy buenos.

In The Wake Of Poseidon...Magnífico tema!!


Devil's Triangle part 2....Peace- An End


LIZARD (1970)

Greg Lake abandonó la agrupación en abril, para formar con Keith Emerson y Carl Palmer el buenísimo grupo de Rock Progresivo, Emerson, Lake & Palmer, dejando a King Crimson sin vocalista hasta que Gordon Haskell ocupó ese lugar y también el de bajista para Lizard, el tercer álbum del grupo.
Haskell ya había grabado con King Crimson en In the Wake of Poseidon, en la canción Cadence and Cascade.
Andy McCulloch tocó la batería en el álbum, además de la participación de Jon Anderson en una de las canciones.
Haskell y McCulloch abandonaron el grupo poco antes del lanzamiento de Lizard, dejando a King Crimson sin vocalista, bajista y sin un batería.

Lizard, es un buenísimo álbum. Al principio de escucharlo, recuerdo que me pareció un disco raro, (a diferencia de otros discos del grupo, que me gustaron enseguida), pero después, poco a poco, me fue cautivando. Pienso que Lizard es una obra distinta, es un buen disco, aunque los criticos lo menosprecien como una obra "menor".
A destacar temas como: Lizard, Cirkus, Lady of the dancing Water...

Hermoso tema! En la suite Lizard canta Jon Anderson...en Prince Rupert Awakes...


Lady of the dancing Water..otro precioso tema!


Fripp empezó a escuchar a nuevos músicos para suplir las bajas del grupo. El batería Ian Wallace y el vocalista Boz Burrell, fueron los seleccionados y como ningún bajista convenció a Fripp, decidió simplemente enseñar a Burrell a tocar el bajo.

ISLANDS (1971)

En 1971 salió el cuarto álbum del grupo, Islands. Un disco muy místico, un maravilloso álbum. Con Canciones mezca entre rock, música clásica y jazz. Con temas como, "Formentera Lady" con un buen trabajo de Mel Collins en el saxo, "Sailor's tale" tema de jazz, el tema instrumental "Prelude: Song of the gulls"
y el hermoso tema "Islands".

Islands...muy buen tema!


Prelude: Song of the gulls...hermoso y maravilloso tema!


Después de la gira de "Islands", cada uno de los miembros dejó King Crimson para formar otras bandas, dejando a Fripp solo, quien tiene que volver a buscar nuevos músicos, ya que King Crimson hubiera podido desaparecer.

El primer elegido fue el percusionista-improvisador Jamie Muir, quien desde antes ya había sido considerado por Fripp como un posible miembro del grupo.
El siguiente fue el vocalista y bajista John Wetton, a quien Fripp conocía desde sus tiempos colegiales. El batería de Yes, Bill Bruford fue el siguiente elegido, una decisión que fue criticada por mucha gente, pues Bruford abandonó Yes por King Crimson, grupo que ya tenía un historial de mucha inestabilidad y había resultado muy impredecible. Bruford mismo reveló que estaba más interesado en los fines
artísticos y que por ello había ingresado en King Crimson.
Por último, David Cross fue seleccionado como ejecutante de viola, violín y teclado para reinventar el sonido de la nueva agrupación. Así que King Crimson empezaba de nuevo.

LARKS' TONGUES IN ASPIC (1973)



En 1973 salió su nuevo álbum, Lark’s Tongues in Aspic. En este álbum la guitarra de Fripp se muestra más agresiva, Bruford demuestra aquí todo su potencial como batería, y el bajo de Wetton se oye con más fuerza. Nuevos miembros y nuevo sonido!!

Es un disco excelente, una joya, buenísimo, menos sinfónico y más rockero!...
A destacar: Easy Money, Talking Drum, Lark`s Tongues in aspic Pt1 y Pt2 y obviamente Book of Saturday...

Lark`s Tongues in aspic Part two...tema extraordinario!!! Sobran las palabras!!!


