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dimarts, 3 de juny del 2008

Deep Purple: el mejor grupo de rock duro de todos los tiempos

LA PRIMERA VEZ QUE ESCUCHE DEEP PURPLE TENIA TRECE AÑOS....EL GRUPO ME ENGANCHO COMPLETAMENTE....TODAVIA NO ME DESENGANCHO DE EL....

Gran tema...increíble..uno de mis preferidos,(cuando suena la primera nota en mi tocadiscos me pongo a bailar)...contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan. Se dice que el solo de guitarra de Highway Star surgió en la mente de Blackmore mientras llevaba horas escuchando a Wolfgang Amadeus Mozart.
Otros comentan que surgió espontáneamente una mañana, cuando de camino a un concierto en el autobús, un periodista musical que les acompañaba les preguntó de qué forma componían, Ritchie agarró una acústica y comenzó a tocar el acorde de sol rápida y repetidamente, mientras Gillan improvisaba una letra: "We are on the road! we are on the road!, we are a rock and roll band!"...En los ensayos para ese mismo concierto Glover y Gillan escribieron la letra y todos terminaron mas o menos el tema utilizando una progresión de acordes de Bach.
Es un tema rápido y completo, donde hay solos tanto de órgano como de guitarra.



El grupo nace en Gran Bretaña en 1968 con el nombre de Roundabout. Siendo un proyecto de Chris Curtis, cantante y ex-batería de la banda The Searchers años antes.....
Después de varios cambios el grupo se configuro con los siguientes miembros:
Jon Lord en los teclados,Ritchie Blackmore en la guitarra,Ian Paice en la batería, Rod Evans en la voz principal y Nick Simper en el bajo y voz.

Después de una gira por los países escandinavos, el grupo cambio su nombre por el de Deep Purple, en honor a la canción favorita de la abuela de Ritchie Blackmore...."Deep Purple Dreams".

En Junio de 1968 publican su primer single: Hush. En Septiembre de ese mismo año se publica el primer LP: Shades of Deep Purple. Este álbum muestra una clara influencia de la escena psicodélica de finales de la década de los 60. Incluye versiones de piezas como Help, Hush, I´m so Glad y Hey Joe, junto con las primeras composiciones del grupo.

Los temas más conocidos de este primer álbum son Hush y Mandrake Root. Esta última canción se transformaría en uno de los primeros vehículos utilizados por Blackmore y Lord para dar rienda suelta a impresionantes improvisaciones de guitarra y órgano en sus presentaciones en vivo.

En Julio de 1969 se publican los singles Kentucky Woman y River Deep y el segundo álbum: The Book of Taliesyn. En el último tema Anthem, Jon Lord deja plasmada la gran influencia que ejerce la música clásica en su formación musical y que luego plasmaría en obras tales como April (1969), Concerto for Group and Orchestra (1969), Gemini Suite (1970) entre otras.

En Noviembre de 1969 se publica el tercer álbum del grupo: Deep Purple. Este álbum es más ambicioso en lo que a concepción musical se refiere. Exceptuando la versión de Lalena,todos los demás temas están compuestos por los miembros del grupo, principalmente Lord y Blackmore. El tema April compuesto por Blackmore y Lord,incluye una pequeña suite clásica donde utilizan flautas, oboe, clarinete, violín, viola y cello. Precioso tema...quién no conoce a Deep Purple no diría que el tema es suyo!

Hay ciertos problemas en Deep Purple por diferencias musicales y Evans y Simper dejan el grupo y son sustituidos por Ian Gillan, vocalista y el bajista Roger Glover.

El grupo queda formado por:
Ritchie Blackmore (guitarra), Ian Gillan (voz), Roger Glover (bajo), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería). Es la formación clásica de Deep Purple, para mi la mejor formación y evidentemente la mejor época del grupo!

El primer disco con Gillan y Glover sería "Concerto for Grupo and orchestra" 1970.
La fusión entre una orquesta filarmónica clásica y un grupo de rock.Un proyecto básicamente de Lord grabado junto a la Royal Philarmonic Orchestra.

En 1970 sale el álbum "In rock", una obra maestra del rock duro en la cual se aprecia su potencial sónico, gracias a la influencia de Ritchie Blackmore, acompañado por el talentoso trabajo en los teclados de Lord y el poder vocal de Gillan. El disco contiene temas clásicos del grupo como "Speed King", "Child in time" o "Into the fire".
Además del Lp, Deep Purple también conseguiría el éxito en formato sencillo, con la publicación de "Black Night".

En 1971 editan el LP Fireball. El disco contiene el single "Strange Kind of Woman", que se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, y una de las canciones fijas en sus conciertos. Esta canción, junto con "The Mule", son los dos temas del disco que aparecen en el clásico Made in Japan de 1973.

A destacar, aparte de los solos de guitarra acompañados de la voz de Ian Gillan, que hay uno de los mejores solos de batería en directo por parte de Ian Paice en The Mule.

A fines de ese año, el grupo crea su propia compañía discográfica bajo el nombre de Purple Records.

Machine Head, el álbum con mayor éxito sale en 1972. Es el más significativo de la carrera de Deep Purple.Insuperable! Todas las canciones de este álbum son buenísimas, en especial Highway Star,Lazy, Pictures of home y la bella balada When a blind man cries (Si ya te vas,cierra la puerta ya no espero a nadie más....).
Smoke on the water,canción que cuenta lo que le paso al grupo, en un incendio que arrasó el casino de Monteux en Suiza, mientras asistían a un concierto de Frank Zappa and the Mothers of Invention. En plena actuación Frank Zappa paralizó a sus músicos y señalando al techo gritó: "¡Fuego!"...el pánico se apoderó de todos pero la evacuación se realizó de forma ordenada y sin problemas utilizando incluso las ventanas, después se supo que el incendio fue provocado por un idiota que estaba jugando con un lanzallamas echando fogonazos al aire...Fuera Deep Purple y los demás evacuados observaban la columna de humo subir y el Casino consumirse poco a poco por las llamas , el lago Ginebra que se hallaba junto al Casino se llenó de un humo espeso...eso dio lugar a uno de los temas más famosos del grupo: Smoke On The Water.
Que más voy a decir de este tema...para terminar comentar que es el riff de guitarra más repetido de la historia de la música rock, sencillo pero contundente e inolvidable ya fue el primer tema que aprendi a tocar con la guitarra, aunque me hubiera encantado aprender a tocar la batería, que siempre ha sido mi instrumento preferido...
Como curiosidad,sólo decir que la gira del Machine Head duró 44 semanas, y sigue considerándose uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos


Tremendo tema! Otro de mis preferidos...