Talking Drum....


Jamie Muir dejó al grupo a principios de 1973.

STARLESS AND BIBLE BLACK (1974)

En 1974 salió el álbum Starless and Bible Black...La mayor parte de este disco fue grabado en conciertos durante 1973, con sólo dos temas grabados en estudio: The Great Deceiver y Lament, otro fue sólo parcialmente grabado en estudio, el hermoso tema The Night Watch, lo cual demostró que King Crimson era esencialmente un grupo para tocar en vivo. Starless and Bible Black, es un tema genial, y Fracture, un tremendo tema de 11 minutos, donde todos los miembros, especialmente Bruford y Fripp, hacen toda una exhibicion de su poder instrumental.

The Great Deceiver...buenísimo tema!!


Fripp siempre consideró adecuado capturar la atmósfera y la energía de las presentaciones en vivo y por ello grabó las canciones en los conciertos.

RED (1974)

En 1974 salió el extraordinario disco Red. Antes de la edición de este álbum,
el violinista David Cross dejó el grupo, aunque aparece en "Providence" y en "Starless".
El álbum, incluye la participación de Robin Miller, quien ya había grabado con el grupo, con el oboe, así como la colaboración de Marc Charig en la corneta, y de algunos músicos más.

En este disco, el grupo se convierte en un trio. Robert Fripp, guitarra y melotrón,
John Wetton, bajo y voz y Bill Bruford, batería y percusión.

Red...impresionante tema! Genial!!!


Para mi Red, es una obra maestra, junto con el insuperable álbum, In the Court of the Crimson King, estos dos vinilos son sin dudarlo, para mi, los mejores álbumes de King Crimson...y después vendría Lark’s Tongues in Aspic...y los demás discos de los setenta!!!

Red posee extraordinarios temas, todos los temas del álbum son muy buenos!!
Mi tema preferido: Starless, que es una bellísima canción de 12 minutos, con ese maravilloso inicio suave, la parte central con un Fripp espectacular y el apoteósico final. Genial, One More Red Nightmare, Red, un buenísimo tema instrumental,Fallen Angel, precioso y Providence, muy bueno...

Starless...una joya....una maravilla de canción!!! Sin palabras!!! Conmovedora!!!


Después de Red empezó un periodo de ensayos, pero Fripp ya había tomado su decisión y se lo comunicó a Bill Bruford y John Wetton, para gran sorpresa de estos Fripp había decidido ir a la escuela de J.G. Bennett, la Academia Internacional para la Educación Continua, esta decisión le apartaría durante tres años del mundo de la música. El 28 de septiembre de 1974 esto se hizo público: King Crimson había dejado de existir.

Tras la disolución del grupo se publicaron algunos discos como USA, recopilación de temas grabados en la última gira americana o The Young Persons Guide to King Crimson, primer álbum doble y antología del grupo.

One More Red Nightmare...grandísimo tema!!


Red fue el último álbum de King Crimson hasta 1981, año que King Crimson volvió pero con otros músicos y con otro estilo.

En total son 7 álbumes clásicos de King Crimson, todos imprescindibles. Personalmente prefiero la época de los setenta, pero también me gustan bastantes discos de sus años posteriores.

King Crimson en los ochenta

En 1981 King Crimson se volvió a unir. Fripp y Bill Bruford formaron un nuevo grupo, con el guitarrista y vocalista Adrian Belew y el bajista Tony Levin. Al principio se hacian llamar "Discipline", pero al final decidieron mantener el nombre de King Crimson. La incorporación de una segunda guitarra y la del entonces novedoso instrumento llamado Chapman Stick, hicieron que el nuevo sonido de King Crimson fuera totalmente diferente al de cualquiera de sus anteriores discos. Esta nueva formación fue bastante estable comparada con las anteriores. Editaron tres discos sin ningún cambio de integrantes: "Discipline" (1981), "Beat" (1982) y "Three Of A perfect Pair" (1984). Pero a pesar de todo, se volvieron a separar en 1984.

DISCIPLINE (1981)

Discipline, desorientó totalmente a los fans del grupo, ya que esperaban el mismo estilo de los 70, y era distinto. King Crimson se renovó y como siempre, se adelantó a su época. Buenísimo disco!
A destacar temas como: Elephant talk, que rompe esquemas, The Sheltering Sky, Thela Hun Gingeet, más melodicos son Frame by Frame y Matte Kudasai, y el fantástico Indiscipline y Discipline. Es un buenísimo álbum!!

Elephant talk...como dije, rompe esquemas, buenísimo tema!


Indiscipline...muy buen tema!!


Thela Hun Ginjeet...buen tema!


BEAT (1982)

King Crimson continuo explorando sonidos y Fripp se inventa aqui un nuevo instrumento, al que le llama algo como Frippertronics, que francamente no se muy bien que es. Puede que este, sea uno de los discos más comerciales de King Crimson.
A destacar, temas como: Neal and Jack and me y el tema instrumental Sartori in Tangier.

Sartori In Tangier...


THREE OF A PERFECT PAIR (1984)

Último álbum de la etapa de los ochenta de King Crimson.

A destacar, temas como: Lark’s Tongues in Aspic part III, el hermoso tema instrumental Nuages, Sleepless, Three of a Perfect Pair...



Buen tema!


Después de Three of a Perfect Pair, King Crimson volvió a separarse durante diez años. Fripp se enfrascó en una serie de pleitos legales por los derechos de todo lo relacionado con el grupo.

King Crimson en los noventa

En 1994 King Crimson volvió a unirse, esta vez como sexteto, y con dos nuevos miembros más, el stickista Trey Gunn y el batería Pat Mastelotto. El grupo queda formado por: Fripp y Belew en las guitarras, Levin en el bajo, Trey Gunn stick y voces, Bruford y Pat Mastelotto en la batería. És el llamado doble trío por el mismo Fripp, ya que tenemos a dos guitarristas, dos bajistas y dos baterías.



Esta nueva formación de King Crimson, tuvo una propuesta y un nivel de experimentación completamente distintos al de todas sus épocas anteriores, lo cual los llevó nuevamente a separarse, aunque seguirían estando parcialmente unidos gracias a los proyectos paralelos a King Crimson, donde algunos miembros del "Doble Trío" se reúnen en alguna actuación en directo, en las que realizan principalmente improvisaciones.

Esta formación de doble trío realizó unos cuantos discos en la década de los noventa: EP VROOOM (1994), THRAK (1995) y THRaKaTTaK (1996).

A partir de los noventa, solo conozco los discos Thrak y The Power to Believe...y algunos de sus álbumes en directo. Me quedan por conocer tres álbumes de estudio de King Crimson: VROOOM (1994), The ConstruKction of Light (2000) y Happy With What You Have To Be Happy With (2002), obviamente no voy a comentarlos puesto que no los he escuchado.

THRAK (1995)

Hay temas instrumentales de buen nivel, aunque no muy originales. Los temas vocales son bastante melódicos y buenos. Walking on Air es un precioso tema semi-acustico. En general el álbum es algo irregular, pero está bien.

B'Boom...Increíble tema! Bill Bruford está magistral!!!


King Crimson a partir del año 2000

En el 2000, King Crimson vuelve a reunirse oficialmente, esta vez con casi la misma formación anterior, excepto Bill Bruford y Tony Levin, que dejaron el grupo. Quedaron nuevamente como cuarteto: Belew, Fripp, Gunn y Mastelotto.
Se editan los discos: "The ConstruKction Of Light" (2000), el EP "Happy With What You Have to Be Happy With" (2002) y "The Power To Believe".



THE POWER TO BELIEVE (2003)

Es un buen disco, pero evidentemente no tiene la magia, ni el encanto de los discos de King Crimson en los setenta. És el último álbum de estudio hasta el momento de King Crimson.