En 1973 Deep Purple edita el disco en vivo Made in Japan, que fue grabado durante la gira del Machine Head y presentado por del grupo en Japón,( Osaka y Tokio, entre el 15 y el 17 de Agosto de 1972).
Se convirtió en el álbum en vivo más vendido en la historia.
Aparte de un gran sonido en directo, la fuerza que transmite el público, y la que Ian Gillan y Ritchie Blanckmore le dan a su música, hacen imprescindible tener este disco.

Deep Purple nunca se han caracterizado por ser amantes de los estudios de grabación, siempre decían disfrutar más como músicos al tocar en directo.

Made in Japan, es mi disco preferido! Memorable. Es uno de los mejores discos en vivo que he oído, los músicos brillantes, Blackmore y Guillan tremendos!
Hay que pensar que Deep Purple tocaban practicamente a diario, además de numerosas giras sin descansar. Gillan, tuvo una hepatitis al empezar la gira por USA en septiembre de 1971, la enfermedad le obligo a descansar unos meses.
Se supone que el stress y agotamiento generado por las giras, fue lo que provocó problemas internos, sobretodo entre Ritchie Blackmore y Ian Gillan.
En un principio eran grandes amigos, compartían las mismas habitaciones en las giras, pero era difícil mantener el control absoluto dentro de una banda que cada día se hacia más grande, lastima que todo esto al final llevó a la ruptura de la formación más emblemática del grupo.

También en 1973 aparece el disco Who Do We Think We Are. Fue grabado en Frankfurt y Roma en el estudio móvil de los Rolling Stones entre julio y octubre de 1972.A destacar, Woman from Tokyo, entre otros.
Lamentablemente fue el último álbum con Ian Gillan y Roger Glover hasta su regreso en el disco Perfect Strangers en 1984.

En su lugar entrarían al grupo David Coverdale, vocalista y Glenn Hughes, bajista.

En 1974 presentan el disco Burn. Meses más tarde, Deep Purple publica el LP Stormbringer, que provocaría la baja temporal de Ritchie Blackmore que formaría el grupo Rainbow.

Ritchie Blackmore fue reemplazado por Tommy Bolin, un joven guitarrista estadounidense de 24 años, que se había ganado un nombre gracias a sus trabajos con buenos músicos de jazz.
La marcha de Blackmore fue un duro golpe para el grupo, que no pudo ser reavivado con "Come taste the band" 1975. Con este disco, Deep Purple realizó una gira europea, la cual estuvo llena de problemas, pues la adicción a la heroína por parte de Tommy Bolin generó varios percances. Evidencia de ello queda registrado en el álbum en vivo titulado Last Concert in Japan.
En marzo de 1976, Deep Purple, después de una decisión tomada por todos los miembros, toma la determinación de acabar con aquél proyecto y se produce la desaparición definitiva del grupo. La falta de un líder nato, los problemas con las drogas de Tommy Bolin y Glenn Hughes y, sobre todo, el cansancio tras muchos años de giras y discos, provoca el cese de sus grabaciones y conciertos.

De esta manera, David Coverdale hace su carrera en solitario como solista, y posteriormente forma parte del grupo Whitesnake junto a Ian Paice y Jon Lord. Por su parte, Glenn Hughes también se dedica a su carrera en solitario aunque ensombrecida por sus numerosos escarceos con las drogas, y el malogrado guitarrista Tommy Bolin fallece en el mismo 1976 a causa de una sobredosis de heroína.

Pasaron ocho años para que Deep Purple volviera a la escena musical. De esta manera en 1984 vuelven a reunirse Blackmore, Gillan, Glover, Lord y Paice (los miembros más emblemáticos de Deep Purple), y lanzan el esperado álbum Perfect Strangers. Con este nuevo trabajo se presentan en distintas ciudades del mundo para promocionar el disco.
Tres años después editan el LP The House of Blue Light y en 1989 Gillan abandona nuevamente el proyecto. En su lugar entra Joe Lynn Turner.

Deep Purple inicia la década de los 90 con el LP Slaves and Masters.Poco tiempo después Turner es despedido, y regresa Ian Gillan.

En 1992 sale al mercado The Battle Rages On. Con este material salen de gira por USA, Europa y Japón. Tras finalizar la serie de conciertos, Blackmore decide salir de la banda y entra temporalmente Joe Satriani . Tiempo después en lugar de este último entra Steve Morse.

A inicios de 1996, con esta nueva formación aparece el disco Purpendicular, con la cual hacen una gira mundial.

Dos años más tarde sale un nuevo disco titulado Abandon. Este es el último álbum de estudio con Jon Lord en el grupo. Lord es reemplazado por el teclista Don Airey. De esta forma el grupo queda finalmente formado por Ian Gillan, vocalista, Roger Glover en el bajo, Steve Morse en la guitarra, Don Airey en los teclados y Ian Paice en la batería.



En el 2003, sale el disco Bananas, y en el año 2005 graban el álbum Rapture of the Deep, con el que Deep Purple inicia una gira mundial.

En 2006 editan el primer DVD en vivo oficial con Don Airey, se trata de la grabación del Show en el famoso Montreaux Festival en su 40 aniversario,el DVD se llama Live At Montreaux. Un dvd de altísima calidad musical, excelente y espectacular.

En 2007 un nuevo disco,The Friends and Relatives Album.

En la gira 2006-2008, destaca su espectacular concierto del 28 de Abril de 2007 en el recién inaugurado Wembley Arena de Londres.

Buenos discos, muchos conciertos y giras, marchas y venidas de los músicos, fue la tónica que caracterizó y caracteriza a un grupo mítico que aún sigue girando por todo el mundo.




Grandioso tema...espectacular...impresionante...emocionante...apasionante...conmovedor... Después de todos estos calificativos, no hay duda de que es mi preferido!

MIEMBROS DE LA FORMACIÓN CLÁSICA

Jon Lord, teclista y vocalista, nacido en Leicester en 1941.Su padre, músico de jazz, le dejo a Jon tocar en el piano de su abuelo a la temprana edad de cinco años. Estudio piano clásico desde los 9 años. La música clásica y el jazz fueron su primer interés, pero el nacimiento del rock´n roll lo atrajo y para decepción de sus padres, decidió no ingresar al Royal College of music. De 1960 a 1963, se unió a The Don Wilson Quartet, que mas tarde cambió el nombre a Red Bludds Bluesicians. Durante esta época Jon se vería muy influenciado por todos los organistas de jazz Norteamericanos, tales como Jimmy Mc Griff, John Patton, Jack Mc Duff y muy especialmente por Jimmy Smith. Estos intérpretes fueron los que impusieron el uso del órgano Hammond en el jazz.
Jon Lord acepto una oferta de Chris Curtis, para unirse a los Roundabout, el embrión de Deep Purple.
Cuando entro en Deep Purple, Lord transmitió al grupo un auténtico y particular sonido "psicodélico".
Los tres primeros álbums de Deep Purple contienen mucho del virtuosismo de Lord, caracterizado por largos y frenéticos pasajes de órgano Hammond, con superposiciones rítmicas y melódicas de órgano.
Lord se convertiría en uno de los gestores del sonido del órgano Hammond en el ámbito de la música Hard Rock, en parte gracias al álbum "In Rock" de 1970, siendo el pionero en introducir pasajes musicales cercanos al sonido de un órgano de iglesia, poderosos "rugidos", rápidos solos de virtuosismo desbordante, acompañamiento con distorsionados "riffs" y el comienzo de la inmortal relación musical con el mago Ritchie Blackmore, todo dentro del contexto de la monumental música de Deep Purple.

Jon Lord ha sido, junto a Ian Paice, el único miembro de Deep Purple que se ha mantenido durante toda la historia del grupo. Sin embargo, en Agosto del 2001 debe dejar temporalmente el mismo por motivos de salud.
En el 2002 se retira de la banda para continuar con su carrera solista. El último trabajo con Deep Purple fué el álbum Abandon.
Jon Lord dejo definitivamente a Deep Purple, quedando Ian Paice como el único miembro de la banda que se ha mantenido desde sus orígenes.


Ritchie Blackmore nace en Weston-super-Mare en 1945. Es considerado y lo considero como uno de los más grandes guitarristas de la historia. Fue una pieza principal del éxito de muchos de los temas de Deep Purple.


Músico de gran talento, que estuvo influido por la manera de tocar la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix, cuya técnica supo combinar con tonos clásicos en sus solos de guitarra (Bach, Mozart, etc.) debido a la formación de guitarrista clásico que tenía , ya que la carrera de Blackmore empezó en un conservatorio. Más tarde descubriría el rock y crecería como guitarrista. Capaz de jugar con la sencillez para crear grandes riffs inmortales (Smoke on the water) y solos memorables (Highway star). Lo que atraía de el en directo era su capacidad de improvisación en los conciertos.
Apodado "Man in Black" por su raro comportamiento tanto dentro como fuera del escenario, tuvo una gran influencia entre muchos de los guitarristas que vinieron después de él, y no sólo en su popularmente reconocida influencia clásica en el rock.
Eric Clapton le regalo una Fender Stratocaster y desde entonces se aficiono ellas. La Fender Stratocaster le ha acompañado a lo largo de casi toda su trayectoria musical.
En sus actuaciones en directo se le llegó a acusar de tocar muy sucio, pues era frecuente que empezara a golpear la guitarra a media actuación.En el California Jam Festival en abril de 1974, como no había llegado a un acuerdo con la cadena ABC, al final del concierto sorprendió al publico destrozando el equipo Marshall y las diversas Fender Stratocaster de la cadena y provocando un incendio, lo cual provoco su espectacular huída en helicóptero.
Pocos saben que el guitarrista posee una sonrisa capaz de desarmar al más duro y que es una de las personalidades más lúcidas y comprometidas del rock, un hombre que desde el principio eligió no venderse (ni vender su música) a los fabricantes de mentiras.
Con una fuerte personalidad , egocéntrico, de carácter agresivo, hace que la unión del grupo se tambalee en 1974 al marcharse para empezar su carrera en solitario.
Ritchie Blackmore ha dado paso a tres guitarristas en Deep Purple:

-En 1975, Tommy Bolin sustituye a Blackmore tras su ida de Deep Purple.
-En 1993, Ritchie Blackmore, tras nueve años con Deep Purple, deja la banda y Joe Satriani un buen guitarrista, es su sustituto temporal
-En 1994, Steve Morse un excelente guitarrista, ocupa el puesto de Satriani y se mantiene como guitarrista de Deep Purple en la actualidad.

Blackmore ha dado paso a tres guitarristas dentro de Deep Purple y entre esos tres guitarristas hay un punto común: siendo Deep Purple un grupo británico, los sustitutos de Blackmore han sido americanos.

"Dicen que soy una leyenda y no sé si sentirme bien o mal... Por lo general ese término se refiere a personas muertas y me gusta pensar que, a pesar que la prensa no ha dejado de proclamar mi muerte a corto plazo durante los últimos quince años, aún estoy vivo. Al menos yo me siento así."
Blackmore.

Uno de los mejores baterías de la historia!

Ian Paice ,nacido en Nottingham 1948. Empezó tocando el violín a la edad de 15 años, después decidió tocar la batería, y con el tiempo se unió a la orquesta de baile de su padre. "Conseguí comprarme una batería por 32 libras y comencé a acompañar a mi padre por ahí tocando valses y bailes formales. Era un poco soso, pero me sirvió para empezar".
Es el único miembro del grupo que ha permanecido en todas sus formaciones, que esto dice mucho en su favor, sobretodo viendo los cambios que ha tenido el grupo a lo largo de los años. Así que su trabajo principal se ha desarrollado siempre en Deep Purple.Un gran batería que sabe envejecer!
Considerado uno de los baterías más influyentes de la historia, es uno de los pocos zurdos que toca con la batería adaptada.Un batería espectacular, buenísimo.Ian recogió de la generación anterior de baterías una forma de tocar contenida, precisa, un sonido limpio y conciso, pero le añadió la potencia, increíble velocidad y técnica para crear un estilo único y un sonido que recoge las ventajas de ambos estilos.
Fundamentalmente Paice demostraba gran velocidad al tocar, siendo esta su más fuerte arma a la hora de tocar con Deep Purple, la gran sencillez de las baterías que tocaba (un par de platillos y un tom) durante los años 70 demuestra su habilidad al extraer una gran variedad de sonidos con carácter propio.
Lleva más de 30 años como implacable batería de rock. "Tocar para Purple es una tarea muy exigente. Es un grupo muy duro y hay que tocar duro todo el rato. No te puedes relajar."

Indiscutiblemente "La voz del rock duro"

Ian Gillan, nació en Londres el 19 de agosto de 1945,en una familia de ascendencia escocesa.
Es considerado uno de los cantantes de rock más destacados e influyentes de la historia del género, pues poseía en sus inicios un rango de voz muy extenso, en el cual se movía sin aparente esfuerzo, y con mucha precisión en los registros más altos. El tema Child in Time de Deep Purple, y sus famosos duelos voz/guitarra junto a Ritchie Blackmore, son algunas de las muestras más significativas y sorprendentes de ello.Gracias a sus aportes y trascendencia, Gillan es tenido como uno de los principales gestores del estilo de canto del Hard Rock.
Fue miembro de Deep Purple desde 1969 hasta 1973.
Después de dejar Deep Purple, acusando agotamiento y por sus marcadas diferencias personales con el guitarrista Ritchie Blackmore, Gillan formó la Ian Gillan Band.