El Rey Carmesí nos muestra que, aunque ya lleva años, décadas de reinado, sigue con fuerza y sigue renovándose.

Buenísimos temas!!

Una maravilla!!


Después de este disco, el grupo volvió a separarse.



Hace poco se anunció oficialmente que King Crimson volvería a unirse en 2008.
Con Fripp, Belew, Levin, Mastelotto y con la incorporación de Gavin Harrison (miembro de Porcupine Tree) como segunda batería.

ImproVattaKc me ha comentado lo siguiente, es importante anotarlo aquí para quienes lo lean:
KC ya se volvio a reunir, de hecho estan de gira por los Estados Unidos y ya esta disponible en DGM uno de sus conciertos, muy recomendable por cierto.

Pendiente comentar los discos en directo de King Crimson...

LOU REED: EL POETA DEL ROCK

Lou Reed es de los personajes interesantes en la historia del rock, por ser un poeta sin prejuicios, que además creía fervientemente que el rock se podía manipular y convertirse en la forma de expresión mas densa y sincera.

Cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock independiente, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario.

En su época en The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música, como: Heroin, Rock and Roll y Sweet Jane.

Rock and Roll....Excelente tema!!


Lou Reed nació en Nueva York, el 2 de marzo de 1942 . Miembro de una familia judía de clase media de Brooklyn. Su padre era un destacado gestor administrativo.
A los ocho años inició estudios de piano y poco después se trasladó junto con sus padres y su hermana a Freeport, Long Island, donde empezó a tocar también la guitarra.

A los 14 años grabó su primer disco, "So blue", con el grupo The Shades.

Por esta época, y dado su carácter difícil, sus padres decidieron enviarle al psiquiatra, que le prescribió una serie de tratamientos, entre ellos sesiones de electroshock.

A principios de los años sesenta ingresó en la universidad de Syracuse, donde estudió filología y acudió a las tertulias literarias con Delmore Schwartz. También allí conoció a Sterling Morrison.

En 1965 conoció al cantante galés John Cale y ambos fundaron el grupo musical "The Warlocks", llamado después "The Falling Spikes".

Más tarde se trasladó a Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones y fundó junto con John Cale el grupo The Velvet Underground. Lou Reed estaba como guitarrista, vocalista y letrista. El grupo estaba liderado por Lou Reed y John Cale, pero Cale, fue la sombra de Reed en The Velvet. El grupo estaba formado también por Sterling Morrison y Maureen Tucker.

The Velvet Underground fue uno de los grupos más influyentes en la cultura underground, pero el grupo se disolvió en 1970.
Después de dejar The Velvet Underground, Lou Reed trabajó en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, durante un año.

De sus discos como solista, a destacar: Transformer, 1972, con grandes temas como: Vicious, Perfect Day , Walk on the Wild Side ,Satellite of Love etc.. y Rock'n Roll Animal, 1974, con temas como: Intro/Sweet Jane, Heroin, Rock & Roll, etc..
Dos discos imprescindibles, que forman parte de la historia de la música.

Ante este tema...sobran las palabras!!!

Lou Reed, en este tema resumia todo el decadente paisaje New Yorquino..

Lou Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela Americana" en un disco.

En 1972, Lou Reed inició su carrera en solitario, y grabó su primer álbum Lou Reed, en Inglaterra, con la colaboración de músicos de Yes: Rick Wakeman y Steve Howe.
En este mismo año, salió Transformer, un álbum producido por David Bowie. El tema "Perfect Day" es una elegía a la adicción de Lou Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting.

Sweet Jane...mi tema preferido!!

Heroin..otro buen tema!!

En 1973, salió Berlín, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says (violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song (canción triste).

En el material que escogía, Lou Reed seguía y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet.

Caroline says....magnífico tema!!


El àlbum Sally Can't Dance salió en 1974, y en 1975, editó el doble álbum Metal Machine Music.