En 1983 se unió a Black Sabbath para grabar el disco Born Again y hacer la consiguiente gira a principios de 1984. No obstante, ese año Gillan se incorpora a la tan ansiada reunión de Deep Purple en su formación más representativa, el Mark II: Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Jon Lord, Roger Glover e Ian Paice. El disco de la reunión sería Perfect Strangers, considerado como uno de los mejores retornos musicales de la historia del rock.
No obstante, Gillan abandona Deep Purple otra vez en 1989, nuevamente por diferencias irreconciliables con Ritchie Blackmore.
Los miembros de Deep Purple ejercen presión sobre Blackmore, en favor de la vuelta de Gillan en 1992. Así se graba The Battle Rages On, disco en cuya gira Blackmore decide abandonar la banda de manera intempestiva y definitiva (Joe Satriani lo reemplazaría de emergencia para cumplir con las restantes fechas ya pactadas).
Desde entonces, y hasta hoy, Ian Gillan se mantiene al frente de un activo Deep Purple como el vocalista más representativo de la historia de la banda.


Roger Glover, nace el 30 de noviembre de 1945 en Brecones,ciudad de Gales del Sur. Pasa gran parte del tiempo de su infancia y adolescencia en un pub en el que su familia trabajaba, ambiente idóneo que le ofreció la oportunidad de escuchar y aprender de los numerosas grupos que allí actuaban. Bajista, teclista, productor discográfico y compositor.
A la edad de diez años, Glover se mudó con su familia a Londres, ciudad en la que se empezó a interesar por el rock and roll, por lo que comenzó a tocar la guitarra. En el instituto formó su primera banda, que se acabó por fusionar con otra banda llamada Episode Six, el grupo que figuraba el posterior compañero de Glover en Deep Purple, el vocalista Ian Gillan. Ambos dejaron esta banda en 1969 para unirse a Deep Purple.
Durante su estancia en Deep Purple grabó los discos más exitosos de la formación británica, entre los que se encuentran Deep Purple in Rock y Machine Head, antes de ser despedido por el guitarrista Ritchie Blackmore cuatro años después de su llegada.
Tocar el bajo a la sombra de Richie Blackmore puede que deje tu trabajo algo, por no decir muy, eclipsado, pero este gran bajista tiene mucho que decir acerca del sonido de Deep Purple, así como en los años anteriores, de y con Rainbow junto a Richie Blackmore también, siendo uno de los pilares que ayudaron a definir el estilo del rock duro con el álbum In Rock de Deep Purple en el año 1970. Pero la influencia de Roger Glover en Deep Purple fue más allá del bajo, asumiendo las funciones de productor en la banda además de, a lo largo de los años tocar una buena gama de instrumentos.
Roger Glover ha tocado con muchos tipos de bajos distintos desde el Fender Mustang en su comienzos y más propio para estudio que para directo según sus propias apreciaciones, como con Fender Precision. Roger siempre ha marcado un sonido y un estilo propio, nunca se obsesiono con la técnica, y nunca fue un gran virtuoso.
En 1978 se unió a Blackmore en su banda Rainbow, con los que grabó cinco álbumes, y posteriormente trabajó para David Coverdale y Whitesnake.
Desde 1984 pertenece de nuevo a Deep Purple después de su reformación ese mismo año.

"Daba una vuelta por las tiendas de música y veía a un montón de chicos tocando cosas increíbles con el bajo, y pensaba ¡Dios mío yo no puedo hacer nada de eso! Siempre he tenido un poco de complejo sobre mi estilo con el bajo, así que me concentraba más en escribir. Siempre me consideré un compositor. Aunque puedo hacer bien mi trabajo tocando el bajo, nunca he querido destacar como intérprete, nunca he tenido la disciplina necesaria para concentrarme en tocar sólo el bajo".
Roger Glover

En la actualidad Roger Glover sigue siendo bajista de Deep Purple, junto con Ian Gillan a la voz y armónica, Steve Morse a la guitarra, Don Airey al teclado y Ian Paice en la batería. Un bajista veterano y de los imprescindibles para comprender la historia del rock duro.

Deep Purple acaba de anunciar su calendario de gira para el verano de 2008.

CURIOSIDAD

A finales de la década de los 70, Rainbow y Whitesnake incluían en sus filas un Deep Purple al completo. En Rainbow se encontraba el guitarrista, Ritchie Blackmore, y el bajista, Roger Glover. En Whitesnake estaban el vocalista, David Coverdale, el teclista Jon Lord, y el batería, Ian Paice.

diumenge, 25 de maig del 2008

Frida Kahlo: Desde mi punto de vista...Frida como artista...Frida como mujer....





Esta entrada en el blog, ha sido para mi un trabajo muy laborioso,siempre he admirado mucho a Frida...como artista y como mujer!


De una belleza serena!

Hace poco que el mundo la conoce por una película que personalmente no me gusto, pienso que no se plasmo bien en ella, ni su vida, ni su obra. Tengo que reconocer que para mi era un orgullo personal conocer su vida y su obra desde hace muchos años, cuando bastante gente no sabia ni quien era , al menos fuera de México, me disgusto un poco la idea de una película, puesto que la imagen que daría seria comercial y así fue, aunque reconozco que gracias a la película la gente la conoce y los que se hayan interesado en su obra profundizaran más en ella.
Realmente para mi, siempre ha sido como un mito, un personaje excéntrico que me hubiera gustado conocer personalmente, que me atrae por su gran personalidad y fuerte temperamento y me fascina por esa gran fuerza que poseía y por su gran atractivo, por esto quiero tenerla en mi blog...por lo que siempre ha representado y representa para mi...



Frida, mujer de fuerte personalidad, independiente, rebelde, liberal, apasionada y sensual. Orgullosa de su mexicanidad y de su tradición cultural, se enfrentó a las costumbres impuestas por los estadounidenses con un peculiar sentido del humor.
A Frida, le encantaba bailar y las multitudes, coquetear y seducir ,sin embargo, a veces se sentía miserablemente sola y rogaba a sus amigos y amantes que la visitaran o que no la "olvidaran". Poseía un agudo sentido del humor, usualmente un marcado humor negro al igual que, una disposición muy aguda a la inventiva y la metáfora.

Los temas de Frida se han basado siempre en sus vivencias, en sus estados de animo, en sus sensaciones, en su intensa y profunda vida, esto es lo que ha plasmado en sus cuadros. Su ira, su dolor, sus penas y frustraciones, etc....

En la figura de Frida y su obra pienso que hay una gran ambigüedad, es decir, en sus cuadros se puede apreciar fácilmente como alterna la esperanza y la desesperación.

El trabajo de Frida, algunas veces fantástico otras sangriento, ha sido definido como surrealista, al respecto una vez ella comentó que nunca había pensado en que ella era una surrealista "hasta que Andre Bretón fue a México y se lo dijo. Diego por su parte, la definía como realista.

Frida dejo una serie de emotivas cartas a amantes y amigos junto a un colorido y cándido diario. Todo esto es una irrefutable evidencia de que su vida no fue nada menos que una búsqueda por ser honesta consigo misma.



"Recuerda que cada tic tac es un segundo de la vida que pasa y que no se repite, hay en ella tanta intensidad, tanto interés, que solo es el problema de saberla vivir. Que cada uno la resuelva como pueda".

Frida Kahlo.




Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón, conocida como Frida Kahlo, nació el 6 de Julio de 1907 en la casa azul de La Colonia de Coyoacán, Ciudad de México.
La madre de Frida Matilde Calderón y González, nació en un lugar que los aztecas llamaron Huaxyacac, “lugar donde crece la calabaza”. Los españoles la rebautizaron con el nombre de Oaxaca.
Oaxaca es un estado precioso del sudoeste de México, dicen que las mujeres de Oaxaca son muy bellas.
Matilde era hija de Isabel, de origen español y de Antonio, de origen indio.


Matilde Calderón González

El padre de Frida, Guillermo Kahlo, fotógrafo y artista nació en Baden-Baden, Alemania. Guillermo era hijo de Jakob , un joyero y platero y de Henriette, ambos judíos húngaros que emigraron a Alemania. Wilhelm Kahlo se trasladó a México en 1891.


Guillermo Kahlo

Después de llegar a México, contrajo matrimonio con María Cárdena y tuvo tres hijas con ella, la segunda hija murió días después del parto y su mujer María falleció después del parto de su tercera hija.
Al poco tiempo, Kahlo se caso con Matilde Calderón. Las niñas de su primer matrimonio fueron enviadas a vivir a un convento.
Con Matilde, Guillermo Kahlo tuvo cuatro hijas: Matilde (1898-1951), Adriana (1902-1968), Frida (1907-1954) y Cristina (1908-1964).


Frida a la derecha con sus hermanas.

Frida a los 6 años enfermó de poliomielitis, enfermedad que le dejo secuelas: una dismetria (pierna más corta) y atrofiada. Esto siempre la acomplejó. Su padre se aseguró que hiciera los ejercicios de fisioterapia necesarios para recuperar su movilidad, pero a pesar de sus esfuerzos, su pierna y su pie quedaron con limitación de los movimientos y deformados.


Frida a los 16 años

En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, el mejor instituto de enseñanza secundaria en México. En esta escuela, Frida se unió a un grupo llamado “Los Cachucas” mote debido a las gorras que llevaban. Este grupo compartía ideas socialistas-nacionalistas. Su novio por entonces, Alejandro Gómez Arias, un estudiante de derecho y periodista era el líder del grupo.


Frida a los 18 años

El 17 de Septiembre de 1925, Frida y su novio, Alejandro subieron al autobús que los llevaría de la escuela a su casa. De camino, cerca del Paseo de la Reforma, el autobús en el que iban fue embestido por un tranvía y varias personas murieron.
Frida sufrió múltiples heridas y los médicos no estaban seguros de que pudiera sobrevivir. Este accidente la dejó con lesiones permanentes debido a varias fracturas en la columna vertebral. También tuvo fracturas en las costillas, cuello y la pelvis, luxación del hombro y del tobillo derecho, y un pasamanos le atravesó el vientre.La medicina de aquel tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de toda su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento" de la columna vertebral.
Estuvo ingresada un mes en el hospital. Cuando fue enviada a casa tuvo que estar en la cama inmovilizada de tronco durante más de 9 meses, con varios corsés de escayola.

Durante esta convalecencia en 1926, Frida pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará sus sentimientos y sus emociones de cada una de sus vivencias. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sus padres hicieron construir un caballete especial que se apoyaba en la cama y aguantaba los lienzos en los que Frida pintaba. También hicieron instalar un espejo bajo el dosel de su cama, el cual permitió a Frida el verse y convertirse en modelo para sus cuadros.

En este mismo período en México, apareció un nuevo movimiento artístico insistiendo en la importancia de dejar atrás modelos europeos y creando un nuevo estilo independiente de arte, basado en las raíces y el folklore de la cultura mexicana, algo que fue muy importante para el futuro del arte en México.

A finales de 1927, Frida se había ido recuperando del accidente, se unió a este grupo de nuevos artistas en 1928. De nuevo se reunió con sus antiguos compañeros de escuela, muchos de los cuales eran políticamente activos en la universidad. Una amiga íntima la introdujo en los ambientes artísticos de México donde se encontraban, entre otros, la conocida fotógrafa, artista y comunista Tina Modotti y el genial pintor Diego Rivera.

Frida había conocido a Rivera anteriormente en la Escuela Nacional Preparatoria, donde Diego había pintado un mural en 1922. Ella fue de nuevo a ver al entonces famoso artista en el Ministerio de Educación Publica, donde él estaba trabajando en otro mural. Frida admiraba a ambos, al artista y al hombre y quería su opinión acerca de su arte. Rivera estaba muy impresionado y la animó a continuar con su trabajo. La gran impresión de Diego se extendía también al atractivo de Frida, y se convirtió en un frecuente huésped en la casa de Kahlo.


Frida 21 años,1927

Diego era un miembro del Partido Comunista Mexicano en aquellos días, y en 1928 Frida también se unió al Partido. En 1929 abandonó el Partido cuando Rivera fue expulsado por sus opiniones contra el estalinismo.
El 21 de Agosto de 1929, Frida y Diego contrajeron matrimonio en una sencilla ceremonia en el Ayuntamiento de Coyoacán. Ella tenia 22 años y el 42. La madre de Frida no aprobaba esta unión; dijo que Diego era demasiado viejo, demasiado gordo y todavía peor, un comunista y un ateo. El padre de Frida ofreció menos resistencia a la unión. El comprendió que Diego gozaba de una confortable situación financiera que permitiría costear los elevados gastos médicos de su hija. Algunos de los amigos de Frida estaban pasmados por su elección, mientras que otros lo vieron como una manera de desarrollar su carrera artística.


Frida y Diego en el día de su boda, Coyoacán
21 de agosto de 1929

El sapo y la princesa.....