La personalidad de Lou Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro, incluso en la época hippie. En la década de los setenta se convirtió en "el abuelo de los punkies", y fue llamado "el ángel malo" de las calles de Nueva York.

Satellite Of Love...buenísimo tema!!


Sus discos de finales de los 70, Coney Island Baby, 1976, Rock 'n' Roll Heart, 1976, Street Hassle, 1978, y The Bells, 1979, son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte, a las adicciones de Reed en aquellos años.

Al principio de los años 80, Lou Reed dejó las drogas y cambió, tanto en su trabajo como en su vida privada, se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron).

En 1982, salió el álbum The Blue Mask. En 1989 con el álbum New York, denunció los problemas políticos de su ciudad, contra el crimen, los caros alquileres. Denunció a Jesse Jackson, a Juan Pablo II y a Kurt Waldheim.

Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación quirúrgica rutinaria, Lou Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de la Velvet John Cale, en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.

Vicious...Buen tema!!


En 1992, continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss , un disco sobre la mortalidad.

En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de "Perfect Day" para un especial de la BBC en favor de los niños.

Dirty Boulevard...buen tema!


En 2001, Lou Reed fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína.
En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe.
En 2004, se publicó una remezcla de su canción "Satellite of Love".

Durante más de 30 años, Lou Reed ha escrito la historia de América en sus discos, donde lo personal y lo político se combinan para crear el mito.



Ahora Lou Reed quiere quitarse la etiqueta de hombre oscuro, estos dias ha estado en Barcelona (recitando a poetas catalanes), y aseguró que empieza a “estar cansado de que se me tilde de oscuro”, y dijo considerarse firme votante demócrata.
“Obama. Obama, Obama, Obama. Votaré por Obama. Si no gana, me trasladaré a Barcelona”. Como días atrás hizo el escritor Paul Auster, Lou Reed mostró sin reparos su apoyo al candidato demócrata.

ANTONIO MACHADO: La poesía debe hablar con el corazón.

Joan Manel Serrat canta a Machado! Precioso video!