Al matrimonio lo llegaron a llamar la unión entre un elefante y una paloma, pues Diego era enorme y obeso mientras que ella era pequeña y delgada. Por otra parte; Frida, debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar.


En esta foto también puede apreciarse el opulento cuerpo de Rivera y la fragilidad del de Frida.

A principios de 1930, Frida quedó embarazada por primera vez. Sufrió un aborto ya que el feto estaba en una posición incorrecta. Como resultado del accidente de autobús de 1925, la pelvis de Frida estaba fracturada por tres sitios y los médicos le dijeron por entonces que probablemente nunca podría tener hijos.
En Noviembre de 1930, la pareja se mudó a los Estados Unidos durante cuatro años. Su primera parada fue en San Francisco. Le proporcionaron un visado de entrada para Diego, el cual había sido inicialmente denegado debido a su afiliación con el Partido Comunista.


Frida en San Francisco, 1931
Siempre lucia unos preciosos aretes.

Durante su estancia en San Francisco, Frida conoció al Doctor Leo Eloesser, un importante cirujano con el que inició una amistad que duraría hasta la muerte de Kahlo. Frida confiaba en el en todo lo que se refería a asuntos de salud y durante toda su vida consultaría a su medico. .
El 4 de Julio, Frida sufrió un aborto espontáneo y perdió el bebe que tanto deseaba. Fue una experiencia muy traumática para ella y pasó los siguientes 13 días en el hospital.
Frida volvió a México brevemente en Septiembre de 1932, cuando su madre falleció durante una operación en la vesícula biliar.
En Marzo de 1933, los Rivera volvieron a Nueva York para quedarse allá nueve meses, ya que le encargaron a Rivera pintar un mural en el Rockefeller Center. Después de vivir es Estados Unidos durante casi 3 años, Frida añoraba México y quería volver a su país, pero Diego estaba entusiasmado con Estados Unidos y quería permanecer allá. Este desacuerdo causó serios problemas entre la pareja.
A finales de 1933, Rivera fue despedido por pintar la cara de Lenin en uno de los trabajadores dibujados en su mural. A pesar de su entusiasmo por Estados Unidos, Diego cedió a los deseos de Frida y en Diciembre de 1933 la pareja volvió a México.


Frida en Nueva York 1933

A su regreso, compraron una nueva casa en La Colonia San Ángel, Ciudad de México. Frida tenia muchas ganas de empezar a pintar de nuevo, ya que había trabajado muy poco durante su estancia en Estados Unidos. Pero el destino le jugó una mala pasada y sus deseos se frustraron de nuevo por problemas de salud. En 1934 Frida se quedó otra vez embarazada, el embarazo fue complicado. Tuvo que abortar y a ingresar de nuevo en el hospital.
En el mismo año la intervinieron del pie derecho, amputándole cuatro dedos a causa de una gangrena.


"Pies ...¿Para que los quiero si tengo alas para volar?".

Estos fueron años difíciles para Frida. Además de sus problemas de salud, tambien tenia problemas en su matrimonio . Un matrimonio que siempre fue muy abierto en todos los aspectos, evidentemente también en lo que concernia al sexo. La relación con Diego Rivera fue una unión poco convencional, a veces problemática, apasionada, que sobrevivió numerosas infidelidades por ambas partes y separaciones.

En 1935, Frida descubrió que Diego mantenia una relación sentimental con su hermana más joven, Cristina. Frida era muy liberal, pero esta vez era distinto ya que se trataba de su propia hermana, y estaba terriblemente dolida por esta relación, así que abadonó la casa en la que vivia con Diego y se traslado a un apartamento en el centro de la Ciudad de México. Al mismo tiempo, Frida conoció al escultor americano Isamu Noguchi y mantuvieron una relación amorosa.


Isamu Noguchi

En un esfuerzo por huir de sus problemas, Frida viajó a Nueva York con dos amigas y a finales de 1935, una vez que Rivera rompió su relación con la hermana de Frida, volvió a San Angel. Rivera siguió con otras amantes y Frida empezó a tener sus propias aventuras amorosas, no sólo con hombres, sino también con mujeres.


Esta foto nos revela el lado morboso y pícaro de la artista

En 1936 se involucró de nuevo en política. Cuando en España estalló la Guerra Civil, Frida, junto con otras mujeres fundo un comité de solidaridad para ayudar a los Republicanos españoles. Sus relaciones con Rivera aparentemente mejoraron durante esos días. Rivera admiraba al político ruso Leon Trotsky y cuando Trotsky fue expulsado de Rusia y Noruega, la pareja pidió al gobierno Mexicano para que concediera asilo político a Trotsky y a su esposa en México. La petición de asilo fue concedida.

En Enero de 1937 Leon Trotsky y su esposa, Natalia Sedova llegaron a Tampico, México. Frida los fue a recibir y se convirtieron en residentes de la "Casa Azul" en Coyoacán, donde vivieron hasta Abril de 1939. Al poco tiempo de su llegada, Frida Kahlo y Trotsky mantuvieron un breve romance secreto que finalizó en Julio de 1937.

En Octubre de 1938 Frida viajó a Nueva York para preparar su exposición en la Galería de Julien Levy. El año anterior había participado en una exposición colectiva en México, pero esta exposición iba a ser su primera en solitario.
Frida pintaba principalmente para su satisfacción personal, nunca pensando en las opiniones del público acerca de su trabajo. Se quedó sorprendida al saber que a la gente le gustaban sus cuadros y estaban dispuestos a comprarlos.



La exposición de Nueva York fue un gran éxito y recibió criticas muy favorables de la prensa. La mitad de sus pinturas en la exposición se vendieron.

Frida estaba muy entusiasmada con su nueva fama porque le daría independencia económica de Rivera y mas libertad. Empezó a flirtear con sus admiradores, y se embarcó en una apasionada relación amorosa con el fotógrafo Nickolas Muray.


Frida y Nickolas Muray

En Enero de 1939 Frida viajó sola a París para una exposición de su trabajo, Frida no estaba impresionada ni con París ni con sus habitantes.A pesar de su limitado éxito en París, recibió comentarios favorables de los críticos. Una pintura de su exposición en París, "Autorretrato - El Marco " se convirtió en la primera obra de un artista mexicano del siglo XX adquirida por el Museo del Louvre.

Su relación con Rivera se había deteriorado y en el verano de 1939 se separaron y Frida volvió a la Casa Azul con sus padres. El 6 de Noviembre de 1939 el divorcio fue final. Fue Rivera quien insistió en el divorcio, y la separación afectó emocionalmente mucho a Frida. Intentó desesperadamente el ahogar sus penas bebiendo y sumergiéndose en su trabajo, pero como Frida dijo "mis penas saben nadar". Frida no deseaba depender económicamente de Rivera nunca más y vio su carrera como pintora como su futuro medio de vida.