A la memoria de un gran poeta, dramaturgo y filósofo! Última fotografía de Antonio Machado Su nombre era Antonio Cipriano José María y Francisco de Santa Ana Machado Ruiz. Nació en Sevilla en 1875 en una familia liberal, el era el segundo de cinco hermanos. Doctor en Filosofía y letras, fue catedrático de francés en los Institutos de Soria, Segovia, Baeza y Madrid. Perteneció al movimiento literario conocido como generación del 98. Está considerado como uno de los grandes poetas de la lengua castellana. Probablemente sea el poeta de su época, que más se lee todavía. Su obra poética, se caracteriza por la sencillez y precisión en el lenguaje. Cantó a la tierra, al mar, a los olivos, y en diversos tonos al amor. En su poesía se refleja la visión dolida de su patria y la recreación de la belleza que encierran las pequeñas cosas. En 1893 publicó sus primeros escritos en prosa, mientras que sus primeros poemas aparecieron en 1901. Entre sus obras publicadas se destacan «Soledades, galerías y otros poemas» en 1903, «Campos de Castilla» en 1912, «Nuevas canciones» en 1925 y «La guerra» en 1938. Viajó a París en 1899, ciudad que volvió a visitar en 1902, año en el que conoció a Rubén Darío, que sería gran amigo suyo durante toda su vida. En Madrid, por esas mismas fechas conoció a Unamuno, Valle-Inclán, Juan Ramón Jiménez y otros destacados escritores con los que mantuvo una estrecha amistad. La mujer de Machado, Leonor Izquierdo, era hija de un sargento de la Guardia Civil, además nació en la casa cuartel situada en el Castillo de Almenar. En Soria conoció a Antonio Machado y en 1909 y con 15 años de edad, se casó con Machado que tenía 34 años. En julio de 1911, mientras acompañaba a Machado en París , tuvo que ser ingresada en un sanatorio por tener tuberculosis, la enfermedad típica de la época. Falleció en 1912. Machado tuvo una profunda depresión , por lo que se traslado a Baeza (Jaén), donde vivió durante un tiempo con su madre, dedicándose a la enseñanza. Cuando estalló la Guerra Civil española, Machado (activista republicano) estaba en Madrid. Posteriormente se trasladó a Valencia, y Barcelona, y en enero de 1939 se exilió al pueblo francés de Collioure, en Francia. Salió de Barcelona de forma precipitada , a finales de enero de 1939, hacia Francia, junto con su madre, Ana Ruiz Hernández , su hermano José y la esposa de este, Matea. Perdieron sus últimas pertenencias llegando a territorio francés, y únicamente sobrevivieron "con lo puesto" y casi sin dinero. Se establecieron en dos habitaciones del económico hotel Bougnol-Quintana, en el precioso pueblo pesquero de Collioure. Collioure está en el sur de Francia, muy cerca de Portbou y de Figueres, en la comarca de l'Alt Empordà (Girona). En este pueblo francés estuvieron realizando algunas de sus obras , pintores como Henri Matisse, Alain Derain, entre otros, y desde 1949 hasta su muerte, vivió aquí el novelista británico Patrick O'Brian, enterrado también en el cementerio de Collioure. La dueña del hotel, donde se hospedó la familia Machado, era simpatizante de la República, y en una ocasión preguntó a José, "Por qué no bajan ustedes todos juntos a comer?" y recibió por respuesta: "Porque no tenemos ropa de recambio, el día que uno de los dos lava la camisa, espera a que el otro acabe la comida y suba para bajar a su vez" (op.cit. p. 626). Machado murió a los 64 años (Febrero 1939), dicen que de asma, pero se dice también que por su sensibilidad murió de "tristesse", es decir, de pena y melancolía. Su hermano José, escribió, que Machado no podía sobrevivir a la pérdida de España. Tampoco pudo sobreponerse a la angustia del destierro. Este fue el estado de su espíritu en el tiempo que vivió en Collioure. A diferencia de muchos intelectuales, quienes, habiendo abrazado al principio la República, transfirieron poco a poco sus simpatías a los nacionalistas, Machado siguió fiel a la causa republicana hasta el final. Lo enterraron amortajado en una sábana, porque así entendió su hermano, cumplir la frase que un día dijo Machado a propósito de las pompas fúnebres: "Para enterrar a una persona, con envolverla en una sábana es suficiente". El entierro fue sobriamente civil. El ataúd fue envuelto en la bandera republicana. El nicho fue generosamente prestado por una habitante de Collioure. La madre de Machado murió a los 84 años, tres días después que su hijo, haciendo cierta la promesa que hizo en el camino al destierro: "Estoy dispuesta a vivir tanto como mi hijo Antonio" (op.cit. p. 634) En el epílogo de su obra biográfica Ian Gibson señala: Hoy Machado y su madre siguen en el cementerio de Collioure. Hay cerca un buzón para mensajes. Llegan cartas desde el mundo entero, en una multiplicidad de idiomas, dirigidas a Don Antonio Machado, Cementerio de Collioure, y se depositan en él. También se dejan papeles, poemas, cartas y otros recuerdos sobre la tumba. Casi siempre hay flores. El pequeño cementerio recoleto es lugar de peregrinaje cada año para miles de admiradores del poeta. Alguna vez Machado había dicho: "Yo no debía salir de España. Sería mejor que me quedara a morir en una cuneta". En la estrofa final de su "Retrato" parecía presagiar sus últimos momentos: "Y cuando llegue el día del último viaje, / y esté al partir la nave que nunca ha de tornar, / me encontraréis a bordo ligero de equipaje, / casi desnudo, como los hijos de la mar". FOTOS AWAKEN (Àngels Ramogosa Armengol)

JON ANDERSON: LA VOZ DEL ROCK SINFÓNICO!