Los problemas de salud de Frida reaparecieron, lo que no contribuyó a ayudar a mejorar su estado emocional. A finales de 1939 empezó a experimentar severos dolores en la espalda. Contactó con su viejo amigo, el doctor Eloesser quién le aconsejó que fuera a visitarlo a San Francisco para seguir el tratamiento adecuado. Rivera se hallaba por entonces en San Francisco, trabajando en un mural. El doctor Eloesser medió entre los dos para facilitar una reconciliación.

En Diciembre, Diego le pidió a Frida que se casara de nuevo con él. Ella aceptó inmediatamente pero sólo bajo ciertas condiciones: 1) Ella se mantendría financieramente independiente con la venta de sus cuadros 2) Ella pagaría la mitad de los gastos de la casa y 3) no mantendrían relaciones sexuales. Diego la echaba a faltar terriblemente y aceptó voluntariamente los términos.
Se casaron de nuevo el 8 de Diciembre de 1940, el día del cumpleaños de Diego.



Poco tiempo después de su matrimonio, Frida volvió a México. En febrero de 1941 Diego acabó su mural en San Francisco y volvió a México para estar con Frida.
En Abril de 1941, el padre de Frida, Guillermo Kahlo murió de un ataque al corazón.

Frida y Diego volvieron a Coyoacán para vivir en la Casa Azul.


En esta foto se puede apreciar la relajada y apacible vida sentimental del matrimonio.

Después de su segundo matrimonio, la vida de Frida se volvió menos complicada y más rutinaria; empezó a disfrutar de los simples placeres de la vida, y la nueva tranquilidad se reflejó en sus cuadros.


Diego y Frida besándose, una imagen muy tierna.


Para Frida Diego era todo: "mi niño, mi amor, mi universo".

Durante 1940 Frida participó en muchas exposiciones colectivas en México y USA.
Frida animó a los jóvenes estudiantes a buscar sus modelos e inspiración en la vida diaria de la cultura mexicana, así como en el folklore del país y a no seguir los modelos europeos tradicionales.
En Junio de 1946, Frida fue de nuevo intervenida quirúrgicamente de la columna. Un medico de Nueva York había sugerido que su columna debía ser enderezada y ella estuvo de acuerdo. Desafortunadamente, la cirugía no tuvo éxito y Frida se sintió decepcionada, además de soportar terribles dolores.


Aquí la vemos con una especie de barbuquejo que se utilizaba para el estiramiento de la columna cervical.

En 1948 se unió de nuevo al Partido Comunista debido a su fe en la Revolución y mejoras sociales.


Frida en silla de ruedas en una manifestación.

En 1950 paso nueve meses en el hospital ABC de la Ciudad de México, donde sufrió más intervenciones en la espalda. Después de una de sus cirugías, se desarrolló una infección la cual conllevó mas operaciones. En ese año la intervinieron siete veces.


Frida y Diego en el Hospital ABC
de México,1950

En noviembre, después de la sexta operación fue capaz de pintar de nuevo mediante un caballete especial montado en su cama.
Más recuperada ya se movía por la casa y los jardines en una silla de ruedas y podía caminar solo cortas distancias con las muletas o un bastón.


Frida en el Patio de la Casa Azul
Coyoacán, México -1950

Como resultado de su inmovilidad, Frida pasaba la mayoría del tiempo en casa. Su relación con Diego se había vuelto "platónica" y sus relaciones mas íntimas eran ahora casi exclusivamente con mujeres.


Frida Kahlo pintando su obra
El árbol genealógico en el Hospital Inglés, ciudad de México, 1950.


Después de 1951, el estilo de Frida cambió. Su dependencia de los analgésicos estaba afectando seriamente su coordinación. Sus cuadros ya no tenían la precisión técnica y detalle que los caracterizó en el pasado.
En la primavera de 1953, la fotógrafo Lola Álvarez Bravo, una amiga de Kahlo, organizó la primera exposición en solitario del trabajo de Frida en México.


Frida en cama en su última inauguración.

Seria la última, y única exposición que la artista pudo realizar en su país. Frida estaba enferma y determinada a no perderse el evento. Los médicos insistieron en que se quedara en cama, pero ella acudió a la exposición. Hizo que la trajeran a la Galería de Arte Contemporáneo, en camilla. Una vez más Frida escandalizó a la gente. La dejaron en medio de la sala, y ella se dedicó a distraer al público, contando chistes, y bebiendo. A continuación se dirigió a la prensa, y dijo: "Yo no estoy enferma. Estoy rota."


Hospitalizada en México, muy deteriorada físicamente.

El dolor en su pierna derecha era ahora intolerable y en Agosto de 1953 tuvieron que amputársela por debajo de la rodilla. Le construyeron una pierna ortopédica que le permitía caminar, pero la operación la sumió en un estado de depresión profunda.

Cinco meses más tarde, se las arreglaba para caminar distancias cortas con la pierna artificial e incluso apareció unas pocas veces en público. Su estado de ánimo cambiaba desde la euforia hasta los más negros pensamientos de suicidio.


Frida y Diego,Coyoacán, México,1954

La última aparición pública de Frida fue el 2 de Julio de 1954.


Se cree que esta es su ultima fotografía.

Gravemente enferma con una neumonía, Frida Kahlo falleció durante la noche del 12 al 13 de Julio de 1954, siete días después de su 47 cumpleaños. La causa del fallecimiento fue una embolia pulmonar.


Frida en su lecho de muerte,13 de julio de 1954,Coyoacán,México

En la tarde del 13 de Julio, su ataúd se coloco en el vestíbulo de entrada del Palacio de Bellas Artes velado por una guardia de honor. Rivera dio permiso para envolver el ataúd con una bandera roja estampada con la hoz y el martillo
Frida fue incinerada de acuerdo con el deseo expresado antes de morir.
Sus cenizas se hallan hoy en un jarrón pre-columbino en la casa azul que Frida compartió con Rivera.
Un año después de su muerte, Rivera cedió la casa al gobierno mexicano para convertirla en un museo. Diego Rivera murió en 1957 y a su muerte cedió todos los derechos de su obra así como los de Frida Kahlo a la nación de México. El 12 de Julio de 1958, la Casa Azul se abrió oficialmente como el "Museo Frida Kahlo".


La Casa Azul, Museo Frida Kahlo

Frida dijo: No sé si mis pinturas son o no surrealistas pero, lo que sí estoy segura es que son la expresión más franca de mi ser. Las figuras que hago de mi misma, son lo más sincero y real que he podido hacer para expresar lo que yo he sentido dentro y fuera de mí misma".



Diego ayudó a Frida en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Ya sea que estuviera en París, New York o Coyoacán, Frida siempre vistió con el elaborado traje típico tehuano. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego y el amor de su vida.


Frida en el vestido de Tehuana,Coyoacán, México 1940

Varias veces he visitado La casa Azul, el museo, y varios museos donde habia obras de Frida. He visto muchas de sus pinturas.....aquí os dejo una pequeñísima muestra de toda su gran obra junto con mis comentarios.

Las dos Fridas, 1939, Óleo sobre tela. Colección Museo de Arte Moderno, México, D.F.


Es un autorretrato constituido de dos personalidades: Las Dos Fridas. Este cuadro, es la expresión de los sentimientos de la artista en el momento, cuando se divorcio de Diego Rivera.
Podemos ver a la Frida de la izquierda, la que no ama más a Diego, vestida al estilo europeo. Nos indica su doble origen, madre mexicana mestiza, mitad india, mitad española y padre alemán y judío inmigrante.
Su cuerpo desgarrado de una Frida rechazada, muestra un corazón roto y herido. Ella permanece estoicamente sentada, sangrando sin su sapo príncipe, Diego.
En la izquierda vemos a Frida con un retrato en miniatura de Diego. La vena roja simboliza el cordón umbilical, que sugiere no solo que Diego es su amor sino también, su pequeño.

El accidente, 1926. Lápiz sobre papel.


El momento del impacto se representa en este boceto. Se ve el tranvía que choca contra el autobús, en el que Frida viaja, podéis apreciar varias personas en el suelo, unas heridas, otras que mueren en el accidente. Frida sobrevive pero sufre graves heridas.
Podemos ver el rostro de Frida que aparece como flotando en la escena mirando como testigo del suceso.
Abajo, la vemos acostada y toda vendada, si os fijáis bien, está encima de una camilla en aquella época donde pone cruz roja.

Diego y yo, 1949, Óleo sobre madera.


Podemos ver a Diego, que esta presente en los pensamientos de Frida, situado en las oscuras cejas de la artista. Por años, Frida hizo chistes y se rió de las indiscreciones de Diego pero, las lagrimas de Frida en este retrato nos muestran su pena y su dolor. Una vez Frida comentó, yo he sufrido dos accidentes
graves en mi vida, uno en un autobús que me tumbó….el otro accidente es Diego.
La admiración de Frida por la inteligencia y sabiduría de Diego es sugerida en el tercer ojo incluido en la frente de Diego.
De esta manera expresa su convicción a cerca de la superioridad intelectual y artística de Rivera.

Autorretrato con mono, 1938, Óleo sobre madera.


Las plantas y los árboles y su jardín eran muy importantes para Frida. La casa azul, se convirtió en un lugar muy querido para su retiro y calma. Aunque como podéis ver, en este autorretrato esta naturaleza es representada agreste y selvática, muy diferente de una atmósfera de paz.
Animales exóticos como loros, monos etc habitaban La casa azul en Coyoacán, donde Frida nació y vivió junto a Diego desde 1929 a 1954.
Estas eran las mascotas de Frida y motivos presentes en casi todas sus pinturas.

La Columna Rota 1944


Este autorretrato siempre me ha interesado y me ha llamado mucho la atención todas las veces que lo he visto, me parece muy especial. El cuadro en si, es algo espeso, frió y cálido a la vez. Aquí Frida se pintó sola, sin mascotas, sin monos, ni pericos, etc. Como podéis ver, tampoco hay fondo de hojas protectoras, ni plantas. En lugar de esto, se aprecia una vasta llanura bajo un denso y tormentoso cielo. Vemos a Frida que está sola y llorando. Pienso, que seguramente nos quiere decir, como controla el dolor físico y emocional, como se siente ella sola ante este dolor, como lo afronta por si misma.
En 1944, cuando Frida pintó su autorretrato, su salud se había deteriorado hasta el punto de tener que llevar un corsé de acero para sujetar su columna vertebral. Las correas del corsé parecen ser lo único que aguanta el cuerpo roto de la artista en una pieza y derecho. Una columna jónica, rota en varias partes, representa su columna dañada. La dramática abertura en su cuerpo y las fisuras del seco paisaje se convierten en símbolos del dolor y la soledad de la artista. Este sentimiento se ve acentuado por el poderoso símbolo de los clavos atravesando su cara y cuerpo. El clavo más largo agujereando su corazón indica la fuente del dolor emocional causado por Diego.
Frida originalmente se pintó completamente desnuda pero más tarde decidió que el desnudo integral distraía del tema central del cuadro.


Pensando en la Muerte,1943

Con la maestría de su fina pincelada, Frida dejó plasmado en docenas de autorretratos sus unidas cejas negras y su escaso bigote.

Durante este período, la salud de Frida había declinado hasta el punto donde pasaba la mayor parte de sus días confinada en la cama. Debido a su mala salud, en ese momento y a través de los años, la muerte está siempre en su pensamiento, simbolizada por la calavera y las tibias cruzadas que aparecen en la ventana circular en su frente. De acuerdo con las antiguas tradiciones mexicanas, la muerte simultáneamente significa renacimiento y vida. En este autorretrato, la muerte se presenta contra un detallado fondo de ramas de espino, un símbolo derivado de la mitología pre-hispana, a través de la cual la artista apunta al renacimiento que sigue a la muerte. La muerte se entiende como un sendero de transición de una vida a otra diferente.

Viva la Vida, 1954
Sandias


En los últimos años de su vida, Frida pintó muchas naturalezas muertas. Durante este periodo sufría dolores tan fuertes que era incapaz de salir de casa o incluso
levantarse de la cama. Sus naturalezas muertas usualmente muestran las frutas que ella arreglaba en su mesilla de noche. Algunas de sus naturalezas muertas contienen muchos elementos tomados de otros trabajos de la artista, mientras en otros Frida introdujo un elemento político añadiendo banderas inscripciones y palomas de la paz.
Ocho días antes de su fallecimiento, Frida añadió un toque para acabar ésta, su última pintura, una naturaleza muerta que muestra la pulpa escarlata de una sandia cortada a rodajas contra un fondo que muestra la dualidad vida/muerte, un cielo medio iluminado y medio oscuro.
Por ultima vez, Frida introdujo su pincel en la pintura roja para escribir su nombre y "Coyoacán, 1954, México" en una de las rodajas de sandía. Entonces, en letras mayúsculas, escribió la frase cuya fuerza hace que Frida y su leyenda vivan:

"VIVA LA VIDA".
El 13 de Julio de 1954, a la edad de 47 años, Frida falleció.

Las ultimas palabras en su diario fueron: "Espero que la marcha sea feliz y espero no volver”.