La voz de Anderson la describen como angelical, y así es, totalmente angelical, pero diría más: es una voz dulce, sensual, penetrante, suave, melodiosa, estremecedora, que te transporta a lugares lejanos, a otros mundos, que te hace mirar el cielo!!!

The Gates of Delirium...Impresionante tema...y al final el increíble y maravilloso "Soon" (Yes, Relayer)

Survival.....

IMPRESIONANTE! SIN PALABRAS!!!!

Anderson considera que posee un registro de voz de contratenor, capaz de alcanzar notas muy altas sin caer en el falsete, (es decir forzando la voz), mientras mantiene la suavidad que se asocia constantemente a su voz. Incluso durante interpretaciones en directo nunca fuerza su voz. El último concierto que vi de Jon, su voz no era como la de antes, pero todavía conserva un buen registro vocal.



Es mi amor platónico musicalmente hablando, muy buen compositor, músico y cantante, con una gran personalidad y una voz muy peculiar.
Bajito, simpático, y estoy segura de que es una bella persona.




Concierto de Jon Anderson en Luz de Gas,Barcelona 2005.

Nació en Inglaterra, el 25 de Octubre de 1944.
Empezó a interesarse por la música desde muy joven. A los 15 años dejo los estudios y trabajó de peón en una granja, más tarde de conductor de camiones y de lechero.

En 1962, tuvo la suerte poder de formar “The Warriors” , donde él y su hermano compartían las voces. Abandonó el grupo en 1967, y en 1968 editó dos singles como solista. También cantó brevemente en grupos como, The Gun y The Open Mind.
En 1968, se unió al grupo “Mabel Greer's Toyshop”, en el que también estaban el bajista Chris Squire y el guitarrista Peter Banks. Anderson fue líder del grupo, pero terminó abandonándolo el mismo año.

En 1986, Jon Anderson junto con Squire (al que conoció en un club de Londres), Banks, Bill Bruford y Tony Kaye formaron el magnífico grupo de rock sinfónico “Yes”...por si alguien no lo sabe...jejejeje, cosa que dudo....Yes es mi grupo preferido!.

Yes...casi unos niños!!!

Close To The Edge Live 1975

Con Yes, fue la época más importante y brillante de Jon Anderson, con una larga, buenísima y productiva carrera musical. Anderson ha estado siempre en todos los trabajos del grupo, menos en el disco Drama.

Yes...Tales..."Revealing Science Of God" (Part 1)....

Impresionante tema!

Awaken y Jon Anderson

Barcelona 2005

Yes..Turn of the century...sin palabras!!!

IMPRESIONANTE!!!!

Show Me....Magnífico!!!

ABWH Live An Evening of Yes Music Plus
Bruford...Wakeman...Howe...

 The Meeting...preciòs!!


Paralelamente a su trayectoria con Yes, Jon Anderson inició su carrera en solitario, de la que también tiene muchos álbumes, de varios estilos musicales, algunos de fusión con músicas étnicas.

Sin duda, para mi, el mejor disco de su carrera en solitario, es el maravilloso e impresionante álbum conceptual Olias of Sunhillow (1976), producido por el mismo.
Es una auténtica obra maestra, una joya, muy espiritual, y sigue más en la linea de Yes. Es importante comprender la historia que se cuenta en el álbum, sobre cuatro tribus que viven condenadas en el planeta Sunhillow, y son rescatadas por Olias, líder de los tres magos astrales.

En este disco, Anderson toca todos los instrumentos: arpa, guitarra acústica, sintetizadores, percusiones, etc y todos los temas están compuestos por él.

Olias of Sunhillow - Moon Ra / Chords

Un increíble viaje hacia un mundo de fantasía hacia la tierra de “Olias de Sunhillow”.
Olias of Sunhillow....nace en la época después del "Tales From Topographic Oceans", en un tiempo en que todos los miembros de Yes, decidieron darse un descanso del grupo y editaron álbumes en solitario.

Ocean Song / / Dance of Ranyart

Dicen que con la primera audición de Olias of Sunhillow...Jon casi se vuelve loco del ataque místico que le cogió...

Jon Anderson, colaboró también con otros artistas, a destacar: King Crimson, con su soberbia labor cantando en el álbum "Lizard" (1970), Alan White: Ramshackled (1976),
Rick Wakeman: 1984 (1981), Mike Oldfield: Crises (1983), Tangerine Dream: Music From The Film "Legend" (1986), Jonathan Elias: Requiem For The Americas (1989), London Philharmonic Orchestra: Symphonic Music of Yes (1993), Steve Howe: Portraits Of Bob Dylan (1999), Kitaro: Dream (1992), etc. Todos son álbumes muy recomendables!

kitaro & jon anderson / island of life

Lady of Dreams....Kitaro & Jon Anderson

En 1974 cuando Wakeman se fue de Yes, Anderson propuso a Vangelis Papathanassiou (teclista griego), como su sustituto, no pudo ser, por problemas legales relativos a los tramites sobre inmigración y entró Patrick Moraz en Yes. Aquí empezó una gran amistad con Vangelis!


Jon Anderson con Vangelis

Anderson colaboro con Vangelis, cantando en el maravilloso álbum "Heaven and Hell", es un disco conceptual con múltiples piezas corales, dos largas suites, con un sonido cercano al de la música clásica en la primera cara del disco, que termina con el tema vocal “So Long Ago, So Clear” (Anderson), y composiciones más experimentales en la segunda cara.

Jon Anderson and Vangelis - So Long Ago So Clear...Espectacular tema!!!!
Heaven And Hell 1975

A principios de los 80 formaron un dúo , denominándose Jon & Vangelis.
Los dos, son grandes músicos y compositores, y están unidos por una larga amistad.
Todos los álbumes de Jon and Vangelis me gustan, a destacar:
Short Stories (1980), una verdadera joya de disco. The Friends of Mr. Cairo (1981),
impresionante disco. Private Collection (1983), excelente, magnífico y Page of Life, (1991) muy bueno.

Jon Anderson & Vangelis - Deborah

Jon Anderson and Vangelis....I HEAR YOU NOW

Jon and Vangelis - I'll Find My Way Home


Jon and Vangelis - He is sailing


Pinceladas de la vida de Jon Anderson....

Jon and Jane Anderson...siempre le acompaña a sus conciertos...

Jon and Vangelis
Outside of this/inside of that

De su carrera en solitario, a destacar también, el álbum Song of Seven (1980), es más melódico y posee hermosos temas como "Song of Seven", "For You for Me" entre otros, altamente recomendable!!

Some Are Born...del álbum Song of Seven....


Change We Must, 1994....magnífico álbum, dedicado a la espiritualista hawaiana Nana Veary. Posee una mezcla de algún tema de Yes, de Jon & Vangelis y de Anderson en solitario, de varios estilos, como la música clásica, rock progresivo, etc. Toda la música del álbum es orquestal. Incluye el tema Chagall Due , cantado a dúo con la soprano Sandrine Piau , tema realmente excepcional.

Change We Must...tema del àlbum del mismo nombre, álbum de una de gran bellleza poética y musical, que habla de la necesidad de cambio permanente para vivir otra vez.


"Candle song"...le acompaña la voz de su hija Jade...álbum Change We Must...

"O'er" tema del álbum The Promise Ring, 1997

Este es mi pequeño tributo a la mejor voz del rock sinfónico!!!

De todos es sabido que Jon destaca la espiritualidad como razón de vida!

Actualmente Anderson se recupera de un problema de salud!

One more time....escuchen este bellísimo tema!!!!!!

Ánimo Jon! Espero que te recuperes pronto!

Nous Sommes Du Soleil....